tag:blogger.com,1999:blog-33785128424114739882024-03-13T07:16:46.764-07:00Rhumbas & CanvasRecoveco de ArtesRhumbas Y Canvashttp://www.blogger.com/profile/03200548666285552143noreply@blogger.comBlogger196125tag:blogger.com,1999:blog-3378512842411473988.post-28625480583746272532011-04-30T20:00:00.000-07:002011-04-30T20:00:00.508-07:00El Bolshoi de Rusia reabrirá en octubre<p><img style="border-right-width: 0px; display: block; float: none; border-top-width: 0px; border-bottom-width: 0px; margin-left: auto; border-left-width: 0px; margin-right: auto" title="" border="0" alt="" src="http://lh3.ggpht.com/_TazHRbskdyw/Tbr9fTXvvBI/AAAAAAAAArs/oZcXEdqa7nw/BOLSHOI%5B12%5D.jpg?imgmax=800" width="600" height="402" /> </p> <p> </p> <p align="justify"> </p> <p align="justify">El venerado <strong>Teatro Bolshoi de Rusia</strong> –el cual sobrevivió a grandes incendios, a bombardeos nazis y al pedido de Lenin de hacerlo trizas- está casi listo para su <em>reapertura</em>, luego de años de reconstrucción: lucirá exactamente igual que en la era zarista. </p> <span class="fullpost"> <p align="justify"> </p> <p align="justify">El teatro estará completamente finalizado en el mes de octubre, en base a su diseño del siglo XIX,  con insignias zaristas restauradas, tapicería de seda bordada y madera de abeto acústica, además de paneles hechos de papel mache.</p> <p align="justify"> <br />El edificio rectangular –hogar del famoso <strong>Ballet Bolshoi</strong> y de la <strong>Opera Bolshoi</strong>- también volverá a contar con su auditorio original para violines.</p> <p align="justify"> <br />Se dice que la compañía de construcción aún se encuentra agregando aparatos electrónicos muy sofisticados, rediseñando el piso del escenario y completando el escenario subterráneo. <br />El teatro se encuentra cerrado desde el 2005, momento en que comenzó esta reconstrucción de $ 660 millones<strong>.</strong> </p> </span> Rhumbas Y Canvashttp://www.blogger.com/profile/03200548666285552143noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3378512842411473988.post-72108398351151662322011-04-29T20:00:00.000-07:002011-04-29T20:00:02.772-07:00Proyectos para la 54º Bienal de Venecia<p> <img style="border-right-width: 0px; display: block; float: none; border-top-width: 0px; border-bottom-width: 0px; margin-left: auto; border-left-width: 0px; margin-right: auto" title="" border="0" alt="" src="http://lh3.ggpht.com/_TazHRbskdyw/Tbm8-TRwf1I/AAAAAAAAAro/vK7ZNhY40uk/1%5B11%5D.jpg?imgmax=800" width="600" height="750" /> </p> <p></p> <p> </p> <p align="justify"><strong>8 artistas de la Galería Pace</strong> presentarán grandes proyectos durante la <strong>54º edición de la Bienal de Venecia</strong>, cuya apertura será en el mes de junio. </p> <span class="fullpost"> <p align="justify"> </p> <p align="justify">Se podrán apreciar los trabajos de Hiroshi Sugimoto, Loris Gréaud, Lee Ufan, Zhang Xiaogang, Song Dong, James Turrell, Corban Walker y Zhang Huan en diversos lugares, incluyendo la exposición principal en el Arsenale and Giardini, Palazzo Grassi, Museo Fortuny, Fondazione Claudio Buziol, y el Irish Pavilion.</p> <p align="justify"> </p> <p align="justify">El representante oficial irlandés de esta 54º edición, <strong>Corban Walker</strong>, presentará 3 nuevas instalaciones site-specific en el Irish Pavilion, localizado en el Instituto Santa Maria della Pietà. Dichas instalaciones responden a ciertas reglas y principios matemáticos derivados de la propia altura de Walker, creado una correlación con la experiencia de navegar un mundo creado por otros.</p> <p align="justify"> <br />En la exposición habrá también una escultura masiva hecha de 160 cubos de acero engranados, y dos <em>dibujos </em>de vinilo que trazan las ventanas y el interior del instituto della Pietà. Cada trabajo interactúa con la histórica arquitectura del Pavilion y es, de cierta forma, transparente. </p> <p align="justify"> </p> <p align="justify">Por su parte, el artista <strong>Song Dong</strong> de China fue seleccionado junto con otros 3 artistas para crear el “<em>Parapavilion</em>” –un espacio arquitectónico que hospedara la obra de otro artista-. </p> <p align="justify"> <br />Además, el artista conceptual <strong>Loris Gréaud</strong> presentará The Gepetto Pavilion, una escultura colosal de una ballena encallada en la entrada del Arsenale, con una’ habitación de aislamiento’ en el abdomen de la ballena, para que el público puedo acceder.</p> </span> Rhumbas Y Canvashttp://www.blogger.com/profile/03200548666285552143noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3378512842411473988.post-48815287198047426032011-04-28T20:00:00.000-07:002011-04-28T20:00:06.298-07:00The Beatles y los transeúntes de Abbey Road<p><img style="border-right-width: 0px; display: block; float: none; border-top-width: 0px; border-bottom-width: 0px; margin-left: auto; border-left-width: 0px; margin-right: auto" title="" border="0" alt="" src="http://lh6.ggpht.com/_TazHRbskdyw/Tbhlr8aiqvI/AAAAAAAAArk/PAyHFEd7-R4/ABBEY%20ROAD%5B17%5D.jpg?imgmax=800" width="600" height="328" /></p> <p> </p> <p align="justify">En la imagen vemos a <strong>Paul Cole</strong>, un turista norteamericano que estaba de casualidad vacacionando en Londres, en agosto de 1969. Quizás sientan que lo conocen. Es que, mientras Paul caminaba por la calle John Wood y esperaba a su familia, se cruzó con 4 muchachos que estaban siendo fotografiados en el cruce peatonal. Por lo que Paul se quedó mirando, curioso, una vez, y otra, y otra más. Fue así como su cara fue capturada para la posteridad, en una de las fotos más famosas de todos los tiempos –la cubierta del disco <strong>Abbey Road LP de los Beatles</strong>-. </p> <span class="fullpost"> <p align="justify"> </p> <p align="justify">Paul se encuentra parado a la izquierda de la cabeza de John Lennon. Pero, como una nueva exposición lo revela, Paul podría no haber estado en esta popular portada. “<strong>Beatles y los Transeúntes: los desconocidos de Abbey Road</strong>” (‘<strong><em>Beatles and Bystanders: the unknowns at Abbey Road’</em></strong>) será el título de esta muestra en <strong>Snap Galleries</strong> del <u>espacio Picadilly</u> en el centro de Londres. En ella se descubrirán, por primera vez, aquella docena de personajes que podrían haber estado en el lugar de Paul Cole, si alguna otra toma hubiese sido seleccionada para convertirse en portada del álbum. </p> <p align="justify"> </p> <p align="justify">El hombre detrás de la cámara fue <strong>Iain MacMillan</strong> (1938-2006), quien tomó 6 fotografías ese día, quedando seleccionada la quinta toma. Es la que todos conocemos, The Beatles cruzando de izquierda a derecha: Paul McCartney caminando con un cigarrillo en su mano; John y Ringo en trajes Tommy Nutter, con George Harrison a lo última, vestido de denim. Por su parte, Paul Cole se encuentra en el pavimento derecho, mientras que a la izquierda de la fotografía se encuentra el quinto <em>Beetle</em>… el Volkswagen Beetle, patente LMW 281F, el que adquirió un status inigualable luego de ese flash. </p> </span> Rhumbas Y Canvashttp://www.blogger.com/profile/03200548666285552143noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3378512842411473988.post-34920849361049789802011-04-27T20:00:00.000-07:002011-04-27T20:00:01.278-07:00¿Sólo una bebida o todo un ícono?: Nuevo libro de Coca-Cola<p><img style="border-right-width: 0px; display: block; float: none; border-top-width: 0px; border-bottom-width: 0px; margin-left: auto; border-left-width: 0px; margin-right: auto" title="" border="0" alt="" src="http://lh5.ggpht.com/_TazHRbskdyw/TbhgYlgaIGI/AAAAAAAAArg/jRHQK1LtG8w/COCA%20COLA%5B10%5D.jpg?imgmax=800" width="600" height="402" /></p> <p> </p> <p align="justify">Un nuevo libro ilustrado celebra la bebida más icónica de todo el mundo, la <strong>Coca-Cola</strong> con fotografías de la marca, publicidades y diseños, así como recuerdos de la historia social y la cultura pop. En la actualidad, y a lo largo de las últimas décadas, la Coca Cola ha representado todo un zeitgeist, a partir de la nostalgia y la pregnancia. </p> <span class="fullpost"> <p align="justify"> </p> <p align="justify">Por más de <strong>125 años</strong>, esta bebida se convirtió en el producto más expansivo del mundo, llegando a personas de todo el globo. Habiendo arrancado como una soda de Atlanta, poco a poco fue conquistando el gusto de miles. </p> <p align="justify"> </p> <p align="justify">El líder de la firma de todos los tiempos, <strong>Robert Woodruff</strong>, alcanzó tanto éxito que la Coca-Cola poco menos que se ha convertido en parte del paisaje. </p> <p align="justify"> </p> <p align="justify">Como decía <strong>Andy Warhol</strong>, “<em>Uno puede estar mirando la televisión y ver a Coca-Cola, y uno sabe que el presidente toma Coca-Cola, Liz Taylor tomar Coca-Cola, y tan sólo pensar, que uno toma Coca-Cola, también. Una Coca es una Coca, y ningún dinero puede darte una mejor Coca que la que se está tomando el vago de la esquina. Todas las Cocas son iguales y todas las Cocas son buenas. Liz Taylor lo sabe, el presidente lo sabe, el vago lo sabe, y tú lo sabes</em>”. </p> </span> Rhumbas Y Canvashttp://www.blogger.com/profile/03200548666285552143noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3378512842411473988.post-16771265856975275872011-04-26T20:00:00.000-07:002011-04-26T20:00:00.714-07:00Único e irrepetible: el story board de Stage Fright de A. Hitchcock<p><img style="border-right-width: 0px; display: block; float: none; border-top-width: 0px; border-bottom-width: 0px; margin-left: auto; border-left-width: 0px; margin-right: auto" title="" border="0" alt="" src="http://lh5.ggpht.com/_TazHRbskdyw/TbcfkNOVppI/AAAAAAAAArc/jjMzyVUiH3E/HITCHCOCK%5B21%5D.jpg?imgmax=800" width="600" height="402" /> </p> <p> </p> <p align="justify">Un<strong> storyboard de pre producción</strong>, escrito a mano y de por sí, muy extraño, perteneciente a uno de los films más problemáticos del genial <strong>Alfred Hitchcock</strong>, <strong><em>Stage Fright</em></strong> (1950), se pondrá a la venta en <em>Bonhams Printed Books and Manuscripts</em>, el 7 de junio de este año en Londres.</p> <span class="fullpost"> <p align="justify"> <br />Se estima que el mismo se venda por la (¿pequeña? ¿gran?) suma de <strong>20.000 / 30.000</strong> libras esterlinas. <br />Todos los archivos de producción de Hitchcock posteriores a 1940 permanecen conservados en los <em>archivos Hitchcock</em> en Beverly Hills, haciendo de este storyboard el único en hacerse presente en el mercado. </p> <p align="justify"> </p> <p align="justify"><strong><em>‘Stage Fright’ </em></strong>se hizo muy popular debido a la secuencia de un ‘<em>falso flashback’</em>, la cual Hitchcock describió más tarde como uno de los errores más grandes de su carrera. Más allá del elenco liderado por la divina <strong>Marlene Detrich</strong>, Jane Wyman, Michael Wilding, Richard Todd y Sybil Thorndike, el film no fue exitoso en su momento; a pesar de esto, el mismo ha sido sometido a diversas revisiones críticas en los últimos años. </p> <p align="justify"> </p> <p align="justify">Se sabe que el director era muy prescriptivo y usaba ampliamente sus storyboards, detallando cada toma en cuanto a sus ángulos y dando instrucciones precisas al elenco. De todas formas, existen diferencias significativas entre el producto final y el storyboard, ya que fue agregando o quitando escenas a medida que las circunstancias así lo demandaban. </p> <p align="justify"> </p> <p align="justify">Este storyboard perteneció en su momento a <strong>Jack Martin</strong>, primer asistente de Hitchcock para este film, y fue quien lo entregó al dueño actual.</p> </span> Rhumbas Y Canvashttp://www.blogger.com/profile/03200548666285552143noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3378512842411473988.post-50258250695278735722011-04-26T12:13:00.001-07:002011-04-26T12:13:25.869-07:00Una momia egipcia que devela crímenes<p><img style="border-right-width: 0px; display: block; float: none; border-top-width: 0px; border-bottom-width: 0px; margin-left: auto; border-left-width: 0px; margin-right: auto" title="" border="0" alt="" src="http://lh6.ggpht.com/_TazHRbskdyw/TbcZVB1OV3I/AAAAAAAAArY/fHlroyBVC7Y/momia%5B9%5D.jpg?imgmax=800" width="600" height="402" /> </p> <p> </p> <p> </p> <p align="justify">Un <strong>grupo de médicos de Vermont</strong> y oficiales policiales están develando el misterio de los crímenes modernos más desafiantes de hoy –la muerte inexplicable de unos jóvenes niños- gracias a la ayuda de una <strong>momia egipcia de 2.700 años atrás</strong>.</p> <span class="fullpost"> <p align="justify"> <br />La máquina que realiza las tomografías computadas en el Hospital de la Universidad de Vermont los ayuda a crear un modelo del cadáver de la momia en 3 dimensiones de tamaño natural –los médicos lograron sacar <em>10.000 imágenes</em> de esta momia-. Esto sólo se logra llevando la máquina a niveles de fuerza electrónica que un cuerpo humano no podría soportar, mientras que el de la momia sí. </p> <p align="justify"> </p> <p align="justify">Se supone que el cuerpo de la momia pertenecía a una joven sirvienta egipcia de 14 años, y el mismo fue extraído del Robert Hull Fleming Museum por el <strong>Dr. Jason Johnson</strong>, con el fin de someterlo al scanner mencionado y así saber con exactitud las causas de la muerte de la joven, cuya momificación fue realizada en fino lino.</p> <p align="justify"> <br />Lo que no se esperaba el Dr. Johnson era que estas técnicas podrían llegar a tener otras aplicaciones, incluso ayudar a determinar si los niños que mueren de pequeños son víctimas o no de asesinatos criminales. </p> <p align="justify"> </p> <p align="justify">Desde que la momia fue escaneada en noviembre, los médicos han venido trabajando con esta técnica en casos de muertes infantiles. </p> <p align="justify"> <br />“<em>Ya que la persona a ser escaneada no está viva, uno no se preocupa por la dosis de radiaciones</em>”, expresó el radiólogo <strong>Christopher Filippi</strong>, quien ayudó en la tomografía de la momia y el desarrollo de la nueva técnica. </p> </span> Rhumbas Y Canvashttp://www.blogger.com/profile/03200548666285552143noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3378512842411473988.post-11032948647597594512011-04-21T04:53:00.001-07:002011-04-26T09:48:57.691-07:00Rembrandt y la figura de Jesús<p><img style="border-right-width: 0px; display: inline; border-top-width: 0px; border-bottom-width: 0px; border-left-width: 0px" title="" border="0" alt="" src="http://lh6.ggpht.com/_TazHRbskdyw/TbAawX9sf2I/AAAAAAAAArU/UMw4rytKo5g/rembran%5B6%5D.jpg?imgmax=800" width="600" height="402" /></p> <p> </p> <p align="justify">Para <strong>Rembrandt van Rijn</strong> (1606–1669), el gran artista de la Edad Dorada holandesa, el retrato de temáticas bíblicas era un tema central y siempre buscaba otorgarle desafíos innovadores. El mayor de estos llegó a mitad de su carrera, cuando introdujo el giro radical en el tratamiento de Jesús, cuya imagen había sido representada hasta el momento bajo convenciones de siglos. </p> <span class="fullpost"> <p align="justify">El <strong>Museo de Arte de Filadelfia</strong>, el <strong>Instituto de Artes de Detroit</strong> y el <strong>Museo Louvre de París</strong> organizaron una nueva exposición titulada “Rembrandt y el rostro de Jesús”, una muestra que examina este definitivo cambio a lo largo de 22 pinturas, 17 dibujos y 9 grabados pertenecientes a colecciones privadas y públicas de Europa y de los Estados Unidos. La misma también incluye una serie de cabezas de Cristo encontradas en el estudio y en el hogar del pintor y la recientemente restaurada “Cena en lo de Emaús”, una obra maestra de mediados de su carrera. </p> <p align="justify">La National Gallery de Londres también enviará a EE.UU. por primera vez su más preciada pintura, “Cristo y la Mujer llevadas al Adulterio”. “Rembrandt y el rostro de Jesús”, abrirá sus puertas en el Louvre el 20 de abril, hasta el 18 de julio de este año. Luego, se trasladará a Filadelfia, entre el 3 de agosto y el 20 de octubre. Y, entre el 20 de noviembre y el 12 de febrero de 2012, se podrá disfrutar en el Instituto de Artes de Detroit. Como se enfatiza en el título de la exhibición, Rembrandt comenzó utilizando la cabeza tradicional de Cristo, la cual era la síntesis de una búsqueda de emoción, realismo y drama en su obra. Pero, a fines de la década de 1640, el pintor holandés alcanzó una importante resonancia espiritual, llevándolo a representar un nuevo modelo de Jesús, más comprensivo pero igual de penetrante. </p> <p align="justify">Nacido en Leiden, en el año 1606, Rembrandt alcanzó el reconocimiento de su época en vida, a la vez que sufrió una vasta pérdida personal y ruina económica, que lo forzaron a vender muchas de sus obras y posesiones en subastas. Su pintura más temprana, Stoning of St. Stephen, fue pintada en 1625, y, 3 años más tarde, se hizo de sus primeros estudiantes, reuniendo más de 50 aprendices durante toda su carrera. </p> </span> Rhumbas Y Canvashttp://www.blogger.com/profile/03200548666285552143noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3378512842411473988.post-79025879020310148892011-04-20T11:22:00.001-07:002011-04-20T11:22:19.304-07:00‘La dama del armiño’ de Leonardo saldrá de gira<p><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="" border="0" alt="" src="http://lh6.ggpht.com/_TazHRbskdyw/Ta8kWYRVWTI/AAAAAAAAArQ/plCmnErvJrk/leonardo%5B6%5D.jpg?imgmax=800" width="600" height="402" /> </p> <p> </p> <p> </p> <p align="justify"><strong><em>CRACOVIA</em> – Polonia</strong> - La pintura más preciada en toda Polonia,<strong> ‘La dama del Armiño’</strong> del genio <strong>Leonardo da Vinci</strong>, ha obtenido el permiso para viajar a Gran Bretaña, Alemania y España. </p> <p align="justify"> <br />La discusión le llevó casi un año a los expertos en arte y al Ministerio de Cultura del país, hasta que finalmente decidieron que esta obra maestra del siglo XV podía salir del territorio. </p> <span class="fullpost"> <p align="justify"> </p> <p align="justify">Será entonces exhibida en 3 países extranjeros, durante 3 meses en cada uno de ellos: empezará en mayo, en el Palacio Real de Madrid, siguiendo en la Gemaeldegalerie de Berlin durante el mes de agosto y terminando en la galería Nacional de Londres durante el mes de noviembre. <br />En febrero regresará a Cracovia, en donde ha permanecido por más de 100 años. Quedará allí hasta, al menos, el año 2022. </p> <p align="justify"> </p> <p align="justify">Leonardo pintó el retrato de Cecilia Gallerani en un soporte de madera castaña alrededor del año 1490. Ha permanecido a la familia Czartoryski desde el siglo XIX.</p> </span> Rhumbas Y Canvashttp://www.blogger.com/profile/03200548666285552143noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3378512842411473988.post-54375437149465404602011-04-19T12:46:00.001-07:002011-04-19T12:46:47.881-07:00‘La Última Cena’ sucedió un miércoles<p></p> <p><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="" border="0" alt="" src="http://lh5.ggpht.com/_TazHRbskdyw/Ta3mpjktQ2I/AAAAAAAAArM/8GhrY62n_iM/rc%5B18%5D.jpg?imgmax=800" width="600" height="402" /> </p> <p align="justify"> </p> <p align="justify">Un científico de la Universidad de Cambridge, hace tiempo que ansía resolver una de las más antiguas contradicciones de la Biblia: <strong>¿cuándo sucedió realmente la Última Cena?</strong> </p> <p align="justify">Al parecer, la Última Cena sucedió un miércoles –un día antes de lo pensado-. Los cristianos han marcado históricamente la última cena de Jesús el día del Jueves Santo, pero, gracias al redescubrimiento del antiguo calendario judía, el profesor Colin Humphreys sugirió una nueva interpretación. </p> <p align="justify"><span class="fullpost">“<em>Me intrigaban mucho las historias bíblicas pertinentes a la semana final de Jesús, en la cual nadie había podido encontrar una mención al día miércoles. Es por eso que fue denominado el día perdido</em>”, expresó Humphreys. Sus hallazgos ayudaron a rearmar la inconsistente historia entre el Evangelio de San Matías, San Marcos y San Lucas, quienes decían que la Última Cena coincidía con la Pascua, y el de San Juan, quien decía que la cena se realizó antes de la festividad judía, conmemorando el éxodo de Egipto. </span></p> <p align="justify"><span class="fullpost">Humphreys sugirió que Jesús, junto con Matías, Marcos y Lucas, estaban utilizando el calendario previo al exilio, el cual databa desde los tiempos de Moisés, y contaba el primer día del nuevo mes a partir del final del antiguo ciclo lunas, mientras que Juan hacía referencia al calendario oficial judío de ese mismo día. El profesor comentó que se trata de un error muy curioso para cualquiera, ya que la pascua judía es por demás importante para esta religión. Si la cena de Pascuas y la Última Cena efectivamente se realizaron un miércoles, ayudaría a explicar cómo la cantidad extraordinaria de eventos comentada en los Evangelios entre ambas fechas se pudieron de verdad realizar. </span></p> <p align="justify"><span class="fullpost">Con la ayuda de un astrónomo, <strong>Humphreys reconstruyó el calendario pre-exilio y ubicó la Pascua en el año 33 d.C., año en que se cree Cristo fue crucificado, el miércoles 1º de Abril. </strong></span></p> Rhumbas Y Canvashttp://www.blogger.com/profile/03200548666285552143noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3378512842411473988.post-37394393649582674722011-04-18T11:32:00.001-07:002011-04-18T11:32:52.412-07:00Yto Barrada en el Guggenheim de Alemania<p align="justify"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="" border="0" alt="" src="http://lh5.ggpht.com/_TazHRbskdyw/TayD0ufSsLI/AAAAAAAAArI/1J0pud-Fqvc/yto%5B10%5D.jpg?imgmax=800" width="600" height="402" /> </p> <p align="justify">La ‘<em>Artista del Año 2011</em>’, <strong>Yto Barrada</strong>, -seleccionada por el Deutsche Bank-, se encuentra exponiendo en una gran muestra, titulada <strong><a href="http://www.artdaily.com/index.asp?int_sec=2&int_new=46632" target="_blank">Riffs</a></strong>, en el <strong>museo Guggenheim de Alemania</strong>. En esta exposición se puede disfrutar de los films, las fotografías, publicaciones, esculturas e instalaciones de la artista, todas manifestaciones contextualizadas en su lugar de origen, Tánger (Moroco) y la situación sociopolítica del norte de África. </p> <span class="fullpost"> <p align="justify"> </p> <p align="justify">Su más reciente proyecto, denominado <em>Iris Tingitana</em>, extiende la investigación sobre la historia poscolonial de Tánger hacia los límites de la ciudad, en donde la visión mono cultural de los inversores amenaza con homogeneizar los paisajes y las vidas de sus habitantes. </p> <p align="justify"> </p> <p align="justify">En esta muestra, se intenta construir un espacio tridimensional, a partir de la yuxtaposición de sus trabajos. El título de la misma se encuentra inspirado en la música, en la cual un ‘<em>riff’</em> sirve para generar figuras rítmicas, es decir, una frase musical.</p> <p align="justify"> <br />El nombre ‘<em>riff’</em> también se encuentra relacionado con las montañas Rif de Moroco, hogar de muchas insurgencias, y con el Rif Cinema art deco, que hospeda a la <strong>Tánger Cinémathèque</strong>. </p> <p align="justify"> </p> <p align="justify">Yto Barrada fue criada en Tánger y en París, en donde estudió historia y ciencias políticas en la Sorbona, mientras atendía a las clases del International Center of Photography en Nueva York. Sus prácticas, las cuales combinan las estrategias de un documental con un acercamiento más meditativo a las imágenes, la llevaron a volver a su país luego de 16 años de permanecer en el exterior. Hoy por hoy, se encuentra viviendo allí, muy comprometida con las complejidades sociales de la realidad de Tánger.</p> </span> Rhumbas Y Canvashttp://www.blogger.com/profile/03200548666285552143noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3378512842411473988.post-49646787263797807892011-04-15T10:27:00.001-07:002011-04-15T10:38:55.824-07:00Reliquia hebrea para el Nelson-Atkins Museum<p><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: inline; border-top: 0px; border-right: 0px" title="" border="0" alt="" src="http://lh5.ggpht.com/_TazHRbskdyw/TaiAFXobfCI/AAAAAAAAArE/TUE79MOIdUQ/1%5B1%5D.jpg?imgmax=800" width="600" height="400" /></p> <p> </p> <p align="justify">Una muy extraña copia de la edición del <strong><a href="http://www.artdaily.com/index.asp?int_sec=2&int_new=46573" target="_blank">Barcelona Haggdah</a></strong> (editada en 1992 en Londres) fue adquirida por la <strong>Spencer Art Reference Library del Nelson-Atkins Museum of Art</strong> en la ciudad de Kansas. </p> <p align="justify"><span class="fullpost">Con respecto a la adquisición, habló Molly Levitt, expresando: “<em>el regalo del Haggdah a la biblioteca del Nelson-Atkins es muy adecuado. Nuestra familia se encuentra honrada</em>”. El manuscrito original del Barcelona Haggadah data del siglo XIV en España, y se llama así por una de sus ilustraciones que muestra los escudos de Barcelona. </span></p> <p align="justify"><span class="fullpost">El manuscrito, por demás decorado, fue adquirido por el Museo Británico en el año 1844. Ahora, esta edición es especialmente rara; la más cercana a ella será la que está guardada en la biblioteca de la Universidad de Chicago. La presidenta de la biblioteca del museo, <strong>Marilyn Carbonell</strong>, expresó que se trata del mejor ejemplo de manuscrito medieval hebreo que documente una tradición histórica, cultural y artísticamente relevante. El Haggadah, típicamente utilizado en las casas para la celebración de la pascua judía, es uno de los textos más frecuentemente ilustrados de la literatura judía y cuenta la historia del Éxodo. </span></p> Rhumbas Y Canvashttp://www.blogger.com/profile/03200548666285552143noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3378512842411473988.post-88409429950789207242011-04-14T10:23:00.001-07:002011-04-14T10:23:58.106-07:00Una retrospectiva para Miró<p><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="" border="0" alt="" src="http://lh5.ggpht.com/_TazHRbskdyw/TacthPwp9lI/AAAAAAAAArA/OAH_KLsMjYM/miro%5B18%5D.jpg?imgmax=800" width="600" height="605" /></p> <p> </p> <p>El <strong>Tate Modern</strong> en Londres, Inglaterra, presentó la más importante <em>retrospectiva del artista español <strong>Joan Miró</strong></em> (1893–1983). La misma estará abierta al público entre el 14 de abril y el 11 de septiembre del corriente año. <span class="fullpost">Esta exposición, titulada <strong>Joan Miró: la escalera del escape</strong> (<em>Joan Miró: The Ladder of Escape</em>), contará con 150 pinturas, obras en papel y esculturas de este alucinante artista del siglo XX. Se podrán explorar los vastos contextos de su producción, desde su compromiso político hasta su identidad catalana, pasando por la ascensión del régimen franquista hasta la Guerra Civil Española. Joan Miró se vio influenciado por el lenguaje surrealista, a partir de símbolos que evocan una gran sensación de libertas y energía en su espectacular imaginería y paleta de color. Muchas veces es vinculado con lo que conocemos por Expresionismo Abstracto, y es celebrado por su cautivante serenidad y vivacidad. </span></p> <p><span class="fullpost"></span></p> <p><span class="fullpost"><strong>Miró: color y expresión</strong> </span></p> <p><span class="fullpost">J</span><span class="fullpost">oan Miró i Ferrà nació en Barcelona el 20 de abril de 1893 y estudio bellas artes en la Academia Galí, entre los años 1912 y 1915. Desde el año 1923, pasó mucho tiempo en Paris y se convirtió en figura clave del movimiento surrealista. Con su joven familia, permaneció en Francia durante la Guerra Civil española, retornando a España cuando los alemanes la invadieron en 1940. Miró, entonces, se asentó en Mallorca, y permaneció durante el resto de su vida allí. El artista falleció el 25 de diciembre de 1983 en su hogar. En la actualidad, representa uno de los más importantes íconos del arte del siglo XX. </span></p> Rhumbas Y Canvashttp://www.blogger.com/profile/03200548666285552143noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3378512842411473988.post-3012353329302236052009-11-11T05:05:00.001-08:002010-04-21T08:20:37.805-07:00El Papa de los artistas<p style="text-align: justify"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="" border="0" alt="" src="http://lh6.ggpht.com/_TazHRbskdyw/S88XxBByiVI/AAAAAAAAAn8/5OGn326cRSE/bill%5B7%5D.jpg?imgmax=800" width="600" height="535" /> </p> <p style="text-align: justify">Más de 250 artistas incluyendo a <a title="Ennio Morricone: sitio oficial" href="http://www.enniomorricone.com/" target="_blank"><strong>Ennio Morricone</strong></a> y <a title="Bill Viola: sitio oficial" href="http://www.billviola.com/" target="_blank"><strong>Bill Viola</strong></a> se reunirán con el <a title="Papa Benedicto XVI" href="http://www.vatican.va/holy_father/benedict_xvi/index_sp.htm" target="_blank"><em><strong>Papa Benedicto XVI</strong></em></a> este mes para<strong><em> reavivar las relaciones de la Iglesia con el mundo del arte</em></strong>.</p> <p style="text-align: justify"> </p> <p style="text-align: justify">El 21 de noviembre se realizará la reunión en la <a title="Capilla Sixtina, Vaticano" href="http://mv.vatican.va/3_EN/pages/CSN/CSN_Main.html" target="_blank">Capilla Sixtina</a>, y será un “<em>momento representativo que mostrará la voluntad de diálogo entre la iglesia y la institución arte</em>”, dijo el Cardenal Gianfranco Ravasi, presidente del Consejo Pontificio para la Cultura.</p> <p style="text-align: justify"> </p> <p style="text-align: justify">Todas las artes estarán representadas, desde la <strong>pintura</strong>, el <strong>cine</strong>, la <strong>poesía </strong>y desde el <strong>teatro </strong>hasta la <strong>arquitectura</strong>, la <strong>literatura </strong>y la <strong>música</strong>. El artista de video norteamericano Bill Viola y el director británico <a title="Peter Greenaway" href="http://www.petergreenaway.info/" target="_blank"><strong>Peter Greenaway</strong></a> se unirán a una multitud italiana de 255 artistas que incluye también a los directores <a title="Nanni Moretti" href="http://ec.eurecom.fr/~giorcell/Nanni/nanni_eng.html" target="_blank">Nanni Moretti</a> y <a title="Marco Bellocchio" href="http://www.italica.rai.it/esp/cinema/biografias/bellocchio.htm" target="_blank">Marco Bellocchio</a>.</p> <span class="fullpost"> <p style="text-align: justify"> </p> <p style="text-align: justify"></p> <p style="text-align: justify"></p> <p style="text-align: justify">Las charlas vuelven después de 45 años con una iniciativa similar, aquella también llevada a cabo en la Capilla Sixtina, cuando el <a title="Papa Pablo VI" href="http://www.vatican.va/holy_father/paul_vi/index_sp.htm" target="_blank">Papa Pablo VI</a> ofreció un mea culpa por el tratamiento de la iglesia con los artistas del pasado. La fecha coincide también con el momento –hace 10 años- en que el <a title="Papa Juan Pablo II" href="http://www.vatican.va/holy_father/john_paul_ii/index_sp.htm" target="_blank">Papa Juan Pablo II</a> escribió una carta a los artistas enfatizando que la iglesia “necesita arte”.</p> </span> Rhumbas Y Canvashttp://www.blogger.com/profile/03200548666285552143noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3378512842411473988.post-55952179420397246472009-11-11T04:58:00.001-08:002010-04-21T08:14:54.684-07:00El Fellini de todos los tiempos<p style="text-align: justify"><strong><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="" border="0" alt="" src="http://lh5.ggpht.com/_TazHRbskdyw/S88WMY8MH2I/AAAAAAAAAng/3mylsffemI8/Fellini%20drawing%20CU%5B11%5D.jpg?imgmax=800" width="600" height="420" /> </strong></p> <p style="text-align: justify"><a title="Fellini" href="http://www.cinemanet.com.ar/federico-fellini-biografia/" target="_blank"><em><strong>Fellini</strong></em></a>, alguna vez visto como un mero bromista, se ha convertido en todo un <em>clásico</em>. El <a title="Jeu de Paume, París" href="http://www.jeudepaume.org/" target="_blank"><strong>Jeu de Paume en Paris</strong></a> está honorando al cineasta italiano con una vasta exposición, aptamente titulada “<em><strong>La Grande Parade</strong></em>”.</p> <p style="text-align: justify"> </p> <p style="text-align: justify"><strong>Procesiones</strong>, <strong>disfraces </strong>y <strong>payasos </strong>son leitmotifs de sus películas. A la edad de 7 años, Fellini (1920-1993) se escapó de su colegio para ir tras un <a title="Circo" href="http://es.wikipedia.org/wiki/Circo" target="_blank"><strong>circo</strong></a><strong> </strong>móvil. A pesar de que la aventura prontamente terminó, el circo permaneció como una <em>obsesión para todo su vida</em>. La muestra en el espacio de la exposición en el <a title="Jardín de las Tullerías" href="http://www.parisdigest.com/takingarest/parcdestuileries.htm" target="_blank">Jardín de las Tullerías</a>, no intenta mostrar la vida de Fellini cronológicamente. Esa es una sabia decisión, imponiendo una tendencia que nos hace reinventar su pasado constantemente.</p> <p style="text-align: justify"><span class="fullpost"></span> <p style="text-align: justify"></p> <p style="text-align: justify">En cambio, las muestras –fotografías, posters, revistas, films y los propios dibujos de Fellini- están agrupadas en temáticas más o menos específicas.</p></p> Rhumbas Y Canvashttp://www.blogger.com/profile/03200548666285552143noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3378512842411473988.post-86615011106571953392009-11-11T04:55:00.001-08:002010-04-21T08:17:29.350-07:00¿Baco o... Caravaggio?<p style="text-align: justify"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; border-top: 0px; border-right: 0px" title="" border="0" alt="" src="http://lh6.ggpht.com/_TazHRbskdyw/S88W6FDC2KI/AAAAAAAAAn0/Y9iitTEDmDg/baco%5B7%5D.jpg?imgmax=800" width="600" height="709" /></p> <p style="text-align: justify">Otro descubrimiento en virtud de las nuevas tecnologías se alía con la historia del arte. Gracias a una <em>reflectografía multiespectral</em> realizada sobre la pintura <strong>Bacchus (Baco)</strong> de <a title="Caravaggio" href="http://www.caravaggio.com/" target="_blank"><em><strong>Caravaggio</strong></em></a>, preservada en la <a title="Galeria Uffizi de Florencia" href="http://www.uffizi.com/" target="_blank"><strong>galería Uffizi</strong></a> en <a title="Florencia, Italia" href="http://www.aboutflorence.com/florencia/" target="_blank">Florencia</a>, ha sido posible reconocer una <em>pequeña figura reflejada en la jarra de plástico</em> en el lado izquierdo, identificable como un <em><strong>autorretrato del pintor lombardo</strong></em>.</p> <p style="text-align: justify"> </p> <p style="text-align: justify"><em><strong> Michelangelo Merisi</strong></em> pintó, dentro del jarro, el contorno de un personaje parado con un brazo extendido hacia adelante, cuyos rasgos faciales son claramente distinguibles, en particular la nariz, los ojos y el cuello. Hoy, podemos declarar que <strong>el gran maestro hizo su autorretrato reflejado</strong> allí en la jarra que pintó entre <em>1595-97 </em>(él tenía entonces 25 años de edad). Por algún tiempo se pensó que la cara de Caravaggio estaba escondida en algún lugar de la tela del joven <a title="Baco. Mitologia" href="http://www.elloroestepario.com/mitologia.html" target="_blank">Baco</a>, pero ningún experto lo había podido documentar.</p> <p style="text-align: justify"> </p> <p style="text-align: justify">Mientras esta obra maestra magnificente estaba siendo restaurada en 1922, Matteo Maragoni declaró que había observado una<em> pequeña cabeza reflejada en el jarrón</em>, similar al ‘Frutero’ o el Bacchus Borghese, a los cuales quería relacionar con las características de Caravaggio, “grandes órbitas oculares, nariz amplia y desairada, labios rellenos y semi-abiertos; pero ahora con una inspección directa resulta imposible encontrarlo: es sólo posible descubrir un manojo de pelo negro, la huella de una cara, un poco de blanco en el cuello”.</p> <p style="text-align: justify"> </p> <p style="text-align: justify">La sensacional identificación hecha en los últimos días ha sido posible gracias a los análisis arduo sofisticados de la pintura, llevados a cabo con instrumentos de avanzada. Durante el estudio realizado por <a title="Art=Test" href="http://www.art-test.com/" target="_blank">Art-Test</a>, la investigadora Roberta Lapucci percibió “<em>la presencia de una pequeña cabeza y de una base o una tela pequeña, en el jarro</em>. <em>Luego del procesamiento de las imágenes adquirido por el reflectógrafo multiespectral, obtuvimos una imagen clara de lo que el artista había pintado. Podemos ver a un muy joven Caravaggio, creando con un pincel en su mano</em>”.</p> <span class="fullpost"> <p style="text-align: justify"> </p> <p style="text-align: justify">El área del jarrón, como resultado de un test de rayos fluorescentes UV, ha sido modificada por extensas restauraciones, pero estas no superpusieron completamente a la figura. Lo que ha escondido hasta ahora el contorno del autorretrato es probablemente un <strong>barniz </strong>puesto en todas las zonas oscuras de la pintura, durante una vieja intervención. El único problema que se presentó, en relación con el hallazgo, es la discusión acerca de <strong>quién ha identificado primeramente el autorretrato de Caravaggio</strong> representado en la jarra. Luego del anuncio hecho por Art-Test, quienes claman haber sido los primeros, el 31 de octubre pasado el <a title="Opificio delle Pietre Dure" href="http://www.opificiodellepietredure.it/" target="_blank">Opificio delle Pietre Dure</a> y el CNR (Consejo Nacional de Investigación) denunciaron que el diagnóstico del hallazgo ya había sido documentado por el Opificio y por el Instituto Nacional de óptica aplicada del CNR.</p> <p style="text-align: justify"> </p> <p style="text-align: justify"><img style="margin-left: 20px; margin-right: 20px" class="alignleft size-medium wp-image-265" title="" alt="" src="http://turecurso.com/artes/wp-content/uploads/2009/11/jarron-baco-219x300.jpg" width="219" height="300" />Además de la disputa entre Art-Test y el Opificio Florentino, deberíamos mencionar que el Baco es una pintura maravillosa que fue comisionada a Caravaggio por el Cardenal De Monte quien se lo entregó a <a title="Ferdinando I de Medici" href="http://es.wikipedia.org/wiki/Fernando_I_de_Toscana" target="_blank">Ferdinando I de Médici </a>en ocasión de la celebración del casamiento de su hijo <strong>Cosimo II</strong>. En la pintura, el vino ha sido recientemente volcado y Baco sostiene la jarra con incertidumbre. Maurizio Calvesi, historiador de arte, interpretó esta obra como parte del <a title="Genero Mitologico Alegorico" href="http://cvc.cervantes.es/literatura/aispi/pdf/11/11_129.pdf" target="_blank">género alegórico-mitológico</a>: lo andrógino del sujeto debería ser entendido como la unión de los opuestos. Por otro lado, otros expertos creen que la tela es una alegoría de la sangre de Cristo ofrecida para salvar a la humanidad.</p> <p style="text-align: justify"> </p> <p style="text-align: justify"> </p> <p style="text-align: justify"> </p> <p style="text-align: justify">Casi luego de 400 años de su muerte, el gran Michelangelo Merisi nos ha dado una sorpresa, pero también una demostración de una técnica muy fina que enriquece aún más la extraordinaria contribución que le entregó al arte y a la pintura.</p> </span> Rhumbas Y Canvashttp://www.blogger.com/profile/03200548666285552143noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3378512842411473988.post-9627944859324355582009-11-11T04:53:00.001-08:002010-04-21T08:22:59.135-07:00Marzia, la escandalosa<p style="text-align: justify"></p> <p style="text-align: justify"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="" border="0" alt="" src="http://lh4.ggpht.com/_TazHRbskdyw/S88YUjEuVII/AAAAAAAAAoA/0IiLHNyBIvs/marzia%5B6%5D.jpg?imgmax=800" width="600" height="450" /> </p> <p style="text-align: justify"><a title="Marzia Migliora" href="http://www.marziamigliora.com/" target="_blank"><strong>Marzia Migliora</strong></a> es la ganadora de la <em>10ª edición</em> del <strong>Premio Cairo</strong>, el evento conectado con la revista mensual <a title="Revista ARTE" href="http://www.artepro.com/magazine/accueil.htm" target="_blank"><strong>Arte</strong></a>, promocionada por el editor Urbano Cairo en apoyo al arte joven. Cada artista que fue invitado presentó <strong>2 obras</strong>, una de su <em>propio repertorio</em> y otra creada <em>específicamente </em>para el evento.</p> <p style="text-align: justify"> </p> <p style="text-align: justify">Pero esta es una regla que parece haber sido violada: la obra “<strong><em>Pier Paolo Pasolini</em></strong>” de la ganadora del 2009 <strong>no es nueva</strong>, como fue impuesto por las reglas del concurso. En el momento de la entrega de premios, el dueño de la <a title="Galería Romana Changing Role" href="http://changingrolegallery.com/" target="_blank">Galería Romana Changing Role</a>, Guido Cabib, habló desde la audiencia: “<em>¡No puede ser! ¡La obra de Marzia Migliora ya ha sido vista! ¡El año pasado estaba en el stand de Lia Rumma durante la feria de Roma, y de acuerdo a las regulaciones del premio debe ser nueva!</em>”.</p> <span class="fullpost"> <p style="text-align: justify"> </p> <p style="text-align: justify"></p> <p style="text-align: justify">Vergüenza general, abucheos y tentativas de la artista de explicar cómo el trabajo fue concebido...</p> <p style="text-align: justify"></p> <p style="text-align: justify">Es posible de ver en Internet la reproducción de esta instalación, en el sitio web de la galería de <a title="Galería de Lia Rumma" href="http://www.liarumma.it/" target="_blank"><strong>Lia Rumma</strong></a><strong> </strong>y en el sitio web de “<a title="Roma Contemporánea" href="http://www.romacontemporary.it/" target="_blank">El Camino al Arte Contemporáneo de Roma</a>”.</p> </span> Rhumbas Y Canvashttp://www.blogger.com/profile/03200548666285552143noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3378512842411473988.post-15336900244624643622009-11-11T04:49:00.001-08:002010-04-21T08:26:35.756-07:00Increíble ánfora romana al descubierto<p style="text-align: justify"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="" border="0" alt="" src="http://lh4.ggpht.com/_TazHRbskdyw/S88ZKs1eZWI/AAAAAAAAAoE/5eINRUKqn2k/anfora%5B7%5D.jpg?imgmax=800" width="600" height="375" /> </p> <p style="text-align: justify">Expertos de la <a title="Casa de Subastas Bonhams" href="http://www.bonhams.com/" target="_blank"><em><strong>casa de subastas Bonhams</strong></em></a> en Londres han recientemente identificado un <strong>ánfora </strong>increíble con figuras blancas como una <em>pieza de arte rara</em>. Probablemente realizada en el <strong>siglo I</strong> por una <strong>familia romana noble</strong>, la vasija, de unos 33,5 cm de alto, es uno de los <strong>16 </strong>ejemplos de esta clase existentes en todo el mundo y ya está determinada como <em><strong>la de mayor importancia y belleza</strong></em>. A pesar de que es muy similar a la famosa <a title="Vasija de Portland" href="http://www.arssummum.net/details.php?image_id=1635&sessionid=ff908159ed6a4aa4c9db8b25707dc7cf&sessionid=ff908159ed6a4aa4c9db8b25707dc7cf" target="_blank">Vasija Portland</a>, la cual se encuentra en el <a title="Museo Británico" href="http://www.britishmuseum.org/" target="_blank">Museo Británico</a>, es más grande y presenta una decoración mucho más rica.</p> <p style="text-align: justify"> </p> <p style="text-align: justify">La vasija está decorada con una<em> escena de batalla animada por 39 figuras </em>que elegantemente emergen del fondo oscuro. El maravilloso descubrimiento pertenece a un <strong>coleccionista europeo</strong> quien inmediatamente entendió la alta calidad de la pieza a pesar de no conocer su verdadero valor artístico hasta que la llevó a Bonhams para aprender más acerca de su historia. Realizada por los mejores artesanos del <a title="Imperio Romano" href="http://www.imperioromano.com/" target="_blank"><em><strong>Imperio Romano</strong></em></a>, la vasija está formada por dos capas de vidrio, una azul cobalto con una capa blanca por encima: luego de secada, la capa blanca fue tallada, lijada y limpiada para realizar la decoración de estilo camafeo.</p> <span class="fullpost"> <p style="text-align: justify"> </p> <p style="text-align: justify"></p> <p style="text-align: justify"><em>Chantelle Rountree</em>, presidenta del departamento de antigüedades de Bonhams, declaró: “E<em>sto es de importancia internacional. Académica y artísticamente tiene un valor incalculable</em>”. Por el momento no hay planes de vender la vasija, por lo que los estudiantes tienen tiempo para examinarla y estudiarla. <em>Richard Falkiner</em>, uno de los expertos que la analizó, declaró: “<em>por lo que puedo ver, la restauración la hace ver como si hubiese estado fuera de la tierra desde el siglo XVIII, probablemente el XVI</em>”.</p> <p style="text-align: justify"> </p> <p style="text-align: justify"></p> <p style="text-align: justify">Los artefactos de este estilo son muy apreciados y a lo largo de los siglos se han convertido en una fuente de inspiración para talentosos ceramistas y trabajadores de la porcelana: la renombrada Vasija Portland, de 9 pulgadas de alto y restaurada varias veces, ha sido recordada desde el siglo XVIII en adelante.</p> </span> Rhumbas Y Canvashttp://www.blogger.com/profile/03200548666285552143noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3378512842411473988.post-64975281257709530572009-11-06T04:41:00.001-08:002010-04-21T08:31:36.472-07:00Sombra para el MOMA<p style="text-align: justify"> <img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="" border="0" alt="" src="http://lh6.ggpht.com/_TazHRbskdyw/S88aNXp1agI/AAAAAAAAAoU/StGw8KxVgrk/moma%5B18%5D.jpg?imgmax=800" width="600" height="1333" /> </p> <p style="text-align: justify">El <a title="Consejo de Nueva York" href="http://topics.nytimes.com/top/reference/timestopics/organizations/c/city_council_new_york_city/index.html?inline=nyt-org" target="_blank">Consejo de la Ciudad de Nueva York</a> aprobó los planes para la <em>construcción </em>de una <strong>torre de 82 pisos</strong> al lado del <a title="Museo de Arte Moderno: MOMA" href="http://www.moma.org/" target="_blank"><em><strong>Museo de Arte Moderno</strong></em></a>. La torre, diseñada por el arquitecto <a title="Jean Nouvel Sitio Oficial" href="http://www.jeannouvel.com/" target="_blank"><strong>Jean Nouvel</strong></a>, mediría 320.04 metros (1050 pies), más que 381 metros (1250 pies) que fue la primer dimensión propuesta. El <em>Departamento de Planeamiento Urbano</em> estipuló este cambio en el último mes.</p> <span class="fullpost"> <p style="text-align: justify">  </p> <p style="text-align: justify"></p> <p style="text-align: justify"></p> <p style="text-align: justify"></p> <p style="text-align: justify"><a title="Hines" href="http://www.epiprensa.com/meetig-point/hines.html" target="_blank">Hines</a>, el desarrollador del edificio, pagó<strong> $ 125 millones de dólares</strong> al museo por la propiedad de la Calle Oeste nº 35, entre la Quinta y la Sexta Avenida, dedicada a incluir un <em>hotel</em>, <em>apartamentos residenciales </em>y <em>espacio de exposición</em> adicional para el museo. La gente que vive cerca del lugar se opuso a la construcción de la torre ya que es demasiado alta para el vecindario.</p> <p style="text-align: justify"> </p> <p style="text-align: justify">Como la altura inferior reducirá el espacio disponible a <strong>45.720 mts2</strong> (150,000 pies2), no está claro aún si el diseño de Nouvel será revisado y si todos los componentes planificados aún así cabrán en el edificio.</p> <p style="text-align: justify">El consejo aprobó las variaciones de la torre por 45 votos a 3. El edificio, que habría sido tan alto como el <a title="Empire State Building" href="http://www.empire.state.ny.us/" target="_blank"><strong>Empire State</strong></a> Building, será ahora alto como el <a title="Edificio Chrysler" href="http://www.greatbuildings.com/buildings/Chrysler_Building.html" target="_blank">Edificio Chrysler</a>.</p> </span> Rhumbas Y Canvashttp://www.blogger.com/profile/03200548666285552143noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3378512842411473988.post-28757346010122712602009-11-06T04:37:00.001-08:002010-04-21T08:33:31.956-07:00El adiós a Roy DeCarava<p style="text-align: justify"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="" border="0" alt="" src="http://lh3.ggpht.com/_TazHRbskdyw/S88aynGBrMI/AAAAAAAAAoY/UGDkx6ndvpo/lighting-up%5B6%5D.jpg?imgmax=800" width="600" height="405" /> </p> <p style="text-align: justify"><a title="Roy DeCarava" href="http://www.masters-of-photography.com/D/decarava/decarava.html" target="_blank"><strong>Roy DeCarava</strong></a>, hijo de una madre soltera de Harlem, quien volcó al vecindario en sus telas y se convirtió en uno de los <em>fotógrafos más importantes</em> de su generación al realizar las <strong>crónicas de su gente y sus ídolos del jazz, </strong>falleció a la edad de <strong><em>89 años</em>.</strong></p> <p style="text-align: justify"> </p> <p style="text-align: justify">Su muerte fue anunciada por <a title="Sherry Turner DeCarava" href="http://www.examiner.com/Subject-Sherry_Turner_DeCarava.html" target="_blank">Sherry Turner DeCarava</a>, su esposa e historiadora del arte quien frecuentemente escribió acerca de su obra.</p> <p style="text-align: justify"> </p> <p style="text-align: justify">DeCarava <em>estudió para ser pintor</em>, pero cuando empezó a usar la cámara para fotografiar sus trabajos, comenzó a gravitar justamente hacia la <strong>fotografía</strong>, en parte por su inmediatez y también por las limitaciones que veía él al ser un <strong>artista negro</strong> en una <em>nación segregada</em>. “<em>Un pintor negro, para ser artista</em>”; dijo una vez, “<em>debe de ingresar al mundo de los blancos o no funcionar – debe aceptar los valores de la cultura blanca</em>”.</p> <p style="text-align: justify"> </p> <p style="text-align: justify"></p> <p style="text-align: justify"></p> <p style="text-align: justify">Con una carrera de aproximadamente <strong>70 años</strong>, DeCarava fue primeramente honrado por ser el fundador de una <em><strong>escuela afro-americana de fotografía</strong></em> que rompió con las tradiciones sociales del momento. Él sentía que sus imágenes hablarían más como <em>registro de la vida negra en América</em>, y no ya a partir de los objetivos abiertamente humanistas de mentores como <a title="Edward Steichen" href="http://www.spartacus.schoolnet.co.uk/USAPsteichen.htm" target="_blank">Edward Steichen</a>.</p> <span class="fullpost"> <p style="text-align: justify"> </p> <p style="text-align: justify">“<em>No quiero declaraciones documentales o sociológicas</em>”, escribió en la aplicación para una beca en el <a title="Museo Guggenheim" href="http://www.guggenheim.org/" target="_blank">Guggenheim</a>, que <strong>ganó en 1952</strong>, convirtiéndose en el primer fotógrafo negro en hacerlo. Su objetivo, explicó, era en realidad “u<em>na expresión creativa, un punto de vista penetrante y comprensivo de los negros, como, entiendo, sólo un fotógrafo negro puede interpretar</em>”. Sus libros, como “El dulce matamoscas de la Vida”, un best-seller de 1955 y sus más famosas fotografías fueron altamente influenciables, preparando el terreno para los jóvenes fotógrafos como <a title="Beuford Smith" href="http://www.artcalendr.com/index.cfm/events/artfinder.artistHome/aid/326408/artist/Beuford%20Smith/" target="_blank">Beuford Smith</a> y <a title="Carrie Mae Weems" href="http://www.womeninphotography.org/Events-Exhibits/DistinguishedPhotog/CarrieMaeWeems_2005/Weems.html" target="_blank">Carrie Mae Weems</a>. Entre las imágenes más memorables esta aquella de la niña en un prístino vestido de graduación caminando por una calle desolada y sombría; un hombre que asciende fatigosamente del metro; y un retrato en escena de <a title="John Coltrane Sitio Oficial" href="http://www.johncoltrane.com/" target="_blank"><strong>John Coltrane</strong></a> tocando con una mirada furiosa y entrecerrada.</p> <p style="text-align: justify"> </p> <p style="text-align: justify"></p> <p style="text-align: justify">“<em>La gente negra no era retratada de una manera seria y artística</em>”, declaró en 1982.</p> <p style="text-align: justify"><a title="Peter Galassi" href="http://www.nytimes.com/1991/10/12/arts/peter-galassi-is-modern-s-photo-director.html" target="_blank">Peter Galassi</a>, el jefe curador de fotografía del Museo de Arte Moderno, quien organizó una retrospectiva de DeCarava en 1996, dijo: “<em>Tenía realmente un talento natural. Hacía una hermosa imagen seguida de otra. Miraba a la vida cotidiana de Harlem desde su intimidad, no desde una visión política o sociológica. Ningún fotógrafo blanco o negro había mostrado antes la vida común tan perceptiva y tiernamente, tan persuasivamente</em>”.</p> </span> Rhumbas Y Canvashttp://www.blogger.com/profile/03200548666285552143noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3378512842411473988.post-52461355662686357642009-11-06T04:27:00.001-08:002010-04-21T08:35:05.568-07:00Mona Lisa suprema<p style="text-align: justify"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="" border="0" alt="" src="http://lh3.ggpht.com/_TazHRbskdyw/S88bKFNn5tI/AAAAAAAAAog/RxJgYvv7whE/mona%5B6%5D.jpg?imgmax=800" width="600" height="360" /> </p> <p style="text-align: justify">La versión gigante de la obra maestra de <a title="Leonardo Da Vinci" href="http://centros5.pntic.mec.es/ies.victoria.kent/Rincon-C/Cie-Hist/Leonardo/Leonardo.htm" target="_blank"><strong>Leonardo Da Vinci</strong></a> está en actual exposición en el <a title="Eagles Meadow Shopping, UK" href="http://www.eagles-meadow.co.uk/index/home" target="_blank"><strong>shopping Eagles Meadow</strong></a> en <a title="Wrexham, UK" href="http://www.wrexham.gov.uk/" target="_blank">Wrexham</a>, en el Reino Unido. Mide <strong>17.5 metros</strong>, cubriendo 240 m2 y es <strong>50 veces más grande que la pintura original del siglo XVI que cuelga en el Museo Louvre en París</strong>.</p> <p style="text-align: justify"> </p> <p style="text-align: justify">La versión de Wrexham, es dos veces más grande que la versión pintada por <a title="Rolf Harris Sitio Oficial" href="http://www.rolfharris.com/" target="_blank"><strong>Rolf Harris</strong></a><strong> </strong>en Edimburgo en 2005 –la anterior más grande del mundo. La artista <a title="Katy Webster Sitio Oficial" href="http://www.katywebster.com/" target="_blank"><em><strong>Katy Webster</strong></em></a> estuvo a cargo del proyecto que involucró a <strong>245 personas</strong> y tomó <strong>987 horas</strong> para ser pintado, utilizando <strong>86 litros de pintura</strong>.</p> <span class="fullpost"> <p style="text-align: justify"> </p> <p style="text-align: justify">Fue pintado en sesiones de diferentes segmentos por grupos comunitarios incluyendo a la Escuela Primaria Victoria y el Centro Haulfan para gente con discapacidades. Luego de que la Mona Lisa gigante fuera revelada, la artista dijo: “<em>Es un poco impactante lo grande que es pero su sonrisa sigue siendo igual de enigmática. Tomó casi una semana hacer su cara; eso fue lo más duro porque todos saben como luce, por lo que tuvimos que ser cien por ciento exactos</em>.”</p> </span> Rhumbas Y Canvashttp://www.blogger.com/profile/03200548666285552143noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3378512842411473988.post-39646570767972903652009-11-02T04:48:00.001-08:002010-04-21T08:36:39.578-07:00Expansión del Museo del Prado<p style="text-align: justify"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="" border="0" alt="" src="http://lh6.ggpht.com/_TazHRbskdyw/S88bhTDR6_I/AAAAAAAAAok/04Sf0YDJP0M/museo%5B6%5D.jpg?imgmax=800" width="600" height="450" /> </p> <p style="text-align: justify">El prestigioso <a title="Museo del Prado" href="http://www.museodelprado.es/" target="_blank"><strong>Museo del Prado</strong></a> en Madrid está continuando satisfactoriamente su <em>plan de reorganización interna</em>, generalmente obteniendo la atención del público gracias a sus iniciativas. Esta vez la<strong> famosa pinacoteca</strong> ha cruzado un importante umbral de su desarrollo, al presentar una variedad de <em>habitaciones nuevas</em> para hospedar una colección sustancial de <strong>obras del siglo XIX</strong>. De hecho, la colección permanente, está siendo enriquecida con <em><strong>176 piezas</strong></em>: 152 pinturas, 2 acuarelas, 21 esculturas y un modelo arqueológico que completan la panorámica histórica-artística propuesta por el museo.</p> <p style="text-align: justify"> </p> <p style="text-align: justify">“<a title="Arte del siglo XIX en el Museo del Prado" href="http://www.museodelprado.es/coleccion/plan-de-colecciones-2009-2012/evolucion-actual-del-plan/las-colecciones-del-siglo-xix/un-nuevo-siglo-en-el-museo-del-prado/" target="_blank"><strong>La Colección: su segunda expansión</strong></a>” es una de las operaciones principales del <em>plan de acción del museo</em>, para el período <strong>2009-2012</strong>. El proyecto implica un aumento del 50 % de la cantidad de trabajos en exposición, durante los cuatro años en cuestión. La apertura de estos nuevos cuartos, ya representa un incremento del 20% con respecto a los trabajos actualmente en exhibición.</p> <p style="text-align: justify"> </p> <p style="text-align: justify"></p> <p style="text-align: justify">La muestra de inauguración “<strong>El siglo XIX en el Prado</strong>”, acompañó la apertura de la nueva y ampliada colección, recibiendo <em>más de un millón de visitantes</em> que no se querían perder la primera gran ocasión de ver obras de los grandes maestros del siglo XIX, cercanos a los grandes genios del pasado. La colección permanente, que incluye un <em><strong>extenso período que va del siglo XII al siglo XX</strong></em>, de la <a title="Pintura romántica" href="http://www.arteespana.com/pinturaromantica.htm" target="_blank">pintura romántica</a> a las <a title="Vanguardias del siglo XX" href="http://www.uca.edu.sv/deptos/letras/sitio_pers/rbeltran/document/mat_ha/material1.pdf" target="_blank">vanguardias</a>, perteneció al Prado desde el año 1819, y a lo largo de los años se ha ido enriqueciendo con grandes obras maestras, las cuales se mostrarán en esta oportunidad<em> por primera vez</em>.</p> <p style="text-align: justify"> </p> <p style="text-align: justify"></p> <p style="text-align: justify">Las nuevas adquisiciones están valorizadas también al ser organizadas en los <strong>12 cuartos</strong> de acuerdo a un orden cronológico, teniendo en cuenta asimismo los diferentes <em>géneros </em>y <em>tendencias </em>que caracterizaron al <strong>siglo XIX</strong>. Bastante impresionante es el nuevo cuarto que cierra este ciclo de obras, el cuarto de la <em>Presentación de las Colecciones</em>: es una suerte de área de estudio, un limbo que pretende hospedar las <em>fases transitorias del museo</em>, con muestras temporales de pequeños grupos de obras inaccesibles anteriormente.</p> <span class="fullpost"> <p style="text-align: justify"> </p> <p style="text-align: justify"></p> <p style="text-align: justify">El nuevo show comienza en el primer piso, en la galería central dedicada a aquellos artistas del siglo pasado que estaban en conexión con la apertura del museo. La primera sección, denominada “<em><strong><a title="Francisco de Goya" href="http://commons.wikimedia.org/wiki/Francisco_de_Goya" target="_blank">Goya</a>, <a title="Neoclasicismo" href="http://www.euskalnet.net/tz/Dieciocho.htm" target="_blank">Neoclasicismo</a> y orígenes del Museo del Prado</strong></em>”, es introducida por una grandiosa escultura de <a title="Reina Isabel de Braganza" href="http://es.rodovid.org/wk/Persona:90718" target="_blank">Isabel de Braganza</a>, reina de España y co-fundadora de la pinacoteca. La muestra continúa con el cuarto del <em>Romanticismo</em>, que reúne a los principales protagonistas del movimiento en España, seguidos por dos cuartos dedicados respectivamente a <a title="Federico de Madrazo" href="http://www.artcyclopedia.com/artists/madrazo_y_kuntz_federico_de.html" target="_blank">Federico de Madrazo</a> y a <a title="Eduardo Rosales" href="http://www.pintorrosales.com/" target="_blank">Eduardo Rosales</a>. La próxima habitación, que hospeda pintura histórica, anticipa las obras de <a title="Fortuny: artista" href="http://www.fortuny.com/" target="_blank">Fortuny</a> y <a title="Rico: artista español" href="http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/pintores/3128.htm" target="_blank">Rico</a> antes de llegar a la sección dedicada a <a title="Raimundo de Madrazo" href="http://www.painting-palace.com/es/artists/2934-raimundo-de-madrazo-y-garreta" target="_blank">Raimundo de Madrazo</a>. Un tono más intimista se percibe en el próximo cubículo, que ilustra excelentes ejemplos de <a title="Paisajes realistas" href="http://www.artehistoria.jcyl.es/artesp/contextos/5139.htm" target="_blank"><strong>paisajes realistas</strong></a>, cuyo representante es <a title="Carlos de Haes" href="http://es.encarta.msn.com/encyclopedia_761586795/Carlos_de_Haes.html" target="_blank">Carlos de Haes</a>, similar a la sección acerca del <a title="El naturalismo" href="http://usuarios.lycos.es/maupassant/Estilo.htm" target="_blank">naturalismo</a> en donde podemos admirar obras nacidas en los ambientes de las escuelas regionales.</p> <p style="text-align: justify"> </p> <p style="text-align: justify"></p> <p style="text-align: justify">Una serie de obras monumentales caracteriza a la décima galería, con el retorno a la <a title="Pintura histórica" href="http://www.cossio.net/actividades/pinacoteca/p_04_05/pintura_de_la_historia.htm" target="_blank">temática histórica</a>, mayoritariamente pinturas hechas por jóvenes artistas que adhirieron al género, muy apreciados en las muestras nacionales españolas, con el fin de obtener éxito. <a title="Joaquín Sorolla" href="http://museosorolla.mcu.es/" target="_blank"><strong>Joaquín Sorolla</strong></a> (1863.1923), uno de los más grandes artistas españoles entre finales del siglo XIX y principios del XX, tiene un cuarto exclusivamente dedicado a él; es el cuarto nº 11 en donde podemos admirar 10 de sus obras. Finalmente, el último cuarto, “<em>Presentación de la Galería de las Colecciones</em>", está destinada como fue dicho, a la rotación de las obras que no se encuentran en exposición permanente. Hay también ejemplos de arte extranjero, que a pesar de que no son numerosos, sí son muy importantes para confrontar las diferentes situaciones artísticas en los diversos países en un mismo período. Algunos de los trabajos extranjeros más relevantes son las esculturas de Venus y Marte por <a title="Antonio Canova" href="http://www.artelibre.net/ARTELIBRE2/NEOCLASICISTAS/CANOVA/canova.htm" target="_blank">Antonio Canova</a>, y el Hermes de <a title="Bertel Thorvaldsen" href="http://es.wikipedia.org/wiki/Bertel_Thorvaldsen" target="_blank">Bertel Thorvaldsen</a>, y las pinturas características de <a title="David Roberts" href="http://www.egipto.com/museo/david_roberts/" target="_blank">David Roberts</a>, <a title="Alma-Tadema" href="http://pintura.aut.org/SearchAutor?Autnum=11.143" target="_blank">Alma-Tadema</a> y <a title="Meissonier" href="http://www.biografiasyvidas.com/biografia/m/meissonier.htm" target="_blank">Meissonier</a>.</p> <p style="text-align: justify"></p> <div style="position: absolute; width: 1px; height: 1px; overflow: hidden; top: 342px; left: -10000px" id="_mcePaste">http://es.encarta.msn.com/encyclopedia_761586795/Carlos_de_Haes.html</div> </span> Rhumbas Y Canvashttp://www.blogger.com/profile/03200548666285552143noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3378512842411473988.post-46713595798138524822009-11-02T04:41:00.001-08:002010-04-21T08:40:56.407-07:00Los tesoros de Ingmar Bergman<p style="text-align: justify"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="" border="0" alt="" src="http://lh3.ggpht.com/_TazHRbskdyw/S88ch-PIYEI/AAAAAAAAAoo/UkBa1ZZqfRE/ingmarbergman%5B6%5D.jpg?imgmax=800" width="600" height="468" /> </p> <p style="text-align: justify">Las <em>rústicas propiedades</em> en la <a title="Isla de Faro" href="http://es.wikipedia.org/wiki/Isla_de_Faro" target="_blank"><strong>Isla de Fårö</strong></a> en el Báltico –donde el director<strong> <a title="Biografía de Ingmar Bergman" href="http://www.decine21.com/perfiles/Ingmar-Bergman" target="_blank">Ingmar Bergman</a> </strong>vivió, trabajó, produjo varios de sus films y murió- se convertirá en un<em> lugar de retiro sin fines de lucro para artistas y estudiantes</em>.</p> <p style="text-align: justify"> </p> <p style="text-align: justify">La venta de sus propiedades, que incluyen una <em>biblioteca</em>, una <em>videoteca</em>, <em>mobiliario </em>y <em>obras de arte</em>, fue organizada por <a title="Linn Ullmann" href="http://www.hoycinema.com/perfil/Linn-Ullmann.htm" target="_blank"><strong>Linn Ullmann</strong></a>, la <em>hija de Bergman con su matrimonio Liv Ullmann</em>.</p> <p style="text-align: justify">‘<strong><em>Ahora, la herencia de mi padre estará preservada</em></strong>’ dijo Linn Ullmann en una entrevista telefónica. ‘Nadie lo ha comprado para hacer el ‘bed and breakfast’ de Bergman o Bergmanland’.</p> <p style="text-align: justify"> </p> <p style="text-align: justify">Cuando <strong>Ingmar murió en 2007</strong>, Ullmann dijo, su testamento decía que sus propiedades debían ser divididas igualmente entre sus<em> 9</em> hijos. Con respecto a esto, '<em>él no quería absolutamente ningún barullo emocional</em>’, dijo Ullmann. ‘<em>Esto es un trocito de Tolstoy o Chekhov, su voluntad</em>’.</p> <p style="text-align: justify"> </p> <p style="text-align: justify">Bergman también hablaba afectivamente acerca de sus propiedades en Fårö, incluyendo un <strong>cine </strong>que había establecido en un granero reconstruido, y pensaba ‘<em>qué divertido sería si, luego de su muerte, los artistas continuaran yendo allí y trabajando allí</em>’.</p> <span class="fullpost"> <p style="text-align: justify"> </p> <p style="text-align: justify">La primera vez que Bergman visitó Fårö, cerca de las costas de Gotland, Suecia, en 1960, estaba buscando lugares para su película ‘<a title="Thorugh a Glass Darkly" href="http://www.imdb.com/title/tt0055499/" target="_blank">Through a Glass Darkly</a>’. También produjo allí otros films como ‘<strong>Persona</strong>’, ‘<strong>The Shame</strong>’, ‘<strong>La Pasión de Anna</strong>’ y ‘<strong>Escenas de un Matrimonio</strong>’. Murió en su casa y fue enterrado en la Iglesia de Fårö juntamente con su esposa Ingrid.</p> <p style="text-align: justify"> </p> <p style="text-align: justify">Hace como un año, Ullmann empezó a buscar un comprador de las propiedades. ‘En la 12º hora’, un arqueólogo e inventor noruego,<strong> Hans Gude Gudesen</strong>, las compró de las herencias de Bergman, y donó la utilización de las instalaciones para investigación y fines artísticos.</p> <p style="text-align: justify">Ullmann dijo que el lugar comenzará a buscar un director artístico y planeaban su inauguración para el verano de 2010. ‘<a title="Woody Allen" href="http://www.woodyallen.com/" target="_blank">Woody Allen</a> estará invitado, ya que fue uno de sus fans nº 1, y nunca lo conoció en persona’.</p> </span> Rhumbas Y Canvashttp://www.blogger.com/profile/03200548666285552143noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3378512842411473988.post-73743835900570571142009-10-30T05:25:00.001-07:002010-04-21T08:45:13.833-07:00Buenos Aires POP<p style="text-align: justify"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: inline; border-top: 0px; border-right: 0px" title="" border="0" alt="" src="http://lh3.ggpht.com/_TazHRbskdyw/S88diJ7vJwI/AAAAAAAAAos/TR_PhvRCIoI/warhol%5B6%5D.jpg?imgmax=800" width="600" height="600" /> </p> <p style="text-align: justify">Las obras de <a title="Museo Andy Warhol" href="http://www.warhol.org/" target="_blank"><strong>Andy Warhol</strong></a> que actualmente están rondando por Milwaukee, Wisconsin hasta Atenas y Grecia, llegarán a <em><strong>América del Sur</strong></em>.</p> <p style="text-align: justify"> </p> <p style="text-align: justify"><a title="MALBA: Andy Warhol: Mr América" href="http://www.malba.org.ar/warhol/" target="_blank"><em><strong>Andy Warhol: Mr. América en el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA), entre el 23 de Octubre de 2009 hasta el 9 de Febrero de 2010</strong></em></a>.</p> <p style="text-align: justify"></p> <p style="text-align: justify"></p> <p style="text-align: justify"></p> <p style="text-align: justify"> </p> <p style="text-align: justify">La primera gran exposición de las obras de <em>Warhol en Argentina</em>, ha sido organizada para Sudamérica en conjunto con el <em>Museo Warhol de Pittsburgh</em> y el <a title="Museo de Arte del Banco de la República de Bogotá" href="http://www.lablaa.org/museodearte.htm" target="_blank"><em>Museo de Arte del Banco de la República de Bogotá</em></a><em>, Colombia</em>.</p> <p style="text-align: justify"></p> <p style="text-align: justify"></p> <p style="text-align: justify"></p> <p style="text-align: justify"> </p> <p style="text-align: justify">La exposición exhibe <strong>140 obras</strong> del período de La <a title="La Factory de Warhol" href="http://aevr.wordpress.com/2007/05/07/the-factory-andy-warhol/" target="_blank"><strong>Factory</strong></a><strong> </strong>(1961-1968), cuando el <strong>artista pop</strong> creó las imágenes icónicas de América, como las <em>latas de sopa Campbell</em>, las <em>botellas de Coca-Cola</em>, y los retratos de celebridades que van desde <em>Marilyn Monroe</em> hasta<em> Elizabeth <em>Taylor</em>, produciendo impresiones con un <strong>método serigráfico. </strong></em></p> <span class="fullpost"> <p style="text-align: justify"><em></em></p> <p style="text-align: justify"> </p> <p style="text-align: justify">Las 26 pinturas, las 57 serigrafías, las 39 fotografías, 2 instalaciones (Nubes de Plata y Empapelado de Vaca), y 14 films, incluyendo Las Chicas de Chelsea, Cowboys Solitarios y pruebas de actores en pantalla incluyendo a <a title="Dennis Hopper" href="http://www.imdb.com/name/nm0000454/" target="_blank">Dennis Hopper</a> y <a title="Edie Sedgwick Sitio Oficial" href="http://www.rams.demon.co.uk/esmain.htm" target="_blank">Edie Sedgwick</a>, viajará luego a la Pinacoteca en San Pablo, Brasil, entre el 15 de Mayo y el 18 de Julio de 2010.</p> </span> Rhumbas Y Canvashttp://www.blogger.com/profile/03200548666285552143noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3378512842411473988.post-82713353213716764712009-10-30T05:21:00.001-07:002010-04-21T08:47:15.517-07:00Mary Cassatt llega al Metropolitan<p style="text-align: justify"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="" border="0" alt="" src="http://lh5.ggpht.com/_TazHRbskdyw/S88eAioXYvI/AAAAAAAAAow/t0qyuZgHq1o/501%5B6%5D.jpg?imgmax=800" width="600" height="410" /> </p> <p style="text-align: justify">Hay mucho para ver y pensar en "<a title="Historias Americanas: Pinturas de la vida cotidiana, 1765-1915" href="http://www.metmuseum.org/special/americanstories/index.aspx?&HomePageLink=special_c1a" target="_blank"><strong>Historias americanas: Pinturas de la vida cotidiana, 1765-1915</strong></a>", en el <a title="Museo Metropolitano de Arte" href="http://www.metmuseum.org/" target="_blank"><strong>Museo Metropolitano de Arte</strong></a>. Todos somos curadores en esta muestra que yuxtapone trabajos, y agrupa obras que forman pequeños espectáculos.</p> <p style="text-align: justify"> </p> <p style="text-align: justify">Por ejemplo: <a title="Biografía de Mary Cassatt" href="http://www.ibiblio.org/wm/paint/auth/cassatt/" target="_blank"><em><strong>Mary Cassatt</strong></em></a> es una de las artistas que se roba el show. Los 4 Cassatts, que dominan el <em>6º salón de la galería</em>, demuestran la excelencia de la artista para <strong>pintar niños</strong>.</p> <p style="text-align: justify"> </p> <p style="text-align: justify">Estas 4 obras fueron realizadas luego de que Cassatt se instaló en París en 1874, y de que se convirtiera en amiga cercana de <a title="Biografía de Edgar Degas" href="http://www.artelista.com/161-edgar-degas.html" target="_blank"><strong>Degas</strong></a>. En 3 de las obras se puede ver a la artista tomando notas de él así como de <strong><a title="Biografía de Edward Manet" href="http://es.wikipedia.org/wiki/%C3%89douard_Manet" target="_blank">Manet</a> </strong>y <a title="Pierre Auguste Renoir" href="http://www.spanisharts.com/history/del_impres_s.XX/impresionismo/impresionismo_renoir.html" target="_blank"><strong>Renoir</strong></a>, para pintar niñas pequeñas en complejidad, y adultos independientes con una sutileza que pocos de sus contemporáneos, franceses o americanos, pudieron lograr.</p> <span class="fullpost"> <p style="text-align: justify"> </p> <p style="text-align: justify">En "<em>Madre Joven Cosiendo</em>" (1900), la niña se inclina en el regazo de su madre fijando su mirada en nosotros, espectadores, con misterio y suspicacia. En "<em>Una mujer y una niña conduciendo</em>" (1881), una adulta joven atentamente conduce un carruaje por un parque, que quizás sea <a title="Parque de Boulogne" href="http://www.paris.fr/portail/es/Portal.lut?page_id=8251&document_type_id=5&document_id=34483&portlet_id=19040" target="_blank">Bois de Boulogne</a>. La niña a su lado observa las ruedas, pero su desenfocada mirada sugiere que su mente está en otro lugar.</p> <p style="text-align: justify"> </p> <p style="text-align: justify">El tercer Cassatt, "<em>Pequeña niña en un sillón azul</em>", representa a una joven solitaria, nuevamente con la mente perdida, pero posiblemente aburrida, y considerando llevar a cabo alguna travesura.</p> <p style="text-align: justify"> </p> <p style="text-align: justify">El cuarto Cassatt aquí es "<em>Señora en la mesa de té</em>", de 1883-85, que muestra a una imperiosa y crecida mujer, elegante sin vanidad, y en estado de alerta. Pareciera ser, como en el resto de las pinturas, que ella creció pensando en ella misma.</p> <p style="text-align: justify"> </p> <p style="text-align: justify">En el <strong>Metropolitan</strong>, es claro que la<em> representación de niños </em>ha sido correctamente identificada como uno de los <strong>grandes logros de Cassatt</strong>, lo que no es un dato menor.</p> </span> Rhumbas Y Canvashttp://www.blogger.com/profile/03200548666285552143noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-3378512842411473988.post-28597594737963558262009-10-30T05:14:00.001-07:002010-04-21T08:53:20.097-07:00Efecto dominó para el Muro de Berlín<p style="text-align: justify"><img style="border-bottom: 0px; border-left: 0px; display: block; float: none; margin-left: auto; border-top: 0px; margin-right: auto; border-right: 0px" title="" border="0" alt="" src="http://lh4.ggpht.com/_TazHRbskdyw/S88fbmNuQKI/AAAAAAAAAo0/jfwr1Lfrzow/berrrrrrrrr%5B6%5D.jpg?imgmax=800" width="600" height="400" /> </p> <p style="text-align: justify">El <a title="La caída del Muro de Berlín" href="http://www.redescolar.ilce.edu.mx/redescolar/act_permanentes/historia/html/caida_del_muro/murodeberlin.htm" target="_blank">muro de Berlín</a> volverá para brevemente dividir nuevamente a la capital alemana el próximo mes - pero con gigantes e intensamente coloreados dominós antes que losas de cemento. Como actividad resaltada de una celebración de 5 millones de euros que celebrará el 20o aniversario de la caída del muro de Berlín el 9 de noviembre, un segmento del muro de 1.5 Km de largo será levantado por dos días juntamente con la ruta original en frente de la Puerta de Brandemburgo.</p> <p style="text-align: justify"> </p> <p style="text-align: justify">La fila de <strong>1.000 piezas de dominó</strong> (20 Kgs.) separadas por 1.5 metros entre cada una –pintadas en colores brillantes por jóvenes estudiantes, y las cuales alcanzan 2.5 metros de alto- <em>serán derribadas al final de una ceremonia de gala</em> como un tributo simbólico al derrumbamiento del Muro 20 años atrás.</p> <p style="text-align: justify">  </p> <p style="text-align: justify">“<em>Es sólo una atracción temporaria</em>”, dijo el alcalde de Berlín Klaus Wowereit, resaltando los planes para el festival de dos días conmemorando la caída de lo que el Este comunista había categorizado como “<strong>Barrera de Protección Anti-Fascista</strong>” para evitar la agresión desde el Oeste.</p> <span class="fullpost"> <p style="text-align: justify"> </p> <p style="text-align: justify">“<em>No creo que a nadie se le ocurra la idea de que estamos reconstruyendo el Muro entre el Este y el Oeste de Berlín nuevamente. Pero hubo muchos quienes ridiculizaron esta idea al principio. Se ha visto como una manera maravillosa para simbolizar la caída del Muro</em>”. El Presidente Ruso Dmitry Medvedev, el Presidente de Francia Nicolás Sarkozy, el Primer Ministro Británico Gordon Brown y la Secretaria de Estado de los EE.UU. Hillary Clinton presenciarán las festividades, dijo. </p> <p style="text-align: justify"> </p> <p style="text-align: justify"><strong>La caída del Muro de Berlín sucedió el 9 de noviembre de 1989</strong> luego de meses de tensión creciente en Alemania del Este. Muchos se precipitaron inmediatamente a pasos de la frontera después de que un <em>líder Comunista de Alemania del Este</em> dijo en una conferencia de prensa que ellos tenían absoluta libertad para viajar al Oeste. El muro de Berlín, un símbolo de la <a title="La Guerra Fría" href="http://www.historiasiglo20.org/GF/index.htm" target="_blank"><strong>guerra fría</strong></a> que había hendido la ciudad y Alemania, plácidamente fue derrumbado en los meses que siguió. Las dos Alemanias se reunieron 11 meses más tarde en 1990.</p> </span> Rhumbas Y Canvashttp://www.blogger.com/profile/03200548666285552143noreply@blogger.com0