Rhumbas & Canvas

El Bolshoi de Rusia reabrirá en octubre

2011-04-30T20:00:00.000-07:00

El venerado Teatro Bolshoi de Rusia –el cual sobrevivió a grandes incendios, a bombardeos nazis y al pedido de Lenin de hacerlo trizas- está casi listo para su reapertura, luego de años de reconstrucción: lucirá exactamente igual que en la era zarista.

El teatro estará completamente finalizado en el mes de octubre, en base a su diseño del siglo XIX, con insignias zaristas restauradas, tapicería de seda bordada y madera de abeto acústica, además de paneles hechos de papel mache.

El edificio rectangular –hogar del famoso Ballet Bolshoi y de la Opera Bolshoi- también volverá a contar con su auditorio original para violines.

Se dice que la compañía de construcción aún se encuentra agregando aparatos electrónicos muy sofisticados, rediseñando el piso del escenario y completando el escenario subterráneo.
El teatro se encuentra cerrado desde el 2005, momento en que comenzó esta reconstrucción de $ 660 millones.

Proyectos para la 54º Bienal de Venecia

2011-04-29T20:00:00.000-07:00

8 artistas de la Galería Pace presentarán grandes proyectos durante la 54º edición de la Bienal de Venecia, cuya apertura será en el mes de junio.

Se podrán apreciar los trabajos de Hiroshi Sugimoto, Loris Gréaud, Lee Ufan, Zhang Xiaogang, Song Dong, James Turrell, Corban Walker y Zhang Huan en diversos lugares, incluyendo la exposición principal en el Arsenale and Giardini, Palazzo Grassi, Museo Fortuny, Fondazione Claudio Buziol, y el Irish Pavilion.

El representante oficial irlandés de esta 54º edición, Corban Walker, presentará 3 nuevas instalaciones site-specific en el Irish Pavilion, localizado en el Instituto Santa Maria della Pietà. Dichas instalaciones responden a ciertas reglas y principios matemáticos derivados de la propia altura de Walker, creado una correlación con la experiencia de navegar un mundo creado por otros.

En la exposición habrá también una escultura masiva hecha de 160 cubos de acero engranados, y dos dibujos de vinilo que trazan las ventanas y el interior del instituto della Pietà. Cada trabajo interactúa con la histórica arquitectura del Pavilion y es, de cierta forma, transparente.

Por su parte, el artista Song Dong de China fue seleccionado junto con otros 3 artistas para crear el “Parapavilion” –un espacio arquitectónico que hospedara la obra de otro artista-.

Además, el artista conceptual Loris Gréaud presentará The Gepetto Pavilion, una escultura colosal de una ballena encallada en la entrada del Arsenale, con una’ habitación de aislamiento’ en el abdomen de la ballena, para que el público puedo acceder.

The Beatles y los transeúntes de Abbey Road

2011-04-28T20:00:00.000-07:00

En la imagen vemos a Paul Cole, un turista norteamericano que estaba de casualidad vacacionando en Londres, en agosto de 1969. Quizás sientan que lo conocen. Es que, mientras Paul caminaba por la calle John Wood y esperaba a su familia, se cruzó con 4 muchachos que estaban siendo fotografiados en el cruce peatonal. Por lo que Paul se quedó mirando, curioso, una vez, y otra, y otra más. Fue así como su cara fue capturada para la posteridad, en una de las fotos más famosas de todos los tiempos –la cubierta del disco Abbey Road LP de los Beatles-.

Paul se encuentra parado a la izquierda de la cabeza de John Lennon. Pero, como una nueva exposición lo revela, Paul podría no haber estado en esta popular portada. “Beatles y los Transeúntes: los desconocidos de Abbey Road” (‘Beatles and Bystanders: the unknowns at Abbey Road’) será el título de esta muestra en Snap Galleries del espacio Picadilly en el centro de Londres. En ella se descubrirán, por primera vez, aquella docena de personajes que podrían haber estado en el lugar de Paul Cole, si alguna otra toma hubiese sido seleccionada para convertirse en portada del álbum.

El hombre detrás de la cámara fue Iain MacMillan (1938-2006), quien tomó 6 fotografías ese día, quedando seleccionada la quinta toma. Es la que todos conocemos, The Beatles cruzando de izquierda a derecha: Paul McCartney caminando con un cigarrillo en su mano; John y Ringo en trajes Tommy Nutter, con George Harrison a lo última, vestido de denim. Por su parte, Paul Cole se encuentra en el pavimento derecho, mientras que a la izquierda de la fotografía se encuentra el quinto Beetle… el Volkswagen Beetle, patente LMW 281F, el que adquirió un status inigualable luego de ese flash.

¿Sólo una bebida o todo un ícono?: Nuevo libro de Coca-Cola

2011-04-27T20:00:00.000-07:00

Un nuevo libro ilustrado celebra la bebida más icónica de todo el mundo, la Coca-Cola con fotografías de la marca, publicidades y diseños, así como recuerdos de la historia social y la cultura pop. En la actualidad, y a lo largo de las últimas décadas, la Coca Cola ha representado todo un zeitgeist, a partir de la nostalgia y la pregnancia.

Por más de 125 años, esta bebida se convirtió en el producto más expansivo del mundo, llegando a personas de todo el globo. Habiendo arrancado como una soda de Atlanta, poco a poco fue conquistando el gusto de miles.

El líder de la firma de todos los tiempos, Robert Woodruff, alcanzó tanto éxito que la Coca-Cola poco menos que se ha convertido en parte del paisaje.

Como decía Andy Warhol, “Uno puede estar mirando la televisión y ver a Coca-Cola, y uno sabe que el presidente toma Coca-Cola, Liz Taylor tomar Coca-Cola, y tan sólo pensar, que uno toma Coca-Cola, también. Una Coca es una Coca, y ningún dinero puede darte una mejor Coca que la que se está tomando el vago de la esquina. Todas las Cocas son iguales y todas las Cocas son buenas. Liz Taylor lo sabe, el presidente lo sabe, el vago lo sabe, y tú lo sabes”.

Único e irrepetible: el story board de Stage Fright de A. Hitchcock

2011-04-26T20:00:00.000-07:00

Un storyboard de pre producción, escrito a mano y de por sí, muy extraño, perteneciente a uno de los films más problemáticos del genial Alfred Hitchcock, Stage Fright (1950), se pondrá a la venta en Bonhams Printed Books and Manuscripts, el 7 de junio de este año en Londres.

Se estima que el mismo se venda por la (¿pequeña? ¿gran?) suma de 20.000 / 30.000 libras esterlinas.
Todos los archivos de producción de Hitchcock posteriores a 1940 permanecen conservados en los archivos Hitchcock en Beverly Hills, haciendo de este storyboard el único en hacerse presente en el mercado.

‘Stage Fright’ se hizo muy popular debido a la secuencia de un ‘falso flashback’, la cual Hitchcock describió más tarde como uno de los errores más grandes de su carrera. Más allá del elenco liderado por la divina Marlene Detrich, Jane Wyman, Michael Wilding, Richard Todd y Sybil Thorndike, el film no fue exitoso en su momento; a pesar de esto, el mismo ha sido sometido a diversas revisiones críticas en los últimos años.

Se sabe que el director era muy prescriptivo y usaba ampliamente sus storyboards, detallando cada toma en cuanto a sus ángulos y dando instrucciones precisas al elenco. De todas formas, existen diferencias significativas entre el producto final y el storyboard, ya que fue agregando o quitando escenas a medida que las circunstancias así lo demandaban.

Este storyboard perteneció en su momento a Jack Martin, primer asistente de Hitchcock para este film, y fue quien lo entregó al dueño actual.

Una momia egipcia que devela crímenes

2011-04-26T12:13:00.001-07:00

Un grupo de médicos de Vermont y oficiales policiales están develando el misterio de los crímenes modernos más desafiantes de hoy –la muerte inexplicable de unos jóvenes niños- gracias a la ayuda de una momia egipcia de 2.700 años atrás.

La máquina que realiza las tomografías computadas en el Hospital de la Universidad de Vermont los ayuda a crear un modelo del cadáver de la momia en 3 dimensiones de tamaño natural –los médicos lograron sacar 10.000 imágenes de esta momia-. Esto sólo se logra llevando la máquina a niveles de fuerza electrónica que un cuerpo humano no podría soportar, mientras que el de la momia sí.

Se supone que el cuerpo de la momia pertenecía a una joven sirvienta egipcia de 14 años, y el mismo fue extraído del Robert Hull Fleming Museum por el Dr. Jason Johnson, con el fin de someterlo al scanner mencionado y así saber con exactitud las causas de la muerte de la joven, cuya momificación fue realizada en fino lino.

Lo que no se esperaba el Dr. Johnson era que estas técnicas podrían llegar a tener otras aplicaciones, incluso ayudar a determinar si los niños que mueren de pequeños son víctimas o no de asesinatos criminales.

Desde que la momia fue escaneada en noviembre, los médicos han venido trabajando con esta técnica en casos de muertes infantiles.

“Ya que la persona a ser escaneada no está viva, uno no se preocupa por la dosis de radiaciones”, expresó el radiólogo Christopher Filippi, quien ayudó en la tomografía de la momia y el desarrollo de la nueva técnica.

Rembrandt y la figura de Jesús

2011-04-21T04:53:00.001-07:00

Para Rembrandt van Rijn (1606–1669), el gran artista de la Edad Dorada holandesa, el retrato de temáticas bíblicas era un tema central y siempre buscaba otorgarle desafíos innovadores. El mayor de estos llegó a mitad de su carrera, cuando introdujo el giro radical en el tratamiento de Jesús, cuya imagen había sido representada hasta el momento bajo convenciones de siglos.

El Museo de Arte de Filadelfia, el Instituto de Artes de Detroit y el Museo Louvre de París organizaron una nueva exposición titulada “Rembrandt y el rostro de Jesús”, una muestra que examina este definitivo cambio a lo largo de 22 pinturas, 17 dibujos y 9 grabados pertenecientes a colecciones privadas y públicas de Europa y de los Estados Unidos. La misma también incluye una serie de cabezas de Cristo encontradas en el estudio y en el hogar del pintor y la recientemente restaurada “Cena en lo de Emaús”, una obra maestra de mediados de su carrera.

La National Gallery de Londres también enviará a EE.UU. por primera vez su más preciada pintura, “Cristo y la Mujer llevadas al Adulterio”. “Rembrandt y el rostro de Jesús”, abrirá sus puertas en el Louvre el 20 de abril, hasta el 18 de julio de este año. Luego, se trasladará a Filadelfia, entre el 3 de agosto y el 20 de octubre. Y, entre el 20 de noviembre y el 12 de febrero de 2012, se podrá disfrutar en el Instituto de Artes de Detroit. Como se enfatiza en el título de la exhibición, Rembrandt comenzó utilizando la cabeza tradicional de Cristo, la cual era la síntesis de una búsqueda de emoción, realismo y drama en su obra. Pero, a fines de la década de 1640, el pintor holandés alcanzó una importante resonancia espiritual, llevándolo a representar un nuevo modelo de Jesús, más comprensivo pero igual de penetrante.

Nacido en Leiden, en el año 1606, Rembrandt alcanzó el reconocimiento de su época en vida, a la vez que sufrió una vasta pérdida personal y ruina económica, que lo forzaron a vender muchas de sus obras y posesiones en subastas. Su pintura más temprana, Stoning of St. Stephen, fue pintada en 1625, y, 3 años más tarde, se hizo de sus primeros estudiantes, reuniendo más de 50 aprendices durante toda su carrera.

‘La dama del armiño’ de Leonardo saldrá de gira

2011-04-20T11:22:00.001-07:00

CRACOVIA – Polonia - La pintura más preciada en toda Polonia, ‘La dama del Armiño’ del genio Leonardo da Vinci, ha obtenido el permiso para viajar a Gran Bretaña, Alemania y España.

La discusión le llevó casi un año a los expertos en arte y al Ministerio de Cultura del país, hasta que finalmente decidieron que esta obra maestra del siglo XV podía salir del territorio.

Será entonces exhibida en 3 países extranjeros, durante 3 meses en cada uno de ellos: empezará en mayo, en el Palacio Real de Madrid, siguiendo en la Gemaeldegalerie de Berlin durante el mes de agosto y terminando en la galería Nacional de Londres durante el mes de noviembre.
En febrero regresará a Cracovia, en donde ha permanecido por más de 100 años. Quedará allí hasta, al menos, el año 2022.

Leonardo pintó el retrato de Cecilia Gallerani en un soporte de madera castaña alrededor del año 1490. Ha permanecido a la familia Czartoryski desde el siglo XIX.

‘La Última Cena’ sucedió un miércoles

2011-04-19T12:46:00.001-07:00

Un científico de la Universidad de Cambridge, hace tiempo que ansía resolver una de las más antiguas contradicciones de la Biblia: ¿cuándo sucedió realmente la Última Cena?

Al parecer, la Última Cena sucedió un miércoles –un día antes de lo pensado-. Los cristianos han marcado históricamente la última cena de Jesús el día del Jueves Santo, pero, gracias al redescubrimiento del antiguo calendario judía, el profesor Colin Humphreys sugirió una nueva interpretación.

“Me intrigaban mucho las historias bíblicas pertinentes a la semana final de Jesús, en la cual nadie había podido encontrar una mención al día miércoles. Es por eso que fue denominado el día perdido”, expresó Humphreys. Sus hallazgos ayudaron a rearmar la inconsistente historia entre el Evangelio de San Matías, San Marcos y San Lucas, quienes decían que la Última Cena coincidía con la Pascua, y el de San Juan, quien decía que la cena se realizó antes de la festividad judía, conmemorando el éxodo de Egipto.

Humphreys sugirió que Jesús, junto con Matías, Marcos y Lucas, estaban utilizando el calendario previo al exilio, el cual databa desde los tiempos de Moisés, y contaba el primer día del nuevo mes a partir del final del antiguo ciclo lunas, mientras que Juan hacía referencia al calendario oficial judío de ese mismo día. El profesor comentó que se trata de un error muy curioso para cualquiera, ya que la pascua judía es por demás importante para esta religión. Si la cena de Pascuas y la Última Cena efectivamente se realizaron un miércoles, ayudaría a explicar cómo la cantidad extraordinaria de eventos comentada en los Evangelios entre ambas fechas se pudieron de verdad realizar.

Con la ayuda de un astrónomo, Humphreys reconstruyó el calendario pre-exilio y ubicó la Pascua en el año 33 d.C., año en que se cree Cristo fue crucificado, el miércoles 1º de Abril.

Yto Barrada en el Guggenheim de Alemania

2011-04-18T11:32:00.001-07:00

La ‘Artista del Año 2011’, Yto Barrada, -seleccionada por el Deutsche Bank-, se encuentra exponiendo en una gran muestra, titulada Riffs, en el museo Guggenheim de Alemania. En esta exposición se puede disfrutar de los films, las fotografías, publicaciones, esculturas e instalaciones de la artista, todas manifestaciones contextualizadas en su lugar de origen, Tánger (Moroco) y la situación sociopolítica del norte de África.

Su más reciente proyecto, denominado Iris Tingitana, extiende la investigación sobre la historia poscolonial de Tánger hacia los límites de la ciudad, en donde la visión mono cultural de los inversores amenaza con homogeneizar los paisajes y las vidas de sus habitantes.

En esta muestra, se intenta construir un espacio tridimensional, a partir de la yuxtaposición de sus trabajos. El título de la misma se encuentra inspirado en la música, en la cual un ‘riff’ sirve para generar figuras rítmicas, es decir, una frase musical.

El nombre ‘riff’ también se encuentra relacionado con las montañas Rif de Moroco, hogar de muchas insurgencias, y con el Rif Cinema art deco, que hospeda a la Tánger Cinémathèque.

Yto Barrada fue criada en Tánger y en París, en donde estudió historia y ciencias políticas en la Sorbona, mientras atendía a las clases del International Center of Photography en Nueva York. Sus prácticas, las cuales combinan las estrategias de un documental con un acercamiento más meditativo a las imágenes, la llevaron a volver a su país luego de 16 años de permanecer en el exterior. Hoy por hoy, se encuentra viviendo allí, muy comprometida con las complejidades sociales de la realidad de Tánger.

Reliquia hebrea para el Nelson-Atkins Museum

2011-04-15T10:27:00.001-07:00

Una muy extraña copia de la edición del Barcelona Haggdah (editada en 1992 en Londres) fue adquirida por la Spencer Art Reference Library del Nelson-Atkins Museum of Art en la ciudad de Kansas.

Con respecto a la adquisición, habló Molly Levitt, expresando: “el regalo del Haggdah a la biblioteca del Nelson-Atkins es muy adecuado. Nuestra familia se encuentra honrada”. El manuscrito original del Barcelona Haggadah data del siglo XIV en España, y se llama así por una de sus ilustraciones que muestra los escudos de Barcelona.

El manuscrito, por demás decorado, fue adquirido por el Museo Británico en el año 1844. Ahora, esta edición es especialmente rara; la más cercana a ella será la que está guardada en la biblioteca de la Universidad de Chicago. La presidenta de la biblioteca del museo, Marilyn Carbonell, expresó que se trata del mejor ejemplo de manuscrito medieval hebreo que documente una tradición histórica, cultural y artísticamente relevante. El Haggadah, típicamente utilizado en las casas para la celebración de la pascua judía, es uno de los textos más frecuentemente ilustrados de la literatura judía y cuenta la historia del Éxodo.

Una retrospectiva para Miró

2011-04-14T10:23:00.001-07:00

El Tate Modern en Londres, Inglaterra, presentó la más importante retrospectiva del artista español Joan Miró (1893–1983). La misma estará abierta al público entre el 14 de abril y el 11 de septiembre del corriente año. Esta exposición, titulada Joan Miró: la escalera del escape (Joan Miró: The Ladder of Escape), contará con 150 pinturas, obras en papel y esculturas de este alucinante artista del siglo XX. Se podrán explorar los vastos contextos de su producción, desde su compromiso político hasta su identidad catalana, pasando por la ascensión del régimen franquista hasta la Guerra Civil Española. Joan Miró se vio influenciado por el lenguaje surrealista, a partir de símbolos que evocan una gran sensación de libertas y energía en su espectacular imaginería y paleta de color. Muchas veces es vinculado con lo que conocemos por Expresionismo Abstracto, y es celebrado por su cautivante serenidad y vivacidad.

Miró: color y expresión

Joan Miró i Ferrà nació en Barcelona el 20 de abril de 1893 y estudio bellas artes en la Academia Galí, entre los años 1912 y 1915. Desde el año 1923, pasó mucho tiempo en Paris y se convirtió en figura clave del movimiento surrealista. Con su joven familia, permaneció en Francia durante la Guerra Civil española, retornando a España cuando los alemanes la invadieron en 1940. Miró, entonces, se asentó en Mallorca, y permaneció durante el resto de su vida allí. El artista falleció el 25 de diciembre de 1983 en su hogar. En la actualidad, representa uno de los más importantes íconos del arte del siglo XX.

El Papa de los artistas

2009-11-11T05:05:00.001-08:00

Más de 250 artistas incluyendo a Ennio Morricone y Bill Viola se reunirán con el Papa Benedicto XVI este mes para reavivar las relaciones de la Iglesia con el mundo del arte.

El 21 de noviembre se realizará la reunión en la Capilla Sixtina, y será un “momento representativo que mostrará la voluntad de diálogo entre la iglesia y la institución arte”, dijo el Cardenal Gianfranco Ravasi, presidente del Consejo Pontificio para la Cultura.

Todas las artes estarán representadas, desde la pintura, el cine, la poesía y desde el teatro hasta la arquitectura, la literatura y la música. El artista de video norteamericano Bill Viola y el director británico Peter Greenaway se unirán a una multitud italiana de 255 artistas que incluye también a los directores Nanni Moretti y Marco Bellocchio.

Las charlas vuelven después de 45 años con una iniciativa similar, aquella también llevada a cabo en la Capilla Sixtina, cuando el Papa Pablo VI ofreció un mea culpa por el tratamiento de la iglesia con los artistas del pasado. La fecha coincide también con el momento –hace 10 años- en que el Papa Juan Pablo II escribió una carta a los artistas enfatizando que la iglesia “necesita arte”.

El Fellini de todos los tiempos

2009-11-11T04:58:00.001-08:00

Fellini, alguna vez visto como un mero bromista, se ha convertido en todo un clásico. El Jeu de Paume en Paris está honorando al cineasta italiano con una vasta exposición, aptamente titulada “La Grande Parade”.

Procesiones, disfraces y payasos son leitmotifs de sus películas. A la edad de 7 años, Fellini (1920-1993) se escapó de su colegio para ir tras un circo móvil. A pesar de que la aventura prontamente terminó, el circo permaneció como una obsesión para todo su vida. La muestra en el espacio de la exposición en el Jardín de las Tullerías, no intenta mostrar la vida de Fellini cronológicamente. Esa es una sabia decisión, imponiendo una tendencia que nos hace reinventar su pasado constantemente.

En cambio, las muestras –fotografías, posters, revistas, films y los propios dibujos de Fellini- están agrupadas en temáticas más o menos específicas.

¿Baco o... Caravaggio?

2009-11-11T04:55:00.001-08:00

Otro descubrimiento en virtud de las nuevas tecnologías se alía con la historia del arte. Gracias a una reflectografía multiespectral realizada sobre la pintura Bacchus (Baco) de Caravaggio, preservada en la galería Uffizi en Florencia, ha sido posible reconocer una pequeña figura reflejada en la jarra de plástico en el lado izquierdo, identificable como un autorretrato del pintor lombardo.

Michelangelo Merisi pintó, dentro del jarro, el contorno de un personaje parado con un brazo extendido hacia adelante, cuyos rasgos faciales son claramente distinguibles, en particular la nariz, los ojos y el cuello. Hoy, podemos declarar que el gran maestro hizo su autorretrato reflejado allí en la jarra que pintó entre 1595-97 (él tenía entonces 25 años de edad). Por algún tiempo se pensó que la cara de Caravaggio estaba escondida en algún lugar de la tela del joven Baco, pero ningún experto lo había podido documentar.

Mientras esta obra maestra magnificente estaba siendo restaurada en 1922, Matteo Maragoni declaró que había observado una pequeña cabeza reflejada en el jarrón, similar al ‘Frutero’ o el Bacchus Borghese, a los cuales quería relacionar con las características de Caravaggio, “grandes órbitas oculares, nariz amplia y desairada, labios rellenos y semi-abiertos; pero ahora con una inspección directa resulta imposible encontrarlo: es sólo posible descubrir un manojo de pelo negro, la huella de una cara, un poco de blanco en el cuello”.

La sensacional identificación hecha en los últimos días ha sido posible gracias a los análisis arduo sofisticados de la pintura, llevados a cabo con instrumentos de avanzada. Durante el estudio realizado por Art-Test, la investigadora Roberta Lapucci percibió “la presencia de una pequeña cabeza y de una base o una tela pequeña, en el jarro. Luego del procesamiento de las imágenes adquirido por el reflectógrafo multiespectral, obtuvimos una imagen clara de lo que el artista había pintado. Podemos ver a un muy joven Caravaggio, creando con un pincel en su mano”.

El área del jarrón, como resultado de un test de rayos fluorescentes UV, ha sido modificada por extensas restauraciones, pero estas no superpusieron completamente a la figura. Lo que ha escondido hasta ahora el contorno del autorretrato es probablemente un barniz puesto en todas las zonas oscuras de la pintura, durante una vieja intervención. El único problema que se presentó, en relación con el hallazgo, es la discusión acerca de quién ha identificado primeramente el autorretrato de Caravaggio representado en la jarra. Luego del anuncio hecho por Art-Test, quienes claman haber sido los primeros, el 31 de octubre pasado el Opificio delle Pietre Dure y el CNR (Consejo Nacional de Investigación) denunciaron que el diagnóstico del hallazgo ya había sido documentado por el Opificio y por el Instituto Nacional de óptica aplicada del CNR.

Además de la disputa entre Art-Test y el Opificio Florentino, deberíamos mencionar que el Baco es una pintura maravillosa que fue comisionada a Caravaggio por el Cardenal De Monte quien se lo entregó a Ferdinando I de Médici en ocasión de la celebración del casamiento de su hijo Cosimo II. En la pintura, el vino ha sido recientemente volcado y Baco sostiene la jarra con incertidumbre. Maurizio Calvesi, historiador de arte, interpretó esta obra como parte del género alegórico-mitológico: lo andrógino del sujeto debería ser entendido como la unión de los opuestos. Por otro lado, otros expertos creen que la tela es una alegoría de la sangre de Cristo ofrecida para salvar a la humanidad.

Casi luego de 400 años de su muerte, el gran Michelangelo Merisi nos ha dado una sorpresa, pero también una demostración de una técnica muy fina que enriquece aún más la extraordinaria contribución que le entregó al arte y a la pintura.

Marzia, la escandalosa

2009-11-11T04:53:00.001-08:00

Marzia Migliora es la ganadora de la 10ª edición del Premio Cairo, el evento conectado con la revista mensual Arte, promocionada por el editor Urbano Cairo en apoyo al arte joven. Cada artista que fue invitado presentó 2 obras, una de su propio repertorio y otra creada específicamente para el evento.

Pero esta es una regla que parece haber sido violada: la obra “Pier Paolo Pasolini” de la ganadora del 2009 no es nueva, como fue impuesto por las reglas del concurso. En el momento de la entrega de premios, el dueño de la Galería Romana Changing Role, Guido Cabib, habló desde la audiencia: “¡No puede ser! ¡La obra de Marzia Migliora ya ha sido vista! ¡El año pasado estaba en el stand de Lia Rumma durante la feria de Roma, y de acuerdo a las regulaciones del premio debe ser nueva!”.

Vergüenza general, abucheos y tentativas de la artista de explicar cómo el trabajo fue concebido...

Es posible de ver en Internet la reproducción de esta instalación, en el sitio web de la galería de Lia Rumma y en el sitio web de “El Camino al Arte Contemporáneo de Roma”.

Increíble ánfora romana al descubierto

2009-11-11T04:49:00.001-08:00

Expertos de la casa de subastas Bonhams en Londres han recientemente identificado un ánfora increíble con figuras blancas como una pieza de arte rara. Probablemente realizada en el siglo I por una familia romana noble, la vasija, de unos 33,5 cm de alto, es uno de los 16 ejemplos de esta clase existentes en todo el mundo y ya está determinada como la de mayor importancia y belleza. A pesar de que es muy similar a la famosa Vasija Portland, la cual se encuentra en el Museo Británico, es más grande y presenta una decoración mucho más rica.

La vasija está decorada con una escena de batalla animada por 39 figuras que elegantemente emergen del fondo oscuro. El maravilloso descubrimiento pertenece a un coleccionista europeo quien inmediatamente entendió la alta calidad de la pieza a pesar de no conocer su verdadero valor artístico hasta que la llevó a Bonhams para aprender más acerca de su historia. Realizada por los mejores artesanos del Imperio Romano, la vasija está formada por dos capas de vidrio, una azul cobalto con una capa blanca por encima: luego de secada, la capa blanca fue tallada, lijada y limpiada para realizar la decoración de estilo camafeo.

Chantelle Rountree, presidenta del departamento de antigüedades de Bonhams, declaró: “Esto es de importancia internacional. Académica y artísticamente tiene un valor incalculable”. Por el momento no hay planes de vender la vasija, por lo que los estudiantes tienen tiempo para examinarla y estudiarla. Richard Falkiner, uno de los expertos que la analizó, declaró: “por lo que puedo ver, la restauración la hace ver como si hubiese estado fuera de la tierra desde el siglo XVIII, probablemente el XVI”.

Los artefactos de este estilo son muy apreciados y a lo largo de los siglos se han convertido en una fuente de inspiración para talentosos ceramistas y trabajadores de la porcelana: la renombrada Vasija Portland, de 9 pulgadas de alto y restaurada varias veces, ha sido recordada desde el siglo XVIII en adelante.

Sombra para el MOMA

2009-11-06T04:41:00.001-08:00

El Consejo de la Ciudad de Nueva York aprobó los planes para la construcción de una torre de 82 pisos al lado del Museo de Arte Moderno. La torre, diseñada por el arquitecto Jean Nouvel, mediría 320.04 metros (1050 pies), más que 381 metros (1250 pies) que fue la primer dimensión propuesta. El Departamento de Planeamiento Urbano estipuló este cambio en el último mes.

Hines, el desarrollador del edificio, pagó $ 125 millones de dólares al museo por la propiedad de la Calle Oeste nº 35, entre la Quinta y la Sexta Avenida, dedicada a incluir un hotel, apartamentos residenciales y espacio de exposición adicional para el museo. La gente que vive cerca del lugar se opuso a la construcción de la torre ya que es demasiado alta para el vecindario.

Como la altura inferior reducirá el espacio disponible a 45.720 mts2 (150,000 pies2), no está claro aún si el diseño de Nouvel será revisado y si todos los componentes planificados aún así cabrán en el edificio.

El consejo aprobó las variaciones de la torre por 45 votos a 3. El edificio, que habría sido tan alto como el Empire State Building, será ahora alto como el Edificio Chrysler.

El adiós a Roy DeCarava

2009-11-06T04:37:00.001-08:00

Roy DeCarava, hijo de una madre soltera de Harlem, quien volcó al vecindario en sus telas y se convirtió en uno de los fotógrafos más importantes de su generación al realizar las crónicas de su gente y sus ídolos del jazz, falleció a la edad de 89 años.

Su muerte fue anunciada por Sherry Turner DeCarava, su esposa e historiadora del arte quien frecuentemente escribió acerca de su obra.

DeCarava estudió para ser pintor, pero cuando empezó a usar la cámara para fotografiar sus trabajos, comenzó a gravitar justamente hacia la fotografía, en parte por su inmediatez y también por las limitaciones que veía él al ser un artista negro en una nación segregada. “Un pintor negro, para ser artista”; dijo una vez, “debe de ingresar al mundo de los blancos o no funcionar – debe aceptar los valores de la cultura blanca”.

Con una carrera de aproximadamente 70 años, DeCarava fue primeramente honrado por ser el fundador de una escuela afro-americana de fotografía que rompió con las tradiciones sociales del momento. Él sentía que sus imágenes hablarían más como registro de la vida negra en América, y no ya a partir de los objetivos abiertamente humanistas de mentores como Edward Steichen.

“No quiero declaraciones documentales o sociológicas”, escribió en la aplicación para una beca en el Guggenheim, que ganó en 1952, convirtiéndose en el primer fotógrafo negro en hacerlo. Su objetivo, explicó, era en realidad “una expresión creativa, un punto de vista penetrante y comprensivo de los negros, como, entiendo, sólo un fotógrafo negro puede interpretar”. Sus libros, como “El dulce matamoscas de la Vida”, un best-seller de 1955 y sus más famosas fotografías fueron altamente influenciables, preparando el terreno para los jóvenes fotógrafos como Beuford Smith y Carrie Mae Weems. Entre las imágenes más memorables esta aquella de la niña en un prístino vestido de graduación caminando por una calle desolada y sombría; un hombre que asciende fatigosamente del metro; y un retrato en escena de John Coltrane tocando con una mirada furiosa y entrecerrada.

“La gente negra no era retratada de una manera seria y artística”, declaró en 1982.

Peter Galassi, el jefe curador de fotografía del Museo de Arte Moderno, quien organizó una retrospectiva de DeCarava en 1996, dijo: “Tenía realmente un talento natural. Hacía una hermosa imagen seguida de otra. Miraba a la vida cotidiana de Harlem desde su intimidad, no desde una visión política o sociológica. Ningún fotógrafo blanco o negro había mostrado antes la vida común tan perceptiva y tiernamente, tan persuasivamente”.

Mona Lisa suprema

2009-11-06T04:27:00.001-08:00

La versión gigante de la obra maestra de Leonardo Da Vinci está en actual exposición en el shopping Eagles Meadow en Wrexham, en el Reino Unido. Mide 17.5 metros, cubriendo 240 m2 y es 50 veces más grande que la pintura original del siglo XVI que cuelga en el Museo Louvre en París.

La versión de Wrexham, es dos veces más grande que la versión pintada por Rolf Harris en Edimburgo en 2005 –la anterior más grande del mundo. La artista Katy Webster estuvo a cargo del proyecto que involucró a 245 personas y tomó 987 horas para ser pintado, utilizando 86 litros de pintura.

Fue pintado en sesiones de diferentes segmentos por grupos comunitarios incluyendo a la Escuela Primaria Victoria y el Centro Haulfan para gente con discapacidades. Luego de que la Mona Lisa gigante fuera revelada, la artista dijo: “Es un poco impactante lo grande que es pero su sonrisa sigue siendo igual de enigmática. Tomó casi una semana hacer su cara; eso fue lo más duro porque todos saben como luce, por lo que tuvimos que ser cien por ciento exactos.”

Expansión del Museo del Prado

2009-11-02T04:48:00.001-08:00

El prestigioso Museo del Prado en Madrid está continuando satisfactoriamente su plan de reorganización interna, generalmente obteniendo la atención del público gracias a sus iniciativas. Esta vez la famosa pinacoteca ha cruzado un importante umbral de su desarrollo, al presentar una variedad de habitaciones nuevas para hospedar una colección sustancial de obras del siglo XIX. De hecho, la colección permanente, está siendo enriquecida con 176 piezas: 152 pinturas, 2 acuarelas, 21 esculturas y un modelo arqueológico que completan la panorámica histórica-artística propuesta por el museo.

“La Colección: su segunda expansión” es una de las operaciones principales del plan de acción del museo, para el período 2009-2012. El proyecto implica un aumento del 50 % de la cantidad de trabajos en exposición, durante los cuatro años en cuestión. La apertura de estos nuevos cuartos, ya representa un incremento del 20% con respecto a los trabajos actualmente en exhibición.

La muestra de inauguración “El siglo XIX en el Prado”, acompañó la apertura de la nueva y ampliada colección, recibiendo más de un millón de visitantes que no se querían perder la primera gran ocasión de ver obras de los grandes maestros del siglo XIX, cercanos a los grandes genios del pasado. La colección permanente, que incluye un extenso período que va del siglo XII al siglo XX, de la pintura romántica a las vanguardias, perteneció al Prado desde el año 1819, y a lo largo de los años se ha ido enriqueciendo con grandes obras maestras, las cuales se mostrarán en esta oportunidad por primera vez.

Las nuevas adquisiciones están valorizadas también al ser organizadas en los 12 cuartos de acuerdo a un orden cronológico, teniendo en cuenta asimismo los diferentes géneros y tendencias que caracterizaron al siglo XIX. Bastante impresionante es el nuevo cuarto que cierra este ciclo de obras, el cuarto de la Presentación de las Colecciones: es una suerte de área de estudio, un limbo que pretende hospedar las fases transitorias del museo, con muestras temporales de pequeños grupos de obras inaccesibles anteriormente.

El nuevo show comienza en el primer piso, en la galería central dedicada a aquellos artistas del siglo pasado que estaban en conexión con la apertura del museo. La primera sección, denominada “Goya, Neoclasicismo y orígenes del Museo del Prado”, es introducida por una grandiosa escultura de Isabel de Braganza, reina de España y co-fundadora de la pinacoteca. La muestra continúa con el cuarto del Romanticismo, que reúne a los principales protagonistas del movimiento en España, seguidos por dos cuartos dedicados respectivamente a Federico de Madrazo y a Eduardo Rosales. La próxima habitación, que hospeda pintura histórica, anticipa las obras de Fortuny y Rico antes de llegar a la sección dedicada a Raimundo de Madrazo. Un tono más intimista se percibe en el próximo cubículo, que ilustra excelentes ejemplos de paisajes realistas, cuyo representante es Carlos de Haes, similar a la sección acerca del naturalismo en donde podemos admirar obras nacidas en los ambientes de las escuelas regionales.

Una serie de obras monumentales caracteriza a la décima galería, con el retorno a la temática histórica, mayoritariamente pinturas hechas por jóvenes artistas que adhirieron al género, muy apreciados en las muestras nacionales españolas, con el fin de obtener éxito. Joaquín Sorolla (1863.1923), uno de los más grandes artistas españoles entre finales del siglo XIX y principios del XX, tiene un cuarto exclusivamente dedicado a él; es el cuarto nº 11 en donde podemos admirar 10 de sus obras. Finalmente, el último cuarto, “Presentación de la Galería de las Colecciones", está destinada como fue dicho, a la rotación de las obras que no se encuentran en exposición permanente. Hay también ejemplos de arte extranjero, que a pesar de que no son numerosos, sí son muy importantes para confrontar las diferentes situaciones artísticas en los diversos países en un mismo período. Algunos de los trabajos extranjeros más relevantes son las esculturas de Venus y Marte por Antonio Canova, y el Hermes de Bertel Thorvaldsen, y las pinturas características de David Roberts, Alma-Tadema y Meissonier.

http://es.encarta.msn.com/encyclopedia_761586795/Carlos_de_Haes.html

Los tesoros de Ingmar Bergman

2009-11-02T04:41:00.001-08:00

Las rústicas propiedades en la Isla de Fårö en el Báltico –donde el director Ingmar Bergman vivió, trabajó, produjo varios de sus films y murió- se convertirá en un lugar de retiro sin fines de lucro para artistas y estudiantes.

La venta de sus propiedades, que incluyen una biblioteca, una videoteca, mobiliario y obras de arte, fue organizada por Linn Ullmann, la hija de Bergman con su matrimonio Liv Ullmann.

‘Ahora, la herencia de mi padre estará preservada’ dijo Linn Ullmann en una entrevista telefónica. ‘Nadie lo ha comprado para hacer el ‘bed and breakfast’ de Bergman o Bergmanland’.

Cuando Ingmar murió en 2007, Ullmann dijo, su testamento decía que sus propiedades debían ser divididas igualmente entre sus 9 hijos. Con respecto a esto, 'él no quería absolutamente ningún barullo emocional’, dijo Ullmann. ‘Esto es un trocito de Tolstoy o Chekhov, su voluntad’.

Bergman también hablaba afectivamente acerca de sus propiedades en Fårö, incluyendo un cine que había establecido en un granero reconstruido, y pensaba ‘qué divertido sería si, luego de su muerte, los artistas continuaran yendo allí y trabajando allí’.

La primera vez que Bergman visitó Fårö, cerca de las costas de Gotland, Suecia, en 1960, estaba buscando lugares para su película ‘Through a Glass Darkly’. También produjo allí otros films como ‘Persona’, ‘The Shame’, ‘La Pasión de Anna’ y ‘Escenas de un Matrimonio’. Murió en su casa y fue enterrado en la Iglesia de Fårö juntamente con su esposa Ingrid.

Hace como un año, Ullmann empezó a buscar un comprador de las propiedades. ‘En la 12º hora’, un arqueólogo e inventor noruego, Hans Gude Gudesen, las compró de las herencias de Bergman, y donó la utilización de las instalaciones para investigación y fines artísticos.

Ullmann dijo que el lugar comenzará a buscar un director artístico y planeaban su inauguración para el verano de 2010. ‘Woody Allen estará invitado, ya que fue uno de sus fans nº 1, y nunca lo conoció en persona’.

Buenos Aires POP

2009-10-30T05:25:00.001-07:00

Las obras de Andy Warhol que actualmente están rondando por Milwaukee, Wisconsin hasta Atenas y Grecia, llegarán a América del Sur.

Andy Warhol: Mr. América en el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA), entre el 23 de Octubre de 2009 hasta el 9 de Febrero de 2010.

La primera gran exposición de las obras de Warhol en Argentina, ha sido organizada para Sudamérica en conjunto con el Museo Warhol de Pittsburgh y el Museo de Arte del Banco de la República de Bogotá, Colombia.

La exposición exhibe 140 obras del período de La Factory (1961-1968), cuando el artista pop creó las imágenes icónicas de América, como las latas de sopa Campbell, las botellas de Coca-Cola, y los retratos de celebridades que van desde Marilyn Monroe hasta Elizabeth Taylor, produciendo impresiones con un método serigráfico.

Las 26 pinturas, las 57 serigrafías, las 39 fotografías, 2 instalaciones (Nubes de Plata y Empapelado de Vaca), y 14 films, incluyendo Las Chicas de Chelsea, Cowboys Solitarios y pruebas de actores en pantalla incluyendo a Dennis Hopper y Edie Sedgwick, viajará luego a la Pinacoteca en San Pablo, Brasil, entre el 15 de Mayo y el 18 de Julio de 2010.

Mary Cassatt llega al Metropolitan

2009-10-30T05:21:00.001-07:00

Hay mucho para ver y pensar en "Historias americanas: Pinturas de la vida cotidiana, 1765-1915", en el Museo Metropolitano de Arte. Todos somos curadores en esta muestra que yuxtapone trabajos, y agrupa obras que forman pequeños espectáculos.

Por ejemplo: Mary Cassatt es una de las artistas que se roba el show. Los 4 Cassatts, que dominan el 6º salón de la galería, demuestran la excelencia de la artista para pintar niños.

Estas 4 obras fueron realizadas luego de que Cassatt se instaló en París en 1874, y de que se convirtiera en amiga cercana de Degas. En 3 de las obras se puede ver a la artista tomando notas de él así como de Manet y Renoir, para pintar niñas pequeñas en complejidad, y adultos independientes con una sutileza que pocos de sus contemporáneos, franceses o americanos, pudieron lograr.

En "Madre Joven Cosiendo" (1900), la niña se inclina en el regazo de su madre fijando su mirada en nosotros, espectadores, con misterio y suspicacia. En "Una mujer y una niña conduciendo" (1881), una adulta joven atentamente conduce un carruaje por un parque, que quizás sea Bois de Boulogne. La niña a su lado observa las ruedas, pero su desenfocada mirada sugiere que su mente está en otro lugar.

El tercer Cassatt, "Pequeña niña en un sillón azul", representa a una joven solitaria, nuevamente con la mente perdida, pero posiblemente aburrida, y considerando llevar a cabo alguna travesura.

El cuarto Cassatt aquí es "Señora en la mesa de té", de 1883-85, que muestra a una imperiosa y crecida mujer, elegante sin vanidad, y en estado de alerta. Pareciera ser, como en el resto de las pinturas, que ella creció pensando en ella misma.

En el Metropolitan, es claro que la representación de niños ha sido correctamente identificada como uno de los grandes logros de Cassatt, lo que no es un dato menor.

Efecto dominó para el Muro de Berlín

2009-10-30T05:14:00.001-07:00

El muro de Berlín volverá para brevemente dividir nuevamente a la capital alemana el próximo mes - pero con gigantes e intensamente coloreados dominós antes que losas de cemento. Como actividad resaltada de una celebración de 5 millones de euros que celebrará el 20o aniversario de la caída del muro de Berlín el 9 de noviembre, un segmento del muro de 1.5 Km de largo será levantado por dos días juntamente con la ruta original en frente de la Puerta de Brandemburgo.

La fila de 1.000 piezas de dominó (20 Kgs.) separadas por 1.5 metros entre cada una –pintadas en colores brillantes por jóvenes estudiantes, y las cuales alcanzan 2.5 metros de alto- serán derribadas al final de una ceremonia de gala como un tributo simbólico al derrumbamiento del Muro 20 años atrás.

“Es sólo una atracción temporaria”, dijo el alcalde de Berlín Klaus Wowereit, resaltando los planes para el festival de dos días conmemorando la caída de lo que el Este comunista había categorizado como “Barrera de Protección Anti-Fascista” para evitar la agresión desde el Oeste.

“No creo que a nadie se le ocurra la idea de que estamos reconstruyendo el Muro entre el Este y el Oeste de Berlín nuevamente. Pero hubo muchos quienes ridiculizaron esta idea al principio. Se ha visto como una manera maravillosa para simbolizar la caída del Muro”. El Presidente Ruso Dmitry Medvedev, el Presidente de Francia Nicolás Sarkozy, el Primer Ministro Británico Gordon Brown y la Secretaria de Estado de los EE.UU. Hillary Clinton presenciarán las festividades, dijo.

La caída del Muro de Berlín sucedió el 9 de noviembre de 1989 luego de meses de tensión creciente en Alemania del Este. Muchos se precipitaron inmediatamente a pasos de la frontera después de que un líder Comunista de Alemania del Este dijo en una conferencia de prensa que ellos tenían absoluta libertad para viajar al Oeste. El muro de Berlín, un símbolo de la guerra fría que había hendido la ciudad y Alemania, plácidamente fue derrumbado en los meses que siguió. Las dos Alemanias se reunieron 11 meses más tarde en 1990.

Arte antes de morir

2009-10-27T05:44:00.001-07:00

La exposición que abrirá en el Museo de Arte Moderno de París se dedicará a los trabajos tardíos de 12 artistas internacionales quienes, consientes de que su muerte era inminente, trajeron a sus obras un sentido de urgencia y auto-trascendencia. Desde la publicación en 1970 de Admirable Tiempo de Temblores (Admirable tremblement du temps) de Gaëtan Picon y la muestra La última obra (L'œuvre ultime) en la Fundación Maeght en 1989, la cuestión de las últimas obras de los artistas raramente fue explorada.

El advenimiento de la inevitable muerte condiciona nuestras relaciones con la existencia. En particular, la aparición del HIV-Sida a finales del siglo XX cambió radicalmente nuestra percepción de la vida. La 'Deadline' (fecha límite) mira a varios artistas que fallecieron en los últimos 20 años: muchos de ellos conscientes de su inminente muerte por edad avanzada o enfermedades, llenaron sus trabajos –pinturas, fotografías, instalaciones, esculturas, videos- con una intensidad fresca que a veces resulta en una inesperada plenitud.

Algunos de estos artistas llevaron a cabo líneas de investigación ya comenzadas: Absalon (1964-1993) continuó sus experimentos con "células" en videos en los que él mismo es el violento protagonista. Joan Mitchell (1926-1992) hizo hincapié en el aspecto lírico de su pintura, utilizando deliberadamente medios limitados y simplificaciones formales para producir ramos de flores de colores. Willem de Kooning (1904-1997) trabajó en soledad al minimalismo libremente y realizó pinturas que trajeron una nueva economía de medios en comparación con el vocabulario de su período anterior.

Otro grupo lidió directamente con la realidad trágica de estar enfermo: con la ayuda de asistentes, J?rg Immendorff (1945-2005) encontró en la pintura Renacentista una forma de continuar su obra. Sufriendo de una enfermedad incurable, Chen Zhen (1955-2000) abarcó al cuerpo como un paisaje, invitando al espectador a examinar sus órganos y los ciclos de la vida en relación con las diferentes formas de la medicina.

Otro grupo hizo visible la muerte: haciendo referencia a la escultura y la vanitas –bodegones-, Robert Mapplethorpe (1946-1989) fotografió bustos y calaveras. Citando a Géricault, Martin Kippenberger (1953-1997) se autorretrató en la pose de los sobrevivientes de la Balsa de la Medusa. James Lee Byars (1932-1997) evocó un ideal de la eternidad en una puesta en escena de su propia muerte.

Artistas que participan: Absalon, Gilles Aillaud, James Lee Byars, Chen Zhen, Willem de Kooning, Felix Gonzalez-Torres, Hans Hartung, J?rg Immendorff, Martin Kippenberger, Robert Mapplethorpe, Joan Mitchell, y Hannah Villiger.

La exposición de la Revolución Francesa

2009-10-27T05:29:00.001-07:00

Los franceses tienden a ser conservadores, a pesar de que se niegan rotundamente a escuchar frases en contra de su revolución. Su actitud pareciera ser: Viva la Revolución – no provocó ningún cambio. No asombra que el Museo Carnavalet apunte a atraer muchedumbres a su nueva exposición, “Tesoros Escondidos de la Revolución Francesa”. El Museo Carnavalet es un palacio pintoresco en el corazón del distrito francés de La Marisma, el cual presenta la historia de París hasta la Belle Epoquè.

Contiene la más extensa colección de objetos pertenecientes a los días agitados entre la Toma de la Bastilla en 1789 y el final del Reinado del Terror en 1794. A partir de los 25.000 objetos, los organizadores escogieron 250, en su mayoría dibujos, impresiones y documentos demasiado delicados para estar permanentemente expuestos a la luz. Entre ellos, se pueden encontrar retratos de personajes líderes del drama histórico como Georges Danton en su camino a la guillotina.

Está también el propio Dr. Guillotin, quien, a pesar de no haber sido el inventor de la máquina asesina, fue decisivo en la legalización de la misma como una forma moderna de llevar a cabo las sentencias de muerte. Es su entusiasmo humanitario, Guillotin exclamó, demasiado risueño ante la Asamblea Nacional: “Con mi máquina, caballeros, apenas notarán que perdieron su cabeza!”. Los organizadores insisten en que, no obstante sus 16,000 víctimas, la revolución introdujo muchas cosas buenas. Ellos producen documentos para sostener aquel argumento: la Declaración de los Derechos humanos, la abolición de la esclavitud, la educación estatal y la asistencia pública a los necesitados.

Gnomos nazis

2009-10-23T06:59:00.001-07:00

Nadie espera mucho de un gnomo alemán de jardín: típicamente, tiene las mejillas rosadas, una barba blanca y un bonete, y está sentado en un tronco de plástico situado al lado de un estanque, también de plástico. Pero: una nueva raza ha aparecido, sin embargo, en la localidad bávara de Straubing -1.250 de ellos, todos con un brazo levantado con el saludo de Hitler.

Para los humanos, el gesto puede conllevar una pena de tres años de cárcel. Mostrar la esvástica, colocar una copia del Mein Kampf –Mi Lucha- en un escaparate, firmar una carta o un e-mail con las palabras “Heil Hitler” o glorificar al antiguo dirigente nazi son acciones inaceptables, así que los gnomos provocadores, obra del artista Ottmar Hörl, se encontraron inmediatamente en el centro de la controversia.

El profesor Ottmar Hörl, de la Academia de Bellas Artes de Nuremberg, testeó las aguas este año al mostrar un gnomo de 40 cm de alto, dispuesto en una pose similar en una galería de arte local. El fiscal se apresuró a actuar después de recibir quejas, pero el profesor Hörl montó una esterlina defensa. “En 1942 los nazis me habrían masacrado por esta pieza de arte”, dijo. “Estoy presentando a la raza superior como gnomos de jardín y esto cae en cualquier definición comprensiva de lo que es una sátira”. El fiscal dio por finalizada la investigación, pero la exposición de Straubing, que ya se inauguró, plantea un desafío muy severo. Es presentada en un espacio público: la Ludwigsplatz, anteriormente conocida como Grossdeutschlandplatz (Plaza de la Gran Alemania), la cual fue alguna vez el sitio de los desfiles nazis. La sinagoga fue saqueada por los nazis y los 42 judíos de la ciudad fueron deportados a campos de concentración.

Premio Hugo Boss

2009-10-23T06:55:00.001-07:00

Luego de la victoria de Emily Jacir, es tiempo nuevamente del Premio Hugo Boss. Los nominados de este año son: Cao Fei, Hans-Peter Feldmann, Natascha Sadr Haghighnian, Roman Ondák, Walid Raad y Apichatpong Weerasethakul.

En contraste con ediciones anteriores –en las cuales la selección estaba liderada por artistas europeos y americanos- la breve lista de este año parece relativamente global con artistas de China (Fei), Pakistan (Raad), Slovakia (Ondák) y Tailandia (Weerasethakul).

La particularidad del premio de $100.000 –entregado cada dos años y titulado por la compañía de ropa para hombres alemana que hace de sponsor- es la edad de los finalistas, la cual siempre ha sido de un rango amplio, haciendo diferencia con otros premios para artistas como el Premio Turner o el Preis der Nationalgalerie für Junge Kunst. El ganador –elegido por un jurado compuesto de críticos y curadores internacionales, y presidido por la jefa conservadora del Museo Guggenheim, Nancy Spector- será anunciado en el otoño de 2010, también recibiendo en el premio la realización de una exposición solista en 2011 en el Museo Salomon R. Guggenheim.

Que reine la paz

2009-10-20T05:07:00.001-07:00

Hay paz entre París y el Cairo. Nicolás Sarkozy le ha dicho a su colega egipcio Hosni Mubarak que el Louvre le devolverá a Egipto sus preciados tesoros reclamados en estos últimos días. Cinco fragmentos arqueológicos egipcios, que retratan el viaje de un noble en el otro mundo, comprado por y expuesto en el Louvre en los últimos años, volverán a su patria. Zahi Hawass, un renombrado experto en egiptología y presidente del Consejo Supremo de Antigüedades desde el 2002, subrayó la sustancial cantidad de trabajos robados o tomados de Egipto y exhibidos en museos de todo el mundo, e hizo una lista de todos aquellos que debían ser devueltos.

Hawass le dio una particular prioridad a cinco frescos en relieve robados en los años ochenta de la tumba del noble Tetaki -localizada cerca de la ciudad-templo de Luxor- y adquiridos en buena fe por el Louvre entre el 2000 y el 2003. En los últimos días el estado Africano reclamó sus pertenencias y amenazó con romper sus lazos con el museo del Louvre, si los artefactos robados no eran legítimamente devueltos. Las negociaciones estuvieron en curso por un tiempo, y el Louvre declaró que estaban dispuestos a colaborar. De todas formas, la decisión definitiva, de acuerdo a los presidentes del museo francés, la haría un grupo de expertos. La oficina de prensa del museo declaró que un comité nacional, compuesto por especialistas del museo y otros profesionales, se juntarían para analizar la cuestión y evaluar su solución, con la aprobación del Ministerio de Cultura francés. Si la Comisión estaría a favor de la restitución de las piezas a Egipto, la oficina de Frédéric Mitterrand, ministro de Cultura y sobrino del ex presidente François Mitterrand, prometió que estarían “listos para inmediatamente devolver los frescos a las autoridades egipcias”.

Mientras tanto, pareciera ser que el pedido arqueológico, al menos por unos días, perjudicó la relación entre el museo francés y el Cairo, ya que impidió algunas iniciativas: el país suspendió una excavación apoyada por el Louvre en la imponente necrópolis de Saqqara y canceló una conferencia, en territorio egipcio, de un ex-curador del Louvre. Igualmente, luego de la declaración de un intento de reconciliación a partir del comité, pareció ser que el diálogo fue reabierto y volvía la esperanza de que los objetos fueran devueltos.

Y así fue, el caso tuvo un final feliz: el Ministro de Cultura del Cairo, Faruk Hosni, declaró estar satisfecho y contento con la decisión hecha por el Ministro de Cultura francés, Frédéric Mitterrand, con quien continuará la cooperación. Por el contrario, con los museos que continúan en posesión de objetos robados de Egipto, Hosni mantendrá una conducta más severa denegando cualquier pedido de colaboración. De hecho, a pesar de la disputa con el Louvre, Zahi Hawass está luchando por la repatriación de otras reliquias egipcias expuestas en museos del mundo: en el top de la lista está el busto de Nefertiti, esposa del famoso Faraón monoteísta Akhenaton, el cual está en el Museo Egipcio de Berlín, y la Piedra Rosetta, una losa de basalto con una inscripción que fue la llave para poder descifrar los jeroglíficos egipcios, la cual está en el Museo Británico.

La obra tocada por Da Vinci

2009-10-20T04:44:00.001-07:00

Una marca de una huella digital no es generalmente algo que a uno le guste encontrar en las grandes obras maestras de arte –a menos que esta huella haya sido dejada por Leonardo Da Vinci-. Un historiador de arte y un experto forense de arte están entre aquellos que dicen que la huella digital descubierta en un retrato hecho en pergamino pertenece a Leonardo Da Vinci, por lo que dicha obra sería de su autoría y no una obra alemana del siglo XIX como fue previamente categorizada.

El trabajo –un retrato sobre pergamino hecho con tiza, pluma y tinta- fue vendido en el 2007 por aproximadamente 19,000 Dólares a un colecionista que lo compró para Martin Kemp, un profesor emérito de historia del arte en la Universidad Oxford.

Kemp, con la ayuda del analista forense Peter Paul Biro, encontró una huella digital cerca del borde del trabajo que dicen es "sumamente comparable" a otra encontrada en la pintura de Da Vinci de San Jerome en el Vaticano. Una impresión de tiza de una palma en el cuello del sujeto del retrato, que se cree es la hija de un duque Milanés del siglo XV, es otro pedazo de evidencia que los expertos dicen apoya el argumento de que el trabajo fue hecho por Leonardo Da Vinci.

Obama y su colección de arte

2009-10-19T05:19:00.001-07:00

La familia Obama reveló el arte que eligieron colgar en las paredes de la Casa Blanca.

Este arte incluye una pintura de Mark Rothko, un plomo liviano, '0 A trevés de 9' de Jasper Johns, esculturas de bronce de Degas y pinturas de naturalezas muertas hechas por Giorgio Morandi. Otras obras de arte contemporáneo incluyen ‘Negro como Yo Nº 2’ (1992) de Glenn Ligon, una pintura ‘pegada’ sobre tela de 1992, y ‘Creo que voy a...’ de Ed Ruscha, la representación de una puesta de sol brillante roja en la cual pintó en contraposición frases como "Tal vez... Sí ..." y “Tal vez... No..." y “Pensándolo bien".

Los trabajos fueron prestados por el Museo de Arte Americano Smithsonian, el Museo Nacional de Arte y el Museo y Jardín de Esculturas Hirschhorn, y estos préstamos fueron supervisados por Michael Smith, el decorador de Obama, junto a Michelle Obama y el curador de la Casa Blanca, William Allman.

También se incluye entre la colección ‘Mariposa’ de Susan Rothenberg, que muestra un caballo con una X que lo atraviesa; y ‘Berkeley Nº 52’ de Richard Diebenkorn, una pintura sobre tela abstracta en colores pasteles, basada en el paisaje de Berkeley, California.

Poe se merecía un entierro como este

2009-10-19T05:11:00.001-07:00

Algunos fanáticos y admiradores se juntaron el domingo para ver a Edgar Allan Poe ser enterrado por segunda (y tercera) vez en su funeral original. Las ceremonias llevadas a cabo se realizaron para resaltar el 200º Aniversario del nacimiento de Poe, el morboso hombre de las letras, vendiendo 700 tickets a ingresantes, contando también con la presencia de muchos otros observadores curiosos, algunos vestidos en trajes de la época y otros en remeras que leen "Eternamente! " (en comparación, se estima que al entierro real en 1849 asistieron menos de 10 personas).

El diario Sun divulgó que el ataúd de Poe fue llevado hasta el Hall de Westminster con un carruaje tirado por caballos, donde Poe fue conmemorado por conferenciantes invitados así como por actores que retratan a sus contemporáneos. El actor y el autor Michael N. Langford, que habló en los servicios, dijo al Sol, "pienso que Edgar Allan Poe hubiera estado desconcertado por ello, impresionado por ello. Pero pienso que es lo que él mereció."

Para leer la necrología original de Poe hacer click aquí (publicada luego del día de su muerte y entierro).

Qué es de China en la contemporaneidad

2009-10-16T06:49:00.001-07:00

El Arken Museum ha inaugurado su exposición Chinamania, una interesante retrospectiva del arte contemporáneo chino, a lo largo de la producción artística pictórica de 11 artistas de esta nacionalidad.

La muestra se compone de 24 pinturas de 11 artistas chinos contemporáneos, empezando por los artistas de la década de 1990 hasta los más novatos al día de hoy. Se podrá vislumbrar un cierto sesgo de arte clásico en la producción contemporánea china. Estos artistas hacen una mixtura de elementos propagandísticos y de realismo socialista clásico chino del siglo XX en asombrosas pinceladas. Los estilos son dispares entre sí, pero se asimilan en cuanto a su gusto por el figurativismo y las temáticas del existencialismo. La exposición se llevará a cabo en el Arken – Museo de Arte Moderno, en Skovvej 100 de Ishøj (noroeste de la isla de Selandia). Abierto al público hasta el 27 de septiembre del próximo año.

La Gioconda ‘hamburguesada’

2009-10-14T06:46:00.001-07:00

La cultura francesa y la conveniencia norteamericana se juntarán en diciembre –gracias a los planes de la cadena de restaurantes McDonald’s de depositar su fast-food a la sombra del Museo del Louvre. McDonald’s está encantado con la perspectiva de alimentar a los hambrientos buitres culturales. Pero no todos están felices con la mezcla del Gran Arte y la comida rápida/chatarra. McDonald’s se instalará en el campo de los alimentos de la calle peatonal subterránea que linda con el museo, conocida como el Carrousel del Louvre, debido a que la cadena de fast food cumple su 30º aniversario en Francia.

El par podría servir a los intereses de ambos. El Louvre es el museo líder y el más visitado del mundo; Francia es el mayor mercado de McDonald’s fuera de los Estados Unidos. En Francia y en otros lugares, McDonald’s es el emblema de la globalización conducida por EE.UU. y la homogeneización de culturas. Sin embargo, el presidente de la cadena de comidas rápidas, Jim Skinner, dijo en una entrevista publicada el lunes que la razón por la cual McDonald’s es tan exitoso en Francia, donde tiene más de 1,000 sucursales, es que "somos percibidos como una empresa francesa”. El McDonald’s que está situado en la Avenida Champs-Elysees es la que más ganancias obtiene en el mundo. El Louvre se rehusó a comentar acerca de la venida de su nuevo vecino. La portavoz Aggy Lerolle dijo únicamente que no está en manos del museo la llegada de McDonald’s ya que el Carrusel es administrado por una compañía privada más que por el museo estatal. Sin embargo, algunos franceses están indignados acerca de mezclar papas fritas con tesoros artísticos en el patio trasero del antiguo palacio del Rey Sol, Louis XIV.

El sitio Web www.louvrepourtous.fr, que apunta a mantener informados a sus visitantes, está entre aquellos furiosos por esta causa, aún en un tribunal de alimentos donde está presente una variedad de restaurantes que ofrecen las cocinas del mundo entero. "Cita en Diciembre con Mona Lisa Extra Valor Menú" escribió, afirmando que el Louvre debería imponerse.

Algunos vieron venir el gusto de McDonald’s por el arte desde hace tiempo. En enero de 2007, el ala de cultura de la gran unión CFDT censuró lo que decían era la "Disleylandización" de la cultura francesa, reclamando que el estado busca convertir a los museos en parques temáticos. Citaron proyectos para el llamado desierto del Louvre, el cual abriría en 2013 en los Emiratos Árabes Unidos, y la llegada de una cafetería Starbucks cerca del Louvre. "¿Cuándo abrirá McDonald’s su tienda?" preguntó la unión, quizás más proféticamente que lo que realmente pretendían. McDonald’s dice que no tienen todavía una fecha estipulada para su apertura en el Carrousel del Louvre.

La fragilidad de una gran obra

2009-10-14T05:40:00.001-07:00

Muchos de los trabajos de Wim Botha –incluyendo piezas arquitecturales y esculturas, aguafuertes, grandes copias en lino y dibujos- están configurados en instalaciones que simultáneamente recuerdan e interrumpen las concepciones tradicionales de los espacios domésticos y públicos, y las respectivas jerarquías de poder. Él ve su trabajo actual como parte de un proyecto general, provisional e irónicamente titulado ‘Autorretrato como una Obra Maestra’. Las obras se manifiestan como variaciones de los retratos tradicionales, los estudios anatómicos, y la escultura decorativa, las cuales se juntan en contraste con la idea de retrato –u obra maestra- como entidad única y auto-contenida. Algunos de los fragmentos toman la forma de relicarios, o al menos sugieren esto al ser distorsionados y moldeados de acuerdo a principios geométricos. Estas son presentadas como entidades opositoras en un conflicto indefinido, en parte dado por la educación de Botha en Sudáfrica.

Otros objetos retienen aspectos del retrato tradicional, utilizando yeso y cera como materiales para asociarlos con el estudio de la práctica tradicional o el trabajo preparatorio. Para los estudios de retratos tallados en papel –como el detalle de la instalación Vanitas Toilette- Botha utiliza Biblias escritas en varias lenguas sudafricanas o diccionarios afro-ingleses, atados con barras de acero y suspendidos sobre cables de acero. Estos bustos superficialmente recuerdan a la piedra tallada aunque su materialidad asegura que están fragmentados y son frágiles, recordando el arquetípico busto-retrato con sus asociaciones con el narcisismo y el poder. Aún Botha juguetonamente subvierte la forma - en este caso, en la cabeza de un proto-humano - y el contenido, con el texto de los libros tallados que añaden otro matiz y el más amplio contexto. Mientras los trabajos deliberadamente están lejos de proporcionar respuestas importantes, sí revelan el proceso de formular preguntas. El resultado es una constelación de signos vagamente familiares orbitando un corazón cambiante.

Botha ganó el premio Stándard Bank Sudáfrica para el Artista Joven en 2005. Su trabajo ha figurado en varias exposiciones internacionales en los últimos años, incluyendo África Remix (2004-2007). Inauguró un espectáculo solista en Michael Stevenson, Ciudad del Cabo, en septiembre de 2009, y en 2010 participará en 11o Triennale für Kleinplastik (trienal de escultura en pequeña escala) en Fellbach, Alemania, seguida de un espectáculo solista en la Galerie Jette Rudolph en Berlín.

Autobiografía de un marchante de arte

2009-10-13T05:20:00.001-07:00

Presentamos aquí un libro fuera de lo común para los amantes del arte, pues el mercado del arte ha llegado hace tiempo también a la literatura. Un “smootherboy” (la auto-denominación adoptada por el público educado y graduados del Oxbridge que son parte del staff de Sotheby’s), Richard Day ingresó al mundo del arte luego de juntar una exposición de pequeños impresos en la Calle Cork, con los £50 que le quedaban de los ahorros. Como un joven hombre evidentemente encantador y sociable, prontamente fue bienvenido al equipo de Sotheby’s, en donde se convirtió en director del departamento de Impresos y Dibujos de los Viejos Maestros terminando siendo socio a la edad de 30.

Dejó Sotheby’s en 1971 para ingresar a otra compañía como marchante, con su amigo más cercano y cuñado, John Baskett. Juntos llevaron a cabo exposiciones en el espacio-galería de la Calle Bond de Baskett. Bien conectados como estaban, en seguida encontraron coleccionistas para quienes trabajar, muchos de los cuales –por ejemplo Paul Mellon, Frits Lugt y Jean Bonna- terminaron siendo grandes amigos.

“Artful Tales” (‘Cuentos Ingeniosos’) es el atrapante anecdotario de la carrera de Day, relatando divertidos incidentes con gran ingenio y carácter perceptivo. No cuenta tanto las inevitables dificultades del negocio a lo largo de 40 años, sino que presenta su caso exitoso, muy seguro de sí mismo, con vistas al mundo del arte.

Mientras él escribe francamente acerca de la naturaleza competitiva e inmoral del mercado del arte, convence al lector de que su esencia es "la búsqueda para poseer y apreciar algo de belleza única e invaluable". Su perspectiva acerca del arte y la vida es simpática, y su anticipación optimista de nuevos descubrimientos artísticos y acontecimientos es un contraste feliz para lo que a veces puede parecer un negocio cínico y sucio.

Richard Day, Cuentos Ingeniosos: el Diario Improbable e Inverosímil de un Marchante de arte (Day y Faber), 448 páginas, £30.

Francis Bacon: diseñador de interiores

2009-10-13T05:18:00.001-07:00

Ocultados en colecciones privadas durante décadas, los diseños de interiores de Bacon escaparon a las tentativas del artista de destruir estos tempranos materiales gráficos que creía eran inferiores a sus obras maestras posteriores.

Los expertos demandan que los pedazos dan una idea vital de cómo sus trabajos de diseño de interiores influyeron en sus trabajos más famosos. Marcar el centenario del nacimiento de Bacon el 28 de octubre, “Francis Bacon: Trabajos Tempranos en Tate Britain” incluirá tres mantas y una pantalla pintada que data de 1929 cuando el entonces artista de 20 años decoraba casas en Londres.

Gracias al préstamo de dicha colección privada, estas piezas serán expuestas junto con algunas de sus pinturas más tempranas, incluyendo la Composición 1933, que repite el modelo en sus diseños de mantas, y su increíble trabajo de 1944, Tres Estudios para Figuras en la Base de una Crucifixión.

A partir de 1928 hasta 1930, Francis Bacon trabajó en Londres, París y Berlín, diseñando esquemas de interiores completos junto con muebles individuales.

Comenzó a incorporar algunos de sus trabajos de interiores en sus primeras pinturas, como en Acuarela (1929), su primera pintura que parece haber derivado de sus diseños de carpetas.

A los 19 años, su estudio de South Kensington apareció en una revista de diseño de interiores, titulada “El estilo de 1930 en la Decoración Británica”.

Fallece Irving Penn

2009-10-13T05:14:00.001-07:00

Irving Penn, uno de los fotógrafos más famosos del siglo XX, falleció a la edad de 92 años en su casa de Manhattan. La noticia fue informada por su amigo y manager Peter Macgill, juntamente con su hermano, el cineasta Arthur Penn.

Inicialmente, el gigante de la fotografía norteamericana se dedicaba a la pintura. Cuando tenía 25 años, viajó a México en donde comenzó sus estudios como pintor, pero un año más tarde se dio cuenta que nunca se volvería famoso como pintor y, de vuelta en Nueva York, comenzó a trabajar como asistente de Alexander Liberman, director de arte de Vogue. Y de la mano de la revista de moda más glamurosa del mundo, Penn comenzó su extraordinaria carrera.

Luego de la Segunda Guerra Mundial, el fotógrafo norteamericano trabajó ininterrumpidamente para la revista realizando retratos, fotos fashion y naturalezas muertas con las cuales definió un nuevo “estilo visual” creando la estética del “menos es más”, significando que cuanto más uno saca de la fotografía, esta más sugiere.

Irving Penn fue un verdadero maestro para todos. En el retrato publicado por el New York Times para su muerte, leemos: “probablemente él posea su fama gracias a sus fotos de modelos glamourosas y sus retratos de personajes importantes de la cultura, pero podía estar tranquilamente en su casa fotografiando campesinos peruanos.” Un genio contemporáneo de la cámara quien, a través de su arte, dejó una herencia considerablemente extraordinaria para la nueva generación de fotógrafos.

Lucas y Spielberg unidos por Rockwell

2009-10-13T05:10:00.001-07:00

Los cineastas Steven Spielberg y George Lucas están combinando sus colecciones personales del trabajo del artista norteamericano Norman Rockwell para una exposición en Washington. Más de 50 pinturas y dibujos de Rockwell se expondrán en el Museo de Arte Americano Smithsonian a partir de Julio del próximo año. Las ilustraciones estarán acompañadas por un metraje de vídeo de Spielberg y Lucas hablando acerca del artista, quien murió en 1978. Virginia Mecklenburg, curadora de la muestra, dijo que los cuadros de Rockwell destacan las "cuestiones tópicas" y señaló las semejanzas entre los dos directores de cine y el ilustrador.

"Lucas, Spielberg y Rockwell perpetúan ideas acerca del amor por el país, el honor personal y el valor de la familia en sus trabajos" dijo Mecklenburg. “Con humor y pathos, han transformado las experiencias cotidianas en historias que revelan las aspiraciones y valores que han sustentado a los norteamericanos durante los buenos y los malos tiempos”. Rockwell nació en la ciudad de Nueva York en 1894, y sirvió como artista militar durante la 1ª Guerra Mundial. Pintó su primera portada para el Saturday Evening Post en 1916, e ilustró otras 321 portadas para la revista a lo largo de 47 años.

Gran parte del trabajo de Rockwell fue perdido en un incendio que destruyó su estudio en 1943, y lo que sobrevivió se cree que está en colecciones privadas. Lucas contribuirá a la pintura más vieja de la muestra, tomada de la portada de la revista Life de 1917.

Contando Historias: Norman Rockwell desde las Colecciones de George Lucas y Steven Spielberg, abre en Julio de 2010 y estará abierta hasta el 2 de Enero de 2011.

Un museo para Walt

2009-10-08T06:38:00.001-07:00

Los parientes de Walt Disney saludaron a la primera ola de visitantes con un nuevo museo diseñado para mostrarle al mundo el escaparate personal del animador legendario.

“Walt Disney llegaba a la gente porque era un cuentista mágico”, dijo el nieto de Disney, Walter E.D. Miller, cuando abrió el museo. “Ahora es nuestro turno de contar la historia de Walt”. El Museo Familiar de Walt Disney de $110 millones de dólares fue co-fundado con Miller y su madre, Diane Disney Miller. La Compañía Walt Disney colaboró con el proyecto, pero el museo es una empresa idnependiente totalmente fundada por la Fundación de la Familia de Walt Disney. Los miembros de esta familia dijeron que fueron motivados por recuperar las opiniones que se tenían de la concepción del mundo de Disney.

Las exposiciones van de la infancia de Disney hasta sus fracasos tratando de establecerse como artista y su tardío éxito, con el ‘gol’, de acuerdo a su nieto Miller, de narrar la vida de “alguien cuyo nombre generalmente es confundido con una marca y presentarlo simplemente como un humano con una extraordinaria visión”.

Los momentos oscuros no son evitados. Una de las secciones muestra una amargada huelga en los Estudios Disney y otra presenta cintas de audio de los testimonios de Disney ante los Representantes del Comité de la Casa de Actividades Anti-Norteamericanas. Los fracasos en sus negocios también están documentados. ¡No todo es color de rosa en Disneylandia!

Damien de vuelta al estudio

2009-10-08T06:10:00.001-07:00

Damien Hirst está salpicado con pintura desde sus botas hasta su pelo. Se parece a un Jackson Pollock en las sombras de Prada.

Durante los últimos 3 años el arte se ha convertido en un negocio sucio para el hombre que por lo general consigue que otra gente haga el trabajo sucio por él. Aquí en su estudio - una sala de espera de ferrocarril transformada en taller en las tierras rodantes de su estado de Devon- uno de las artistas vivos más famosos del mundo trabaja en soledad.

Varias mandíbulas de tiburón cuelgan de las paredes, junto con cuervos muertos y un cráneo humano. Un enorme oso relleno se encabrita en una esquina rodeada por docenas de Hirst originales, apoyados contra cada pared de madera.

Pero estas no son las pinturas importantes y famosas, esas obras de marca registrada fabricadas en serie en las fábricas propias de Hirst, realizadas por equipos de ayudantes.

Estas son pinturas figurativistas, hechas en óleo sobre tela. Y todo realizado con sus propias manos.

Versión definitiva de las cartas de Van Gogh

2009-10-08T06:01:00.001-07:00

La nueva edición de las cartas de Van Gogh representan un logro magnífico. Se publicarán 6 volúmenes el 7 de Octubre, con textos que contienen casi 1 millón de palabras, con casi 4.000 ilustraciones. Es la culminación de un proyecto que lleva casi 15 años en el Museo de Van Gogh en Amsterdam.

"Vincent Van Gogh: Las Cartas" transforman nuestro conocimiento del artista. A pesar de que hubo ediciones tempranas de estas correspondencias (sobre todo en 1958), esta presenta todas las cartas que quedaron, en una debida secuencia cronológica (algunas fueron reeditadas y en otras se descubrieron nuevos elementos), y está basada en una transcripción revisada de los textos, con traducciones más apropiadas y anotaciones detalladas.

Esta edición actuará como el antídoto a la percepción de “El Loco de Pelo Rojo” (Lust For Life) de Van Gogh, que se ha adoptado tan profundamente, como resultado de la novela de Irving Stone (1934) y la película de Kirk Douglas (1956). A pesar de que la fuente principal de Stone fueron las cartas, él utilizó una edición temprana publicada en la década de 1920, y admitió que había añadido “una extensión ocasional de pura ficción”. En “El Loco de Pelo Rojo”, Van Gogh es presentado escribiendo cartas nerviosamente, volcando las palabras en el papel con excesiva emoción. Esto sí ocurrió, pero sólo ocasionalmente, sobre todo cuando estaba la familia involucrada. En contraste, al leer las 2.180 páginas de la nueva edición de las cartas, se verá que el artista estaba muy enfocado en lo suyo. Es verdad que en un sentido era muy obsesivo, en su dedicación por convertirse en artista, pero las cartas generalmente están cuidadosamente escritas (y a veces hermosamente), por lo general con un objetivo claro en mente.

Las cartas también nos recuerdan que Van Gogh logró su estilo en una manera similar. No tiraba la pintura sobre la tela en un momento de emoción brutal, sino que consideraba detenidamente los efectos que buscaba obtener. Esto nos llega claramente en la corriente de comentarios que le hizo a su hermano Theo y a sus amigos, durante la descripción de los cuadros que iba completando. La nueva edición de las cartas está traducida de acuerdo a los recursos literarios de las citas propias de Van Gogh. A pesar de que su educación formal fue breve (con sólo 18 meses en el colegio secundario), obtuvo un hábito de lectura muy importante. Algunas de las 800 fuentes literarias (de 150 autores), están tanto citadas como discutidas en las cartas. Por ejemplo, hay 54 cartas que se refieren a Dickens.

Van Gogh era también talentoso en las lenguas. Su francés era tan bueno como su holandés (y desde 1887 le escribió a Theo en francés), hablaba un inglés razonable (las cartas incluyen correspondencias con el artista británico Horace Livens y el australiano John Russell), así como un poco de alemán. Van Gogh no estaba loco como se piensa frecuentemente, más bien era un genio bajo todo punto de vista.

Exposición: “Las Cartas de Van Gogh: el Artista Habla”, Museo Van Gogh, Amsterdam (9 de octubre-3 de enero 2010). www.vangoghmuseum.nl. Otra selección de sus cartas será exhibida en "El verdadero Van Gogh: el Artista y sus Cartas", Real Academia de Londres (enero 23 2010-abril 18 2010).

Renoir en el siglo XX… y XXI

2009-10-07T06:10:00.001-07:00

Renoir sufría de una artritis reumatoidea tan severa a su mayoría de edad que ni siquiera podía sostener un pincel; tenía que ser atado a su tullida mano. El Grand Palais en Paris está exhibiendo 100 pinturas, dibujos y esculturas de ese período.

El título: “Renoir en el Siglo XX”, es engañoso. La exposición comienza en la década de 1880, cuando su estilo cambió. Hasta qué punto aquel cambio fue debido a su enfermedad es un asunto aún por resolver. Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) fue uno de los padres fundadores del Impresionismo. A pesar de que nunca se distanció de sus orígenes, sintió en 1883, luego de 9 años de la primera exposición impresionista, que estaba en un impasse: “He llegado a la conclusión”, le dijo a su marchante Ambroise Vollard, “que no puedo ni pintar ni dibujar”. Ese mismo año, produjo 2 grandes canvas que abren la muestra de Paris (“Danza en la Ciudad” y “Danza en el Campo”). El clasicismo de las parejas de baile es diferente a su obras maestras tempranas como “La Fiesta en el Molino de la Galette” o “El Swing”, con sus pinceladas sueltas y efectos de luz.

Durante la Comuna de París en 1870-71, Renoir siguió pintando sobre los bancos del Sena, indiferente acerca de la rebelión, lo que casi lo tira al río, ahogado por revolucionarios furiosos que lo tomaron por espía. A partir de la década de 1880 en adelante, prefirió trabajar en su casa -primero en París, luego en Cagnes-sur-Mer sobre el Cote d'Azur cuyo clima caliente alivió su dolor. Perdió el interés en nuevas temáticas; lo que lo obsesionaba ahora eran las muchachas jóvenes, cuanto más desnudas mejor. No le gustaban las posturas trilladas de modelos profesionales, lo que le hizo buscar su modelo en su propia casa: Gabriela Renard, su criada, posó para él al menos 200 veces. Ya en los ‘90, Renoir era famoso. Él amaba viajar e inspirarse en los museos italianos, españoles y holandeses. Los viejos maestros -no la naturaleza- se convirtió en el criterio por el cual él deseaba ser estudiado.

"Renoir en el Siglo XX" abre el 4 de enero de 2010. Luego viajará a Los Angeles (14 de Febrero - 9 de Mayo, 2010) y Filadelfia (12 de Junio – 5 de Septiembre, 2010). Para más información y reservas, visitar www.rmn.fr o llamar al +33-1-4413-1717.

Bienvenidos a Egipto

2009-10-07T06:01:00.001-07:00

El Mundo de los Faraones: Tesoros Revelados de Egipto, es el nombre de una muestra que se llevará a cabo desde el 25 de Septiembre de 2009 hasta el 5 de Julio de 2010 en el Arkansas Arts Center.

El Mundo de los Faraones explora el mucho tiempo desaparecido antiguo mundo egipcio a través de las artes y los artefactos que atravesaron casi 3.000 años de historia dinástica. Más de 200 magníficos objetos, incluyendo momias, un majestuoso coloso de Ramses el Grande, arte egipcio, joyas, estatuas, esculturas y artefactos funerarios, que ilustran la vida y el arte del antiguo Egipto. ‘El Mundo de los Faraones será la mayor exposición que se haya hecho en Arkansas en relación con Egipto’, dijo el director ejecutivo del centro, Nan Plummer.

La muestra se centra especialmente en el material excavado durante la Edad de las Pirámides, también denominada el Antiguo Imperio (2675-2130 a.C.), usualmente conocida como el momento de esplendor de la civilización. Los artefactos incluyen un decreto real tallado en piedra caliza (Decreto de Neferirkare), la puerta falsa de Inty, una Sacerdotisa de Inty y una escena espiritual de la tumba de Qar e Idu.

Entre los objetos funerarios hay una tapa de sarcófago Ptolemaico, una selección de stelae y varios shawabits de funcionarios

La exposición es presentada por el Centro de Artes de Arkansas y organizada por el Museo de Bellas Artes de Boston. La colección egipcia del Museo de Bellas Artes es una de las más extensas del mundo. Hoy por hoy es bien conocida por las excavaciones realizadas desde 1905 a 1947 por la Universidad de Harvard. Para el que viva cerca, o este de paso, ¡a no perderse esta colección de reliquias!

Restauran murales del Empire State

2009-10-07T05:57:00.001-07:00

Todos los días, la gente entra a la Gran Terminal Central y alza la vista hacia el techo sobre la confluencia principal, con sus constelaciones de estrellas y signos del zodíaco.

Esto ayudó a hacer de la estación ‘una entrada triunfante a Nueva York’, en palabras de una de sus arquitectas, Whitney Warren. La gente que ingresaba al Edificio Empire State estiran sus cuellos para ver la cima, a 1.250 pies de altura desde la calle.

Mientras caminan mirando el deck del observatorio, poco importa que se acuerden del vestíbulo parecido a una catedral. Ahora sí hay algo que mirar. El techo del lobby está siendo modificado gracias a una restauración de $12.5 millones de dólares, la cual ha recuperado dos brillantes murales de Art Deco que habían desaparecido en la década de 1960.

¿Racismo en el Tate?

2009-10-07T05:55:00.001-07:00

La Galería Tate de Arte Moderno, recreará una exposición que fue mundialmente condenada como ‘Racista’ por críticos, cuando fue puesta en escena en Nueva York.

Cuando el dúo artístico, Rob Pruitt y Jack Early abrieron la muestra ‘Red, Black, Green, Red, White, and Blue’ (‘Rojo, Negro, Verde, Rojo, Blanco y Azul’), que consistía de carteles comprados en tiendas de estrellas negras del pop, personalidades deportivas y activistas, ellos lo que quisieron hacer fue tanto un homenaje a los afroamericanos, así como una crítica.

Pero el trabajo en la galería de Leo Castelli en 1992 llevó a una respuesta explosiva por parte de los críticos de arte, virtualmente ‘finalizando’ con la carrera de Early, y suspendiendo a Pruitt por 7 años, ya que las galerías se rehusaban a exponer sus trabajos. Early vive ahora en un hotel de media renta y trabaja en un catering. El dúo se había primeramente juntado en la década de 1920, cuando estudiaban arte en la Escuela Corcoran de Washington DC.

La Galería Tate promulgará nuevamente el espectáculo en un espacio entero de su exposición principal, ‘Vida Pop: Arte en un Mundo Material’, abriendo el 1 de octubre, la cual explora la escena de las artes en Nueva York y sus eslabones en relación con el YBAS.

Boceto de Picasso: £20,000

2009-10-06T05:05:00.001-07:00

Esperan que un simple garabato de Pablo Picasso se venda en más de £ 20,000 en una subasta. El bosquejo consiste de un caballo hecho con un rotulador el cual no debe haber tomado no más que pocos segundos en ser producido. Este aparece en una página de un libro de fotografías del gran artista español.

La casa de subastas Duke, ubicada en Dorchester en Dorset, será la que subastará el garabato, propiedad de un coleccionista privado de Gran Bretaña. El subastador Guy Schwinge dijo: “Muchos coleccionistas tienen una ambición con respecto a poseer una obra de Picasso, uno de los más grandes artistas del siglo XX. Este es un fuerte dibujo inmediatamente atractivo y es seguro que irá a alguien apasionado de los caballos y fanático de Picasso”.

El dibujo viene junto con una carta original de la hija de Picasso, Maya Widmaier. Picasso dibujó caballos a lo largo de toda su carrera, de los cuales quizás sea el más memorable el caballo que aparece en Guernica. El garabato que está siendo subastado es más gentil que el del Guernica.

El caballo está parado estáticamente con sus patas traseras cruzadas. Apareció en una página de un libro de fotografías de Picasso realizadas por el fotógrafo norteamericano David Douglas Duncan, publicado en 1959. La subasta se realizará el 1º de Octubre en Duke y asistirán coleccionistas de todo el mundo. Otras obras que se venderán en la subasta incluyen producciones de Damien Hirst y Turner.

Escultura de sangre: autorretrato de Marc Quinn

2009-10-06T05:01:00.001-07:00

‘Enviar al arte a sus extremos, otorgándole no sólo la forma, sino la substancia de la vida:

carne y sangre’.

Este es el pensamiento de Marc Quinn acerca de su última obra: una cabeza hecha de sangre congelada, escultura que fue comprada por 300.000 libras en la Galería Nacional del Retrato de Londres y que ahora se encuentra en exposición.

El escultor recreó meticulosamente su cara utilizando su propia sangre congelada y utilizada con propósitos artísticos en el año 2006.

La escultura pertenece a una larga serie de retratos que Marc ha venido realizando cada 5 años desde 1991. Este es el único ejemplo accesible, mientras el resto pertenece a colecciones privadas.

Increíble instalación de arte contemporáneo

2009-10-06T04:56:00.001-07:00

La Galería Nacional de Arte Moderno de Escocia adquirió una increíble instalación contemporánea llamada ‘We Are Pro Choice’, realizada por Cathy Wilkes. La adquisición de esta obra de £44,000 fue posible gracias a un préstamo de £19,000 otorgado por la fundación independiente The Art Fund.

We Are Pro Choice es una obra provocadora y reflexiva, que comenta los límites convencionales de la mujer en el ámbito doméstico. Un maniquí femenino se encuentra sentado sobre un inodoro con campanas decorativas yuxtapuestas sobre dos latas de bebida que cuelgan de un cable al rededor de su cabeza. El maniquí está rodeado de efemeras domésticos incluyendo una escalera, un reloj roto, una raqueta de plástico de niños, y una tela pintada al óleo. La obra ofrece una meditación secreta y deliberada de las cuestiones pertinentes a la vida de la mujer como madre, como ama de casa, a lo largo del paso del tiempo.

Andrew Macdonald, Director Artístico de The Art Fund, dijo: ‘A través de la ubicación estratégica de los objetos comúnes y corrientes, Cathy Wilkes dibuja un ambiente familiar pero en un sentido inusual.’

Simon Groom, Director del sector de Arte Moderno y Contemporáneo de las Galerías Nacionales de Escocia, dijo: ‘We are Pro Choice es uno de los mejores trabajos de la artista. El apoyo de The Art Fund ha contribuido a llenar un gran vacío en nuestra colección’.

Wilkes nació en Belfast en 1966, y se mudó a Glasgow a los 19 años, lugar donde atendió a la Escuela de Arte de Glasgow. Wilkes es una de las artistas actuales más prometedoras de Escocia y fue nominada por el prestigioso Premio Turner en 2008. También representó a su país en la Bienal de Venecia en el 2005.

Mejor que nunca: Lo nuevo de la legendaria Siouxsie

2009-09-18T16:42:00.001-07:00

Los fans de Siouxsie están de suerte. Se ha concluido la edición de la caja de tres CDs y un DVD "At the BBC" que resume todas las actuaciones transmitidas por la radio británica desde finales de los 70 hasta los 90. Pero esta mirada atrás no es lo único que nos recuerda del excelente pasado y presente de esta fenomenal artista.

Cuando “Siouxsie and The Banshees” se separaron a mediados de los 90, pareció el final definitivo de una carrera en declive. Tras unos cuantos álbumes más bien fríos y sin mucho resultado, el grupo se quedó sin contrato discográfico en 1995. Agotada, además de la inestabilidad del conjunto (porque los Banshees habían pasado media docena de guitarristas a lo largo de los años, entre ellos el brillante Robert Smith de The Cure) e insatisfecha con la dirección cada vez más pop que estaba tomando el grupo, Siouxsie decidió abandonar al proyecto para centrarse en The Creatures, que era hasta entonces un pasatiempo que disfrutaba con su marido, el baterista Budgie. The Creatures sin embargo nunca llegaron a ser reconocidos comercialmente hablando, de ahí la reformación en directo de los Banshees en 2002. The Seven Year Itch Tour quedó plasmado en un excelente DVD que demostró a una Siouxsie rejuvenecida, energética y con la voz más potente en años. Pero una vez consolidadas las cuentas bancarias, The Banshees desaparecieron de nuevo.

En el 2004 Siouxsie produjo la ruptura total con su pasado, disolviendo también a The Creatures. Dio una serie de actuaciones muy ambiciosas por el Reino Unido, que culminó con dos conciertos en el Royal Festival Hall de Londres donde fue acompañada por una orquesta clásica. Más de dos horas del Dreamshow en el que cayeron todos los clásicos de The Banshees y temas de The Creatures se pueden disfrutar en un DVD colmado de extras.

En el 2007 Siouxsie se separó de Budgie, lo que también representó el final de su enlace profesional. Tras esto, la artista se enfrentó a nuevos desafíos: a principios del 2008 lanzó su primer disco como solista, "Mantaray" que trata de un trabajo contemporáneo que fusiona el sonido de los Banshees con tendencias actuales obteniendo una gran vitalidad y unos arreglos electrónicos sobre los cuales anida la inconfundible voz de Siouxsie. El disco no alcanzó unas ventas espectaculares, pero nos devolvió a una Siouxsie experimental, atrevida y con suspicacia. La gira Mantaray & More confirmó el buen estado en el que se encuentra la artista en la actualidad.

El concierto en Londres contiene todos los clásicos de The Banshees, aparte de un buen puñado de temas de "Mantaray" y dos versiones curiosas: "Hello I Love You" de The Doors y "These Boots Are Made for Walking" de Nancy Sinatra, ambas al estilo Siouxsie. Está demás decir que una cantante tan carismática como Siouxsie lleva las versiones a su terreno y las transforma en temas muy suyos.

Como extra el DVD ofrece una interesante entrevista con Siouxsie en la que comenta sobre su pasado pero sobre todo se enfoca en su futuro: confirma que pronto empezará a grabar su próximo álbum y tiene previsto de nuevo promocionarlo en directo.

Sus discos quizá ya no venden como antes, pero la ex Banshee aún cuenta con un público incondicional que presencia sus conciertos. Es por esto que sus DVDs en directo al menos en Inglaterra siempre alcancen los Top 10 de ventas.

Si se comapara la calidad de los directos antiguos de la caja "At the BBC" con su último trabajo, sólo hay una conclusión: los Banshees de los comienzos representaban una gran ambivalencia, simpáticos y arrogantes a la vez que lograron su éxito en un entorno post-punk muy tolerante en lo que a las habilidades musicales se refiere. Siouxsie en cambio siempre ha tenido este aura tan fascinante que salvó las actuaciones primerizas mientras los músicos producían monotonías casi insoportables. Como documento histórico "At the BBC" tiene su gracia, pero es realmente en "Mantaray & More" donde se aprecia la calidad que Siouxsie ha alcanzado como artista e intérprete y lo demuestra con creces que a sus 50 años está mejor que nunca.

'This is It', Jackson sigue siendo el Rey

2009-09-15T08:42:00.000-07:00

A partir del 28 de Octubre todo el mundo podrá presenciar al concierto final de Michael Jackson. Sony estrenará la película 'This Is It' que actualmente se está produciendo con el completo apoyo de los herederos de el Rey del pop, y se logrará a partir de cientos de horas de ensayos y de escenas entre bastidores que fueron filmadas en alta definición y con el sonido digital más avanzado mientras el cantante preparaba su nueva gira de conciertos que hubiese empezado en Londres.

La película, que también contará con una selección de secuencias en 3D, brindará una retrospectiva única de su carrera y también publicará entrevistas con algunos de los amigos íntimos y colaboradores más cercanos de Jackson.

Kenny Ortega, director del concierto y socio creativo de Jackson en 'This Is It', ha afirmado que: 'El mundo verá lo que nuestro equipo ha tenido la fortuna de vivir, que fue el compromiso total, la pasión y la creatividad que Michael puso en este proyecto. Él fue el arquitecto de 'This Is It', y nosotros sus constructores'.

Este film se lanzará muy pronto, y sólo estará en las salas de los cines durante dos semanas.

This is it está destinado a cumplir aquellos proyectos que el Rey ha dejado en manos de sus colaboradores.

A pesar de que es un film que se hizo en muy poco tiempo, sus fans ya estamos ansiosos de verlo, pero por ahora sólo hay que esperar un poco más.

Por ahora les dejo el trailer del film, en el cual se destacan sus mejores conciertos, sus grandes trabajos y todo el empeño que Michael Jackson puso durante toda su vida en lo que obviamente amaba, la música.

Aquí les dejo el trailer del film para que vean de qué gran proyecto les estoy hablando, distrutenlo!

De Corot a Monet: En el Bosque de Fontainebleau

2009-09-15T05:41:00.001-07:00

Inspirados por las posibilidades de la pintura en la misma naturaleza, más que en el estudio, los artistas viajaron al rugoso Bosque de Fontainebleau cerca de París desde la década de 1820 hasta mediados de 1870, forjando innovaciones en el arte que resonarían en las generaciones subsiguientes. Allí, entre las villas rurales y los grandes y variados páramos, ellos realizaron los trabajos preliminares de lo que sería el Impresionismo, influyeron en el desarrollo de la fotografía de paisaje, y propiciaron la temprana propugnación para la conservación de la naturaleza. En el Bosque de Fontainebleau: Pintores y Fotógrafos de Corot a Monet en el Museo de Bellas Artes de Houston. La exposición de 96 trabajos estará abierta a partir del 19 de octubre.

La Ráfaga de Viento. Gustave Courbet.

Organizada por la Galería Nacional de Arte en asociación con el MFAH, la muestra es la primera en los EE.UU. en trazar la gradual evolución de la pintura de paisajes y la fotografía en Fontainebleau. Expondrá múltiples trabajos de Jean-Baptiste-Camille Corot y Claude Monet, artistas que representaron el final del espectro experimental en Fontainebleau, y también remarcará trabajos de Jean-François Millet y Théodore Rousseau, quienes estaban entre los estudiantes más diligentes del bosque. Otros artistas incluidos son Frédéric Bazille, Narcisse Diaz de la Peña, Auguste Renoir, y Alfred Sisley. Entre los 9 fotógrafos presentados estarán los pioneros del campo como Gustave Le Gray, Eugène Cuvelier, y Charles Famin.

-‘En el Bosque de Fontainebleau’ se celebra un crucial y fértil período de la historia del arte- dijo Aurisch. ‘A pesar de que los Impresionistas son a menudo son acreditados con la innovación de la pintura al aire libre –pintura plein air-, directamente delante de los motivos, esta exposición buscará batir el record de registro directamente documentando los logros de un temprano grupo de pintores, quienes pasaron de las primeras experiencias a los jóvenes pintores de la generación de Monet’.

El Bosque

El Bosque de Fontainebleau está localizado a 35 millas al sudeste de París. No es sólo el bosque más grande de París -50.000 acres-, sino también el más diverso topográficamente, con dramáticos soportes de robles seculares, mesetas rocosas y desfiladeros, y espacios solitarios y áridos. Corot estaba entre los primeros artistas que comenzaron a hacer visitas regulares al bosque en los tempranos años de la década de 1820. Otros prontamente se unieron y experimentaron la pintura al aire libre, viviendo el desafío de la captura de la luz, las sombras, el clima, y las estaciones en este ‘estudio natural’. Esos años lentamente marcaron el comienzo de una revolución en la pintura de paisaje en Francia que se esparciría por toda Europa y por los Estados Unidos.

Árboles en Fontainebleau. Gustave Le-Gray.

En la década de 1830, una colonia de artistas informales se estableció en Barbizon, uno de los tantos pueblos situados en los perímetros del bosque, favorecido por sus excelentes alojamientos. Los artistas que se quedaban en las cabañas y experimentaban con la pintura plein-air, condujeron el movimiento artístico conocido como La Escuela de Barbizon. Entre los pueblos restantes los artistas que primeramente los frecuentaron fueron Chailly y Marlotte. Todos los pueblos tenían fácil acceso al bosque, pero la mayoría de los artistas no aventuraban demasiado porque tenían que cargar las provisiones en sus espaldas: generalmente un paraguas, una base plegable, el taburete, cajas con pinturas y la tela.

Los fotógrafos comenzaron a hacer peregrinaciones por Fontainebleau en 1840 cuando la introducción del proceso de papel en negativo hizo posible viajar sin el pesado equipo. Trabajaban al lado de los pintores ya en 1849, contribuyendo a la camaradería y el cambio de ideas. Durante este período, Francia sobrepasó a Italia como centro preeminente para el plein-air debido a la actividad en Fontainebleau, y la fotografía de paisaje se hizo todo un arte.

La atracción de los artistas por el bosque comenzó a decaer en la década de 1870, pero los artistas de allí ya estaban experimentando lo que sería la otra revolución en el arte: el Impresionismo.

La Exposición

La muestra estará instalada por sectores, cada uno dedicado a un aspecto del bosque y su rol en el desarrollo de la pintura naturalista del paisaje y la fotografía de paisaje: Descubrimiento del Bosque; Árboles y Piedras; Naturaleza y Observación; Fontainebleau a Gran Escala; y Vida de Pueblo. Más de 56 prestamistas privados e institucionales cedieron obras para la muestra, incluyendo al MFAH. Los Grandes Robles del Vieux Bas-Bréau (1864) de Rousseau, la Ráfaga de Viento de Gustave Courbet (1865), y 2 fotografías de Le Gray, Árbol, Bosque de Fontainebleau (c. 1856) y Le Pavé de Chailly (1852) están entre las obras más importantes.

•Descubrimiento del Bosque

Corot había estado en el bosque antes de su viaje a Italia en 1825, en donde practicó pintura al aire libre. Regresó a Francia con una nueva apreciación por las maravillas del bosque y continuó trabajando allí por 5 décadas. La muestra incluye 7 pinturas de Corot empezando por Estudio de un Tronco de Árbol en el Bosque de Fontainebleau de 1822 hasta Leñadores en un Valle Forestal de 1872. Le Gray estaba entre los primeros fotógrafos que visitaron el bosque, creando impresiones de papel salado a partir de negativos en la temporada de 1849. La exposición también incluye 7 trabajos de Le Gray que demuestran sus logros pictóricos al capturar la luz, las texturas, y la atmósfera del bosque.

Escena de Fontainebleau. Alfred Sisley.

•Naturaleza y Observación

Los artistas que viajaban regularmente al bosque, y aquellos que vivían allí, como Rousseau, estaban obsesionados con la captura de los diferentes estados en estaciones diferentes, en tiempo diferente, varias veces al día. Los ejemplos incluyen la Puesta del sol roja-entonada sobre la Playa de Jean de París de Rousseau (1864), el presagio La Tormenta de De la Peña (1871), y Sendero en el Bosque de Fontainebleau en la Nieve de Cuvelier (tempranos 1860’s).

•Fontainebleau a Gran Escala

Ya que los artistas debían cargar con sus provisiones en el bosque, generalmente trabajaban en telas de tamaños portátiles. De todas formas, el bosque también servía como fuente de inspiración para trabajos a gran escala que se completaban en el estudio luego del trabajo hecho al aire libre. El monumental Ráfaga de Viento de Courbet es un ejemplo de esto. La pintura es una escena fantástica que combina elementos de diversos bocetos que el artista hizo del bosque.

El misterio del robo Warhol

2009-09-15T04:50:00.001-07:00

El robo de 10 pinturas serigráficas de Andy Warhol tiene al Departamento de Policía de Los Ángeles buscando las pistas, y tiene a la gente en el mundo del arte rasguñando sus cabezas, también. ¿Por qué solamente robaron Warhols, y no otro arte más valioso de la misma localidad? ¿Además qué ladrones de arte pensarían en robar Warhols que son completamente incomerciables en cualquier parte del mundo? ’Es difícil saber qué quieren hacer con ellos, pero pareciera ser que alguien conocía estas piezas’, dijo el Detective Hrycyk. Dijo que no había ningún signo de entrada forzada y que no fue robado ningún otro material.

Las pinturas fueron robadas de la parte Oeste en Los Ángeles de la casa de Richard L. Weisman, un hombre de negocios y coleccionista prominente. Weisman ofreció una recompensa de 1 millón de dólares a todo aquel que otorgue información que pueda conducir a la recuperación de las pinturas. El viernes, la policía de Los Ángeles dijo que las pinturas -imágenes de atletas que incluyen a Mahoma Ali, Chris Evert, Dorothy Hamill, Tom Seaver, Jack Nicklaus, Pele y la O. J. Simpson- fueron tomadas del comedor del Sr. Weisman. Un ama de casa llamó a la policía; Weisman estaba por entonces fuera de la ciudad.

El detective Donald Hrycyk, uno de dos investigadores asignado por el Departamento Policial de Robos de Arte de Los Ángeles, dijo que las pinturas pueden haber sido robadas tanto el día que se reportó su desaparición –el 3 de septiembre-, como el día después de esto.

Weisman comisionó las pinturas, conocidas como ‘la Serie del Atleta’ de Warhol a finales de 1977. Cada una mide 40 pulgadas, y fueron firmadas por el artista y por cada una de las estrellas deportivas, dijo Vincent Fremont, el agente exclusivo de ventas para las pinturas y dibujos en la Fundación Andy Warhol para las Artes Visuales.

Warhol sentó la crónica del proyecto en sus diarios de ese año. ‘Tom Seaver era adorable’, escribió el 18 de julio de 1977. ‘Los atletas realmente tienen la grasa en los sitios más adecuados, y ellos son jóvenes en el momento adecuado’. De todos modos, 30 años más tarde, el público no lo vio así. En 2007, la serie perteneciente a Weisman ‘la Serie del Atleta’ fue el tema principal de una exposición en la Galería Londinense Martin Summers de Bellas Artes, en donde estaban a la venta en aproximadamente 28 millones de dólares, dijeron varios expertos de arte. Igualmente no se vendieron. Desde entonces, los precios de los Warhols, con aquellos de muchos otros artistas contemporáneos, han caído. ‘Estos se divertían con los héroes de un momento particular’, dijo Brett Gorvy del departamento de arte contemporáneo y de posguerra de Christie’s.

Mientras algunos trabajos fueron maravillosamente pintados, con mucho lo que más resalta es el retrato de Mahoma Ali. ‘Es realmente icónico’, dijo Gorvy. ’Incluso hoy todavía ganaría una enorme cantidad’. En 2007, una imagen similar del boxeador trajo 9.2 millones de dólares cuando estaba en venta en Christie’s de Nueva York. El resto, dijo Gorvy, probablemente valdría un par de cientos de miles de dólares cada uno.

Weisman viene de una familia de famosos coleccionistas. Su padre, Federico Weisman, un hombre de negocios de Los Ángeles y filántropo, comenzó sus compras de arte a finales de los años ‘40. A lo largo de los años, compró ejemplos de maestros como Cézanne y Picasso, de Kooning, Rothko y Warhol. Algunos en exposición en un museo de Los Ángeles.

La madre de Weisman, Marcia Weisman, es la hermana del millonario Norton Simon y es también coleccionista de arte. En 2003 Richard Weisman publicó un libro sobre su colección llamado ‘De Picasso al Pop’. Incluso con la fama de la colección, los expertos de arte encontraron extraño que alguien se vaya así nomás con ‘la Serie del Atleta’ entre sus manos. ‘El mercado Warhol es demasiado insular’, dijo Gorvy. Tobías Meyer, director internacional del departamento de arte contemporáneo de Sotheby, estuvo de acuerdo. ‘Robar Warhols es una muy mala idea’, dijo Meyer. ‘El mundo del arte se ha hecho tan transparente, y todos estos trabajos son demasiado detectables’.

El detective Hrycyk dijo que los robos de colecciones privadas son relativamente comunes en Los Ángeles, donde las obras de arte más importantes cuelgan en paredes de casas de directores ricos y estrellas de Hollywood.

Donan obras para Fundación de niños con cáncer

2009-09-14T07:49:00.001-07:00

La Fundación de Cáncer y Sangre de Niños (CCBF) está orgullosa de recibir su segunda subasta anual de Arte Contemporáneo el domingo 22 de septiembre de 2009 en el Sotheby de Nueva York, la cual comenzará a las 18 hs. Los beneficios de la subasta apoyarán el trabajo de la Children’s Cancer & Blood Foundation, la cual financia el cuidado clínico, promueve la investigación para ayudar a entender las causas del cáncer en la niñez y los trastornos de sangre, y patrocina el fomento del compañerismo entre pediatras en la sub-especialidad de hematología pediátrica y oncología.

El presidente de la fundación, Les J. Lieberman habló apreciativamente de los artistas, quienes donaron personalmente sus obras, ‘es maravilloso tener el apoyo de tales artistas renombrados quienes generosamente donan a nuestra causa un poco de su trabajo más importante. El dinero recaudado con esta subasta de arte nos ayudará a asegurar que cada familia reciba el cuidado independientemente de su capacidad económica. Agradecemos a todos los artistas que ayudan a hacer de nuestra subasta de arte todo un éxito’.

La subasta de arte del año pasado en Phillips de Pury & Cía. fue un enorme éxito con beneficios que superaron los 400,000 dólares. La próxima subasta promete otra vez ser una oportunidad única para la comunidad del arte a fin de comprar obras apasionantes por artistas principalmente contemporáneos.

Los artistas participantes incluyen a: Jasper Johns, Donald Baechler, Richard Serra, Richard Pettibone, Tom Otterness, Massimo Vitali, Machiko Edmondson, Zhang Huan, Abelardo Morell, Matthew Pillsbury, Rita Ackermann, Mickalene Thomas, James Nares, Andres Serrano, y Will Ryman, entre otros.

Mural Pop de Lichtenstein en Tel-Aviv

2009-09-14T06:20:00.001-07:00

Los dos paneles masivos de este mural fueron hechos sobre todo para el Museo de Arte de Tel-Aviv por el artista Pop Americano, Roy Lichtenstein. Este artista se ha hecho famoso gracias a su estilo de pintura que imita la gráfica y las técnicas de impresión de tiras cómicas baratas. Pero un tema que se repite en su trabajo se ha transformado en arte per se. De hecho Lichtenstein ha dicho que un artista contemporáneo no necesita buscar más allá de la historia del arte para encontrar nuevos temas para adaptar a su trabajo en un nuevo estilo. Ahora en exposición permanente.

Aquí, si se contempla el panel izquierdo, y hasta borde inferior, se ve la palabra ARTE escrita en mayúscula. Sobre el lado izquierdo, una muchacha con el pelo rubio, representada en el estilo de Pop Art típico de Lichtenstein, mira a la escena detrás de ella la cual contiene figuras tomadas de los trabajos de otros artistas. Algunos de estos son en realidad trabajos que se encuentran en este mismo Museo. Por ejemplo, si se mira el centro del panel se verá una figura extraña astada hecha al estilo de Picasso, mientras en lo alto del panel un violinista flota en el espíritu de pinturas de Chagall.

En una línea diagonal debajo del violinista y a la derecha, el trabajo de Alexander Archipenko está insinuado por una mujer de figura geométrica que también toma la forma de una guitarra. Este trabajo, a propósito, puede ser visto en la galería Assia. Sobre el lado derecho podemos ver las espaldas de tres figuras montando una escalera, imagen que recuerda la ‘escalera Bauhaus' del profesor de la Bauhaus y artista Oskar Schlemmer.

El panel de la derecha de Lichtenstein está pintado de una manera abstracta y geométrica. Pero si se mira hacia atrás y hacia adelante entre los dos paneles se verá que las formas abstractas a la derecha se relacionan estrechamente con los espacios, formas y colores descritos de forma más realista en el panel de la izquierda. Y si se gira, se podrá ver cómo Lichtenstein ha relacionado su mural directamente con la arquitectura de esta parte del museo, que consta de una estructura en zigzag en la parte de la escalera que conduce hasta las galerías.

Nuremberg Mazhor: recuperan libro iluminado hebreo

2009-09-14T06:07:00.001-07:00

El Museo de Israel en Jerusalem, anunció hoy la presentación especial del Nuremberg Mazhor, uno de los libros iluminados Hebreos más completos y el cual está entre los códices medievales que mejor sobrevivieron en la historia del mundo, luego de una extensa restauración en los laboratorios de conservación del papel del Museo. Reflejando los logros más altos de producción de manuscritos hebreos en el Medioevo, el Mahzor incluye finos poemas escritos a mano, liturgias y rezos para el año entero judío y el ciclo de vida, adornado con pródigos paneles iluminados de hojas de oro y de plata y pigmentos preciosos. Datado en el 1331, el Mahzor será expuesto en el Lugar santo del Libro en el Museo como la pieza central de una exposición que estará entre el 15 de septiembre de 2009 hasta febrero de 2010.

‘Nuremberg Mahzor: Una Obra maestra Medieval Revelada’ ofrece a los visitantes una oportunidad nueva de ver este manuscrito recién conservado, completado con 4 hojas antiguamente desaparecidas que se pensaba habían sido removidas durante las Guerras Napoleónicas. Anteriormente en la colección de la Biblioteca en el Instituto Schocken para la Investigación Judía en Jerusalén, el manuscrito y las hojas que fallaban recientemente fueron adquiridas por el Doctor David y Jemima Jeselsohn, Zurich, y entregadas al Museo de Israel mediante un préstamo extendido.

‘Esta presentación del Nuremberg Mahzor realza y amplía la cantidad de manuscritos hebreos expuestos en el Lugar santo del Libro, subrayando la evolución dramática de los rollos del Mar Muerto en tiempos del Segundo Templo, al Códice Aleppo en el siglo X, y siguiendo a la prosperidad de las comunidades líderes mundiales judía durante la Edad Media,’ dijo James S. Snyder, Ana y el Director del Museo de Israle, Jerome Fisher. ‘Esta muestra también sigue un programa importante de instalaciones en el Lugar santo presentando singulares tesoros de herencia judía, acentuando la rica herencia del Museo de historia cultural judía’.

Además de contener el ciclo anual de rezos Ashkenazic, Nuremberg Mahzor destaca una colección sin par de poemas litúrgicos y comentarios que representan la mayoría del contenido del manuscrito. Al principio comisionado para estudios privados y el empleo de sinagogas por un patrón judío llamado Josué, Hijo de Isaac, el Mahzor fue completado en Alemania el 8 de agosto de 1331. El libro probablemente sirvió a la comunidad judía más grande de Nuremberg desde entonces, permaneciendo en la ciudad después de la expulsión de los judíos en 1499.

El Mahzor fue conservado intacto en la biblioteca de la ciudad de Nuremberg hasta el siglo XIX cuando once de sus 528 hojas fueron vendidas, aparentemente por el ejército napoleónico. De las hojas que faltan, cinco emergieron nuevamente 100 años más tarde en Francfort, en la colección de Mayer Selig Goldschmidt. Cuatro de estas fueron adquiridas en el año 1930 por Salman Schocken, un hombre de negocios alemán judío, editor, y coleccionista de libros, que en 1951 adquirió el manuscrito entero como parte de una restitución en la posguerra para las propiedades perdidas durante la Segunda Guerra Mundial. Durante más de cincuenta años, Nuremberg Mahzor permaneció en el Instituto de Schocken en Jerusalén y no era accesible para la demostración pública. Hoy, el manuscrito contiene 521 de las 528 hojas originales (1042 páginas).

‘Nuremberg Mahzor: Una Obra maestra Medieval Revelada’ fue curada por Anna Nizza, Curadora Asistente del Museo de Israel, presentando también una selección de artefactos de la Judaica Alemana, relacionados con la etnografía judía-alemana.

Lucio Fontana: el espacialista

2009-09-14T05:37:00.001-07:00

Durante la Semana del Arte Frieze, una importante galería de arte –la Galería Imago- abrirá en la Calle Clifford 4 en Mayfair. La Galería Imago busca ser un punto de referencia internacional para el arte Moderno y Contemporáneo Italiano en una ciudad que se ha convertido en el epicentro de los talentos más creativos y artísticos del mundo. Construida en una casa de pueblo Victoriana de 3 pisos, la nueva galería será dirigida por Daniele Pescali, miembro de una notable familia de coleccionistas y marchantes de arte milanés.

Una muestra espectacular a presentarse en la nueva galería, titulada Más Allá del Espacio (18 de octubre al 20 de diciembre), contará con aproximadamente 40 piezas maestras de arte del celebrado pintor y escultor italiano Lucio Fontana, uno de los exponentes líderes del movimiento ‘Spazialismo’. Esta será la primera exposición significante de su trabajo que se llevará a cabo en Londres desde la exposición en la Galería Hayward en 1999. La exposición será única para la calidad escarpada y la cantidad de magníficas pinturas de Fontana , algunas tan raras que nunca antes han sido vistas en público. Se estima que el valor de los trabajos expuestos será superior a los £ 40 millones.

La amplitud de pinturas en exhibición mostrará la evolución del artista y su madurez, representando un resumen ideal de las búsquedas expresivas y conceptuales de Fontana. Entre lo destacado estará ‘Concetto Spaziale’ (Concepto espacial), Sole in Piazza San Marco, 1961, uno de un ciclo limitado que fue inspirado por el humor sugestivo y evocativo de Venecia que Fontana experimentó en su estadía. En Concepto Espacial, Attese, 1967, parte de su fase de ‘teatros’; el artista investigó en profundidad, el concepto del espacio y el diálogo cromático. Mientras una remota pintura del mismo año, Concetto Spaziale, Attese, 1967, es representativa de la serie más aprobada y famosa de Fontana, 'los cortes' y en particular 'los cortes blancos’, ilustran la investigación constante del artista de los gestos, la armonía y el ritmo ‘del espacio’.

Otros trabajos claves incluyen Concetto Spaziale, Attese, 1962, que simboliza un punto cardinal en el trabajo de Fontana, ilustrando la investigación cromática aunque sea principalmente sobre materiales, emociones y evocaciones. Concetto Spaziale, La Fine di Dio, 1964, junto con el ciclo "Venezie" representa el corazón de la exposición; este es de hecho uno de los trabajos más significativos de Fontana y parte de una serie muy limitada de trabajos similares que ilustran uno de los puntos más altos de la investigación de Fontana.

La pintura, Concetto Spaziale, Attese, 1959, fue publicada en la tapa del catálogo para la gran ‘Mostra Personale di Palazzo Forti: Metafore Barocche ‘, y es distinguida por el empleo ya famoso de los ‘cortes’, acoplada con un contraste profundo cromático, que la hace única dentro de aquel género. Mientras Concetto Spaziale, Attese, 1956, es representativa de una serie de obras de arte donde Fontana enfoca y expresa su investigación en el diálogo entre los materiales y la ciencia de los colores de las piedras y el color.

La familia sigue una tradición comenzada hace tres generaciones en Milán ofreciendo arte importante a partir de mediados del siglo XVIII hasta el presente, así como esponsoreando a artistas jóvenes y contemporáneos italianos destinados a futuros espaldarazos.

Alice in Wonderland...

2009-09-10T16:57:00.000-07:00

Alicia en el país de las maravillas (Alice in Wonderland) es una película de fantasía que refleja la obra de Lewis Carroll creada en 1865. Tim Burton es el director, quien obviamente realizara una adaptación de su estilo oscuro, tal vez freak, como muchas veces se lo ha catalogado; y su estreno esta estimado para el 5 de marzo de 2010 en Estados Unidos.

Alicia, quien ahora tiene 19 años, concurre a una fiesta en una mansión de época victoriana, donde se entera de que está a punto de recibir una propuesta de matrimonio frente a una cantidad de personas, bastante engreídas, de la alta sociedad. Alicia escapa corriendo tras un conejo blanco, que en sus manos lleva un reloj, y entra a la madriguera. Ella va tras él y así llega al país de las Maravillas, que fue un lugar que visitó hace 10 años, pero el cual no recordaba.

El país de las Maravillas era un reino sereno hasta que la Reina Roja destronó a su hermana, la Reina Blanca. Las criaturas de este fantástico país, esperan la ayuda de Alicia, a quien a su vez ayudarán a recordar su primera visita a este mágico lugar.

Cuenta con un prestigioso elenco para el reparto de los personajes. Como protagonista, Mia Wasikowska que interpreta a Alicia, junto al hijo postizo de Burton, y actor predilecto para él, Johnny Depp como el Sombrerero Loco, mientras que su esposa, Helena Bonham Carter encarna a la Reina Roja. También cuentan con la excelente actriz, Anne Hathaway, representando a la Reina Blanca.

Se espera con ansias la llegada de este film, ya que es prometedor, y los fanáticos de Burton y la historia de Carroll no pueden esperar a este estreno, con sus toques exoticos, y las interpretaciones de estos titanes de la actuación.

Ese es el link del trailer.. El film se hace desear..

El último lanzamiento de Tim Burton

2009-09-10T16:26:00.000-07:00

La siguiente película animada de nuestro adorado Tim Burton está lista. Nine, "9", es un film basado en un corto del mismo nombre que fue nominado en la entrega de los Oscar.

Tim Burton ha colaborado con Timur Bekmambatov (Nightwatch, Wanted), y ambos producen el film que ha sido dirigido por Shane Acker, quien ha hecho su versión original en el 2005. Elijah Wood es el elegido para dar la voz al protagonista, 9, mientras que Jennifer Connelly le otorga su voz a la guerrera 7; también colaboran en este film Martin Landau, quien representa la voz del inventor 2, Christopher Plummer como el veterano de guerra 1 y John C. Reilly como 5, el mecánico.
Se estipulaba que la película iba a ser estrenada a fines de este año, pero por cuestiones de marketing se ha querido jugar con los números, y así es que el film llegó a las salas de cine de Estados Unidos el día de ayer, 9 del 9 del 2009. ¿Qué curioso, no?
El argumento cuenta las aventuras de un muñeco de trapo que cobra vida en medio de un mundo considerablemente miserable, relata una etapa post-apocalíptica en la que parece no haber rastro de la vida humana. Pronto 9 descubre un grupo de seres idénticos a él pero que no viven a gusto, así que es él quien anima a sus compañeros a luchar por una vida mejor, lejos de esas aterradoras máquinas que intentan eliminarlos.

Retrospectiva de Kandinsky en el 50º Aniversario del Guggenheim

2009-09-08T05:31:00.001-07:00

Kandinsky, una retrospectiva a gran escala de las pinturas de Vasily Kandinsky –el artista visionario, teórico, y pionero de la abstracción- será presentada en el Salomón R. Del Museo Guggenheim desde el 18 de Septiembre de 2009 hasta el 13 de Enero de 2010. Esta revisión exhaustiva que comprende casi 100 de las telas más importantes de Kandinsky del período de 1907 hasta 1942 es organizada principalmente por los tres mayores conservadores del trabajo del artista -el Centro Pompidou en París, el Salomón R. de la Fundación Guggenheim en Nueva York, y el Städtische Galerie im Lenbachhaus ind Kunstbau en Munich- así como de colecciones significativas privadas y públicas.

Complementada por más de 60 trabajos en papel de las colecciones del Guggenheim y las fundaciones de Hilla von Rebay, esta exposición retrospectiva remonta la obra del pintor, enfocándose en los acontecimientos claves que informan su vida y trabajo. Marcado por dos guerras mundiales y las revoluciones rusas, la abstracción de Kandinsky no se desarrolló aisladamente. Kandinsky, la primera exposición retrospectiva que comprende de la carrera del artista en los Estados Unidos desde las tres revisiones montadas por el Museo Guggenheim en la década de 1980, revela el fondo complejo de sus innovaciones estéticas.

Un aporte generoso fue realizado también por la Dotación Nacional para las Artes, una agencia Federal; y la Baibakov Art Projects. La muestra está sostenida por una indemnización del Consejo Federal para las Artes y las Humanidades. El Museo Guggenheim con gratitud reconoce su Comité de Liderazgo para Kandinsky. La exposición estuvo este año en el Städtische Galerie im Lenbachhaus la ind Kunstbau, Munich, y en el Museo de Arte Moderno del Centro Pompidou, París, antes de su presentación en el Salomón R. del Museo Guggenheim.

Los esfuerzos colaborativos sin precedentes del Guggenheim, el Pompidou y la Lenbachhaus permitieron que la muestra incluya ejemplos de las Improvisaciones, las Impresiones y las Composiciones de Kandinsky, y demostrar las contribuciones tanto formales como conceptuales del artista al curso de la abstracción en el siglo XX. Kandinsky presentará trabajos que raramente viajaron, como la reciente obra maestra de la Lenbachhaus ‘Vida Colorida’ (Das bunte Leben, 1907), y la del Museo Guggenheim ‘Imagen Clara’ (Helles Bild, Diciembre de 1913) –un trabajo seminal entre las telas verdaderamente abstractas de Kandinsky que nunca ha sido exhibida en las galerías de los museos desde la década de 1970- ofreciendo nuevos contextos y comparaciones para todos los trabajos.

Bajo el cuidado y la preparación del departamento de conservación del Guggenheim, 3 obras consideradas de lo más delicadas debido al uso de arena en las mismas, viajaron por primera vez en décadas a estos sitios. Préstamos significativos de instituciones como el el Nizhny Novgorod Museo De Arte del Estado y la Galería Estatal Tretyakov en Rusia, así como el Museo Georgiano Nacional, Tbilisi, introducirán trabajos raras veces o nunca antes vistos en los Estados Unidos.

La retrospectiva traza los adornos temáticos de Kandinsky, como el caballo y el jinete, paisajes montañosos, paisajes marinos tumultuosos, imágenes apocalípticas, y otras referencias de materia sagradas, y sigue las realizaciones del artista en pintura de sus teorías estéticas tan bien desarrolladas, permitiendo un nuevo examen de los períodos geográfico-temporales aplicados a su obra.

Kandinsky ha sido curada por Tracey Bashkoff, Curadora de las Colecciones y Exposiciones de la Salomón R. del Museo Guggenheim; Christian Derouet, Curador del Museo Nacional de Arte Moderno del Centro Pompidou, Paris; y Annegret Hoberg, Curadora en el Städtische Galerie im Lenbachhaus, Munich. Karole Vail, Asistente Curadora en la Salomón R. asistió con la organización de la presentación de Nueva York.

Kandinsky y Salomón R. Guggenheim

Kandinsky fue una figura central en la historia y la génesis del Museo Guggenheim, y esta exposición coincide con el 50º aniversario del Museo. El fundador del museo, Salomón R. Guggenheim, comenzó a adquirir obras de Kandinsky en 1929 gracias al consejo de Hilla Rebay, quien se convertiría en el primer director del museo y quien abogó en recoger trabajos de Kandinsky de todos sus medios y de todos los períodos. Guggenheim pagó una visita histórica al estudio del artista en el Bauhaus en Dessau, Alemania, en 1930, y sobre el curso de su vida en última instancia llegó a comprar más de 150 pinturas de Kandinsky. Guggenheim rápidamente se convirtió en el campeón de una particular rama de la abstracción conocida como Arte No Objetivo, el cual no tenía lazos con el mundo empírico y aspiraba a fines espirituales y utópicos. Su entusiasmo lo llevó a la apertura del Museo de Pintura No Objetiva en 1939, precursor directo de la Salomón R. Las galerías permanentes fueron devotas de Kandinsky desde la apertura del museo. En 1945, luego de la muerte del artista en Paris, Rebay organizó una exposición homenaje en el museo y tradujo al inglés algunos de sus escritos más influyentes.

Sobre Kandinsky

Vasily Kandinsky (nacido en 1866, Moscú; muerto en 1944, Paris) fue uno de los pioneros de la abstracción y un gran teórico del modernismo. Nació en Moscú en el seno de una numerosa familia, e inicialmente estudió leyes y economía en la Universidad de Moscú, pero a la edad de 30 años se fue de Rusia para estudiar pintura en Múnich. Con su compañera, la artista Gabriele Münter, viajó a lo largo de Europa, pasando tiempo en Ámsterdam, Palermo, Roma, Viena, y otras ciudades, así como en Cartago y Kairouan en Túnez. En 1906, él y Münter permanecieron en París, volviendo en 1908 a Múnich en donde Kandinsky inició un período de intensa actividad, pintando y organizando asociaciones y exposiciones artísticas.

Kandinsky publicó su primer gran escrito teórico Über das Geistige in der Kunst. Insbesondere in der Malerei (De lo espiritual en el arte: y la Pintura en Particular), en Diciembre de 1911 (datado en 1912). En él, explora las conexiones entre el pensamiento teosófico y la forma y el color en la pintura, considerando el potencial de la música para expresar sentimientos e ideas profundas, e identifica 3 tipos de pinturas designadas por títulos en relación con la música: Impresiones, que están basadas en temas de la vida real; Improvisaciones, que son imágenes espontáneas e inconscientes de la vida profunda del artista; y Composiciones, trabajos formalmente desarrollados que están precedidos por una serie de estudios. Estimulado por el contacto con las vanguardias musicales y artísticas, incluyendo a Arnold Schönberg y Franz Marc, Kandinsky pintó prolíficamente, gradualmente dejando al figurativismo detrás. La llegada de la guerra trajo un abrupto fin a su período temprano de creatividad, ya que fue obligado a dejar Alemania y retornar a Moscú en 1914. Luego de la Revolución Rusa, trabajó con Kazimir Malevich, Liubov Popova, Alexander Rodchenko, Vladimir Tatlin, y otros artistas Suprematistas y Constructivistas, a pesar de que se oponía a la geometría pura de sus trabajos. En 1921, volvió a Alemania con su esposa Nina, con quien se casó en 1917.

En 1922, Kandinsky aceptó una oferta del arquitecto Walter Gropius para dar clases en la Bauhaus, una escuela de arte, arquitectura, y diseño en Weimar, dedicada a establecer la estética moderna. Mientras enseñaba el curso Preliminar y el Taller de Muralismo, Kandinsky se reencontró con Paul Klee, un artista con quien había compartido ideas respecto a la relación entre el arte y lo espiritual. Su pintura también estuvo influenciada por las inclinaciones racionalistas de la Bauhaus y la sistematización de ideas que impuso en su propia enseñanza. Su vocabulario y su paleta formal se simplificaban a medida que exploraba las composiciones basadas en la geometría. Kandinsky completó su segundo tratado estético Punkt und Linie zu Fläche. Beitrag zur Analyse der malerischen Elemente (Punto y Línea sobre el Plano: Una Contribución al Análisis de los Elementos Pictóricos) en 1926. Los Nazis forzaron el cierre de la Bauhaus en 1933 y el auge del Nacional Socialismo llevó a Kandinsky a abandonar Alemania por segunda vez.

En Diciembre de 1933, Kandinsky y su esposa Nina se asentaron en un suburbio de Paris. A pesar de un cierto grado de aislamiento, Kandinsky accedió a mostrar su trabajo y conectarse con una generación más joven de artistas. A su vez cuando las autoridades alemanas confiscaron su trabajo y lo declararon como algo que ‘degenera el arte", Kandinsky expuso de todas formas en París y continuó cautivando a una audiencia americana gracias a sus conexiones con Catherina Dreier, Hilla Rebay, Galka Scheyer, y otros coleccionistas. Su vocabulario formal cambió, transformándose su paleta en más suave y sus formas en biomorficas, gracias a su contacto con artistas como Joan Miró y Jean Arp, el Surrealismo en general, y su interés en las ciencias naturales. Murió en su casa en 1944.

Restauran obra maestra de Canaletto

2009-09-07T05:26:00.001-07:00

‘Vista de Dresde desde el Banco Derecho debajo del Puente Augusto’, de Bernardo Bellotto, Canaletto (1721-1780), tiene necesidad de urgente restauración. La pintura es una de las mas populares de la Colección de Dresde alojada en la Galería de las Imágenes de los Viejos Maestros. La vista de Dresde no tiene igual, ha estado en exhibición por más de 200 años y ahora necesita ser restaurada. Los Amigos del Museo han empezado una campaña para conseguir fondos para dicha restauración. El pintor y escultor Georg Baselitz, el cantante de cámara René Pape y el escritor Uwe Tellkamp son quienes han realizado el esfuerzo.

En esta pintura, el estilo de Canaletto es inconfundible. Durante su vida, el artista celebró sus éxitos en la escena artística europea, pintando vistas realistas de la ciudad y vistas de paisajes de Viena, Munich, Turin y Varsovia.

Las vistas complementarios son tomadas cada una de los bancos del río Elbe para aprovechar al máximo los magníficos sitios de la ciudad y mostrar su elegante arquitectura Barroca y Rococó. Las pinturas de las vistas de Dresde de Bellotto están pintadas con tal exactitud que han sido por las autoridades alemanas para ayudar a la reconstrucción de los monumentos de la ciudad, luego de su destrucción durante la IIª Guerra Mundial. Los trabajos de Bellotto generalmente son confundidos con los celebrados de su tío, Canaletto. Él imitaba el estilo de su tío e incluso firmaba sus pinturas con el mismo apodo.

Bernardo Bellotto (30 de Enero de 1720 – 17 de Octubre de 1780) era un pintor italiano de paisajes urbanos o vedutista, y grabador en aguafuerte famoso por sus vedutes de ciudades europeas (Dresde, Viena, Turín y Varsovia). Él era alumno y sobrino de Canaletto y a veces usaba su mismo nombre, firmando como Bernardo Canaletto - fraudulentamente, según algunos. Sobre todo en Alemania, las pinturas atribuidas a Canaletto pueden ser en realidad más de Bellotto que de su tío; en Polonia, es simplemente conocido como Canaletto.

El estilo de Bellotto estaba caracterizado por elaboradas representaciones de vistas naturales y arquitecturales, y por la específica calidad de la iluminación de cada lugar. Es plausible que Bellotto y otros maestros venecianos de la veduta, hayan usado la cámara oscura para adquirir una mayor precisión de las vistas urbanas.

Bellotto nació en Venecia, hijo de Lorenzo Antonio Bellotto y Fiorenza Canal, hermana del famoso Canaletto, y estudió en el taller de su tío.

En 1742 se mudó a Roma, en donde produjo vedutas de esa ciudad. En 1744 y 1745 viajó al norte de Italia, nuevamente pintando vedutas de cada ciudad. Entre otros, trabajó para Carlos Emanuel III de Saboya.

Desde 1747 hasta 1758 se mudó a Dresde, aceptando la invitación del Rey Augusto IIIº de Polonia. Creó pinturas de las ciudades de Dresde y Pirna y sus alrededores. Hoy estas pinturas preservan la memoria de la belleza de Dresde, la cual fue destruida durante los bombardeos de la IIª Guerra.

Su reputación internacional creció, y en 1758 aceptó una invitación de la Emperatriz María Teresa para ir a Viena, en donde pintó vistas de los monumentos de la ciudad. Luego de eso trabajó en Munich y nuevamente en Dresde.

Cuando el Rey Augusto IIIº de Polonia, también Elector de Sajonia, quien generalmente vivía en Dresde, falleció en 1763, el trabajo de Bellotto devino menos importante en Dresde. Como consecuencia de esto, se fue del lugar para buscar empleo en San Petersburgo en la corte de Catherina IIª de Rusia. Camino a San Petersburgo, de todas formas, Cellotto aceptó una invitación en 1764 de nuevo Rey electo de Polonia, Stanislao Augusto Poniatowski para convertirse en pintor de la corte de Varsovia.

Allí permaneció unos 16 años, durante el resto de su vida, como pintor de la corte del Rey, para quien pintó numerosas vistas de la capital polaca y sus ambientes para el Castillo Real en Varsovia, complementarias a las grandes pinturas históricas comisionadas por Poniatowski de Marcello Bacciarelli.

Sus pinturas de Varsovia, más tarde fueron trasladadas a Moscú y Leningrado, restauradas por el Gobierno Comunista Polaco y luego utilizados para reconstruir la ciudad luego de su casi-completa destrucción a manos de las tropas alemanas y rusas durante la guerra.

Hay pinturas de Bellotto también en el Museo Czartoryski, en Cracovia, Polonia (museo fundado por Izabela Czartoryska /1743-1835/, con pinturas y trabajos de arte de su estado, Pulawy) y en el Palacio Wilanów, en las afueras de Varsovia, fundado por el 1805 por Stanislao Kostka Potocki, en donde se puede ver un retrato de la nombrada Izabela. Bellotto falleció en Varsovia en el año 1780.

¡Esto es la guerra!

2009-09-05T07:20:00.000-07:00

Inma Guerra

Que no cunda el pánico, de momento. Tan sólo es el título elegido por el Museo Nacional de Arte de Catalunya, en el marco del 70 aniversario de la Guerra Civil española, para acercarnos la obra de uno de los grandes maestros del fotoperiodismo moderno: Robert Capa. El grito belicista proviene de un artículo publicado el 3 de diciembre de 1938 en la revista británica Picture Post, con las imágenes de Capa de la Batalla del Segre.

El MNAC expone una retrospectiva de las aportaciones de Capa durante las décadas de 1930 y 1940, completadas con comentarios, manuscritos, libros y revistas de la época, que permanecerá abierta al público hasta el próximo 27 de septiembre.

La primera sala está dedicada a su obra más emblemática, Muerte de un miliciano republicano (1936), originalmente conocida como Death of a Loyalist Soldier. El 5 de septiembre Capa captó con su inseparable Leica III la que pasaría a convertirse en la imagen más representativa de la Guerra Civil. La fama de la instantánea pronto derivó en escepticismo entre quienes ponían en duda su autenticidad y la catalogaba de montaje.

La batalla del río Segre, 1938 y Refugiados en Barcelona, 1939 completan la selección de imágenes de Capa sobre el conflicto español. El resto de secciones, China 1938, Día-D 1944 y Liberación de Leipzig, 1945, retratan su trabajo en la batalla chino japonesa (bajo las directrices de la esposa de Mao Tse-tung) y en la Segunda Guerra Mundial.

En el mismo espacio, el MNAC rinde el primer homenaje a la inseparable compañera de Capa, Gerda Taro, una de las primeras fotoperiodistas de la historia que murió aplastada por un tanque en la batalla de Brunete. La obra de Taro se centra casi exclusivamente en el frente de la Guerra Civil española dominado por los republicanos, con imágenes modernas y cercanas de formato cuadrado, características del movimiento alemán de Nueva Visión de los años 20.

La exposición rescata imágenes inéditas de ambos, así como documentos de relevancia, procedentes de la conocida como “maleta mexicana”, recuperada en México en 2007. Su estudio ha sacado a la luz fotografías desconocidas hasta el momento tomadas por Capa, Taro y el también fotoperiodista David Seymour “Chim”.

Para los interesados…los días 10, 11 (Diada Nacional de Catalunya) y 24 de Septiembre (Día de la Merçe), habrá jornada de puertas abiertas. Además, del 22 al 27 se podrá visitar una interesante muestra bajo el título La Guerra Civil a través de vuestras fotografías.

La pintura debajo de la pintura: Van Gogh

2009-09-04T05:17:00.001-07:00

En los últimos días se publicó una llamativa noticia en la revista ‘Analytical Chemistry’ acerca de una imagen redescubierta de Van Gogh, y ya ha ganado alcance mundial. Debajo de la superficie de una pintura del gran artista holandés hay otra imagen, realizada previamente y luego cubierta, retratando la cara de una mujer. ‘Grasgrond’ es la pintura que ha sido examinada con particular atención por investigadores de la Universidad de Delft, en Holanda, donde se dio el interesante descubrimiento: bajo un prado florido, entre todas las láminas de hierba de un campo descrito con rasgos vehementes, hay una cara oculta de una mujer en colores oscuros, típicos del primer período de pintura de Van Gogh (Zundert, 1853-Auvers-sur-Oise, 1890).

Joris Dik, el experto de la Universidad de Delft que lideró la investigación, explica que su equipo de profesionales llegó al resultado utilizando tecnologías de rayos-X, confirmando su sospecha, la cual ya había sido considerada por análisis previos, de la presencia de los contornos de una cabeza, cubierta por una segunda composición.

El canvas de 17.5x17.x, que pertenece al Museo Kröller-Müller de Otterlo, fue sometido por dos días al ‘synchrotron’, un acelerador especial de partículas que, gracias a su haz poderoso –pero no dañino- de energía, excita los átomos de los metales que cubren los pigmentos de los colores permitiendo inmortalizarlos.

Una vez que se trazó el mapa con la disposición de los metales contenidos en los pigmentos, los físicos usaron una computadora para reconstruir capa por capa los colores dispuestos en la tela. Se vio que los dos sujetos representados en la misma tela eran de diferentes naturalezas también desde el punto de vista químico: el prado ahora visible es principalmente de zinc, bario y azufre, mientras que la cara cubierta está compuesta por antimonio, principalmente encontrado en pigmentos amarillos, y mercurio, base de los pigmentos rojizos. Por esto, dicho procedimiento permitió distinguir las diferentes etapas del proceso de trabajo del artista. El retrato obviamente precede al campo que fue pintado en 1887 en París, la gran capital del arte y la modernidad, a donde había llegado sólo un año antes, en 1886. Fue allí en donde, previniendo de Holanda, él abandonó los colores oscuros y fríos de su tierra natal para descubrir una paleta brillante y animosa, fue allí en donde su trazo se tornó más refinado gracias a la experiencia, y la observación de los trabajos por los grandes artistas encontrados en museos, estando en contacto con el contexto fértil artístico de la gran metrópoli y enfrentando los expresivos caminos impresionistas. En Francia, Vincent inhaló el aire de la primavera, vio en las afueras y en los parques una naturaleza lozana y redescubrió sus tonalidades para reanimarlas con el fervor en sus pinturas de aquel período.

¿Podría ser que aquel Van Gogh estaba tan embriagado y embelesado por aquellos colores fascinantes que dejó a un lado e incluso quiso cubrir un retrato oscuro del período anterior holandés con un prado lozano? ¿O simplemente podría ser que su difícil situación económica no le permitió comprar nuevos y caros materiales, al punto que tuvo que reutilizar las viejas telas para pintar sobre su revés, o incluso cubrirlos con un tema diferente? Esta última hipótesis parece ser la más factible: en ese momento, de hecho, los materiales para los artistas, especialmente para los que pintaban mucho y utilizaban cantidades generosas de color como Van Gogh, eran realmente caros, en particular en una gran ciudad y en los estudios que frecuentaban los artistas sofisticados, a la búsqueda de los colores de primera calidad. Por otro lado, durante el período que Van Gogh estuvo en París, pagó un tributo a ‘Père Tanguy’, ya que el pintor cariñosamente llamó al propietario de una fábrica de pintura, Julienne François Tanguy, para su bondad y benévolo espíritu, que a menudo lo hacía comprar los cuadros de los artistas que de otra manera no podían obtener los materiales para pintar.

De todas maneras, no podemos dejar de lado la primera hipótesis, considerando que el conflictivo pintor tenía una obligación particular con sus pinturas, al punto de que mientras estaba vivo sólo vendió una pintura, pero en este caso decidió cubrir un antiguo retrato –quizás n boceto preparativo de los Comedores de Patatas- por el cual probablemente no se preocupó bastante por evitar cubrirlo con renovado entusiasmo. El tema escondido, ahora revelado, es el retrato de una campesina pintada en Nuenen, Holanda, entre 1883 y 1885: una cara marcada por rasgos fuertes y gruesos, marcada por los nervios y la resignación, utilizando el color de la tierra y trabajando debajo del sol, similar a otros retratos de ese período, dominado por una luz débil y los colores oscuros de la tierra flamenca y las minas.

Es también cierto que, de acuerdo a los expertos, no es el primer caso en el cual Van Gogh cambió de parecer escondiendo una pintura debajo de otra: incluso parece posible que al menos un tercio de sus trabajos esconden otro tema debajo de su ‘piel’. La pregunta acerca de qué fondo tenía este evento es ciertamente fascinante, pero por ahora podemos estar satisfechos que el precioso descubrimiento y por el hecho de haber aprendido otro pequeño secreto que nos acerca al lenguaje íntimo del intenso Van Gogh. Para más detalles sobre la investigación hacer click aquí.

David LaChapelle en Guadalajara

2009-09-03T05:16:00.001-07:00

Guadalajara se ha caracterizado por presentar eventos de talla internacional en diversos rubros como la moda, la tecnología y el arte. Ahora presenta la exhibición DELIRIOS DE RAZÓN | DELIRIUM OF REASON.

Esta exposición a presentarse en el Museo de las Artes de la Universidad de Guadalajara, gracias al apoyo de su Directora Suny Ramírez, curada por Fred Torres en colaboración de Cesar Vázquez - Curador del Museo de las Artes - y producida y organizada nuevamente por 212 Productions, consta de siete secciones con obras de mediano y gran formato, además de proyecciones en video del making off de dos obras, "Deluge" y "Pieta". Más de sesenta piezas integran esta muestra, se trata de una compilación de exhibiciones anteriores como "Auguries of Innocence" en Nueva York, así como una selección de imágenes de su libro más reciente, "Heaven to Hell", donde se incluyen "Destruction", "Awakened" y "Deluge". De igual manera, se suman algunas piezas de la serie "Star System" y obras expuestas en el Palazzo Reale de Milán y de la colección "Jesus is my Homeboy" presentada en Holanda.

Ver álbum completo

La exhibición DELIRIOS DE RAZÓN | DELIRIUM OF REASON de David LaChapelle podrá ser visitada en el Museo de las Artes de la Universidad de Guadalajara, a partir del 04 de septiembre y estará abierta al público hasta el 15 de noviembre del 2009, de martes a viernes de 10:00 a 18:00 hrs. y sábados y domingos de 10:00 a 16:00 hrs.

La entrada tiene un costo de $45.00 pesos y habrá descuento para estudiantes.

El ajedrez en la vida de Leonardo

2009-09-03T05:06:00.001-07:00

El ajedrez es un juego histórico que es practicado hoy en competencias, pero en su momento era una de las distracciones de más disfrute en Europa. Este juego fue muy estudiado y muy pintado. Lucas Van Leyden, Jan Cornelisz Vemeyen, Sofonisba Anguissola, y Ludovia Carracci, son sólo algunos de los nombres de pintores ilustrados que durante el Renacimiento dedicaron su interés en pintar los juegos y a sus jugadores. Pero hoy parece que incluso los genios irrefutables del Renacimiento tomaron parte de esto. Uno de los tratados más interesantes escritos con tal propósito entre el siglo XIV y XV fue el ‘De Ludo Scachorum’ (En el juego del ajedrez) realizado por el monje Luca Bartolomeo Pacioli de Borgo San Sepolcro, un texto que por siglos fue considerado perdido y que apareció recientemente presumiendo revelaciones inesperadas.

Luca Pacioli, un monje Franciscano e ilustrado matemático fue un amigo y asociado de Leonardo Da Vinci. El matemática y Leonardo se conocieron en Milán en 1946; Leonardo ilustró su manuscrito ‘La Divina Proporción’. Ambos viajaron juntos a Mantova en 1499 cuando las tropas francesas invadieron Milan. Aquí, Leonardo fue comisionado para realizar una pintura para Isabella del Este, una gran amante del ajedrez. ‘De Ludo Scachorum’ fue escrito exactamente en ese período y fue dedicado a su marques y consorte Francesco Gonzaga.

Por largo tiempo se suponía que el texto estaba perdido o que había sido destruido hasta que en el año 2006 fue encontrado en la Biblioteca de Conte Guglielmo Coronini Cronberg, el último descendiente de la familia noble Gorizia. Cuando murió en 1990, la Fondazione Palazzo Coronini Cronberg onlus fue creada para administrar su patrimonio y su biblioteca. Cuando los directos se dieron cuenta de que tenían este importante manuscrito en sus manos, se inició un estudio profundo del mismo. Por lo tanto pensaron en buscar a Adolivio Capece, el presidente de la Asociación Italiana de Jugadores de Ajedrez, quien se hizo famoso con el nombre de Franco Rocco. Franco Rocco es muy famoso en el mundo del ajedrez desde el año 1977, cuando realizó algunas jugadas innovadoras tituladas ‘Scaccomatto’. Estas son unas series atribuidas al conocimiento de Treccani quien las publicó para ilustrar la versión moderna del juego bajo el nombre de ‘Scacchi’. Sus competencias no terminan ahí de todas formas. Rocco había en realidad notado ya a Luca Pacioni en un par de estudios previos. Se puso en contacto con la fundación y allí fue cuando comenzó la aventura.

De acuerdo a las deducciones de Rocco, Leonardo había creado sus ilustraciones basándose en los contenidos del libro, probablemente utilizando un modelo de cera o de arcilla. Las ilustraciones fueron enviadas de vuelta a Leonardo ya que estaban basadas en la ley de la proporción de oro, como muchas de las otras figuras diseñadas por el maestro, y similaridades entre algunos detalles de las ilustraciones y otros de sus diseños pueden ser vistos aquí. En el período en el cual el tratado fue realizado, el Renacimiento también nos hacía sentir su influencia en el ajedrez: las reglas del juego estaban siendo desarrolladas y parecía ser que Leonardo podría haber tomado partido en esto también. Las piezas representadas en el ‘De Ludo Scachorum’ son completamente nuevas con respecto a las utilizadas hasta ese momento y Franco Rocco declaró que no pueden ser atribuidas a nadie más.

Las reacciones a estas declaraciones fueron diversas: desde el entusiasmo de los fans hasta el escepticismo de los expertos. A pesar de la relación indiscutible que existió entre Leonardo y Pacelli, algunos eruditos mayores sostienen que los diseños no pueden ser atribuidos al antiguo. Para Rocco los críticos sacudidos parecieron ser incoherentes y fuertes en sus años de estudio decididamente declarando sus conclusiones incluso sin ninguna prueba irrefutable. Es necesario considerar que hay pequeñas "pruebas" pero las deducciones realmente parecen tener alguna base. Es definitivamente difícil luego pensar que el gran genio Leonardo quien pintaba mostrando aquellos resultados magníficos también había participado de esto. Los artistas más vanos de nuestra era, desde Man Ray a Duchamp y Dalì, desde Baj a Cattelan, no han vacilado al proponer su versión del juego más famoso en el mundo.

Mi vida con Orson Welles

2009-09-02T06:21:00.001-07:00

La última película de Richard Linklater es un hermoso tributo al gran director de Citizen Kane, Orson Welles. Geoffrey Macnab realizó un informe sobre su influencia duradera, y cinco cinéfilos comparten sus memorias de Welles.

Ya ha pasado casi un cuarto de siglo desde que Orson Welles falleció en 1985, pero el pequeño asunto de morir no ha realmente finalizado su carrera.

Desde ese entonces, las manifestaciones de Welles han sido tan abundantes como hasta ese entonces. Emergieron frescas controversias acerca de su trabajo; nuevas versiones de algunas de sus películas fueron lanzadas; ha sido el protagonista de varias biografías; y la búsqueda para completar su película El Otro Lado del Viento ha proseguido.

La fascinación de Welles como mago, narrador, vergonzoso y saltimbanqui nunca disminuyó. Algunos actores formidables han personificado al gran hombre en la pantalla grande en los años recientes. En 2006, Danny Huston –hijo del amigo de Welles, John Huston- jugó el rol en la película Fade To Black (2006) de Oliver Parker. El actor escocés Angus Macfadyen fue reclutado por Tim Robbins para hacer de Welles en Cradle Will Rock (1999). Liev Schreiber lo retrató en la película para televisión de Benjamin Ross, RKO 281 (1999) acerca de la batalla entre Welles y el magnate del periodismo William Randolph Hearst (James Cromwell) en el despertar de Ciudadano Kane (1941).

Ahora Welles está en la pantalla nuevamente. En el nuevo film de Richard Linklater es brillantemente personificado por el joven actor británico Christian McKay. Orson Welles y Yo es acerca de un adolescente entusiasta del teatro llamado Richard Samuels (Zac Effron) quien consigue un papel para la celebrada producción de Welles ‘Julius Caesar’ en el Teatro Mercury en el año 1937. A pesar de que Welles es apenas unos años mayor que su joven admirador, él ya percibe una personalidad exótica y extraña. La performance de McKay captura la pomposidad de Welles, su absurda vanidad, su rudeza, su calidad de mercurio y su brillantez.

Norman Lloyd, actor-productor

Lloyd hizo de Cinna el poeta en la legendaria producción de Orson Welles de ‘Julius Caesar’ en el Teatro Mercury, producción que forma el telón de la nueva película, ‘Me & Orson Welles’.

‘El período de ensayo para Julius César fue una completa locura. Orson estaba tan absorto con las luces etcétera, etcétera, que en la primera vista anticipada, dije que yo no continuaba porque había ensayado nada. Por lo que no estuve en la primera exposición. Era tan desastroso que ni siquiera podíamos realizar una llamada a escena. El show fue pospuesto por 5 días mientras Orson lograba enfocarse en el trabajo. Generalmente sus ensayos eran bastante informales, llevaderos y llenos de risas. Luego, cuando venía el ensayo del vestuario, Orson se ponía intratable. Luego se quedaba meditando acerca de las luces, los escenarios y los aspectos físicos de la producción mientras los actores se quedaban sentados hasta las 2 o 3 de la mañana.

Tenía casi la misma edad que Orson. 22 años. ¿Si él me exasperaba? Si, porque sufríamos depravaciones terribles durante estos ensayos cuando él realizaba la iluminación y nos quedábamos sentados allí sin comida. (Orson se hacía llevar comida en secreto. Nos enteramos de eso más tarde).

En los ensayos de la escena cuando Brutus (personificado por Welles) apuñala a Caesar (Joe Holland), todos los actores tenían dagas reales. Orson deslizaba la daga entre el sobretodo de Joe y su cuerpo. En un ensayo de vestuario, Orson tiró la daga y esta se clavó en el piso y tembló. ¡Dios mío! ¡Qué efecto! Orson, habiendo visto eso, decretó que todos los demás actores usarían dagas de goma de ahí en más. Sólo él usaría la verdadera daga. Una noche, él atravesó el sobretodo de Joe con la daga y le cortó una arteria. Joe se quedó sentado sangrando durante el resto de la escena. Él sangraba y sangraba. Lo llevaron al hospital donde permaneció por unos meses.

La forma en que Welles concebía a la obra, con los disfraces de los fascistas italianos y Marc Blitzstein tomando el himno fascista y versionándolo para la obra, era como si se hubiese escrito un melodrama político la noche anterior. No había nada tan inmediato como esta obra. Era como si Shakespeare hubiera entregado el guión la noche anterior’.

William Friedkin, director

‘Vi Ciudadano Kane cuando comencé a trabajar como jefe de grupo en un canal de televisión de Chicago. Antes de eso, miraba films sólo por entretenimiento. Iba a verlas los sábados a la tarde como los demás chicos de mi edad. Un día, alguien me sugirió ir a ver Ciudadano Kane. Había escuchado que esta era una excelente película, por lo que un sábado por la tarde no encontré nada que hacer y fui a la función de las 12. Me fui del cine a la medianoche. La vi como 7 u 8 veces seguidas. Estaba completamente asombrado. De repente me había dado cuenta que el cine puede hacer toda una obra de arte y que una inteligencia puede presentar una película como otra inteligencia presenta una novela o una pintura’.

Harry Kümel, director

Kümel dirigió a Welles en 'Malpertuis' (1971)

‘Todos los actores tenían temor de tener a Orson Welles en el set. Cuando llegó al hotel, supe inmediatamente para qué estaba allí. Él desempaquetó su maquillaje teatral se lo puso en su nariz. El hombre quería disfrazarse. Todos los actores –Michel Bouquet en particular- estaban encantados de trabajar con el gran genio Welles, pero luego de media hora con él, Michel lo odiaba. No podía mencionar siquiera su nombre. Welles se había reído en una de sus escenas con Michel. Luego de la 17ª toma, cuando comenzó a reírse, Michel bulló. Sabía que esta escena estaba siendo destruida.

Welles había desecho el guión en pedazos y detrás había escrito sus líneas porque no podía recordarlas. Cada vez que se levantaba de la cama, todos estos trocitos de papel flotaban a su alrededor como mariposas.

Era realmente Dr. Jekyll y Mr. Hyde. Fuera del set, Orson era un ángel –el más cálido narrador, un hombre hermoso y placentero. A pesar de toda su embriaguez y su aspecto mercenario, él todavía tenía una mente muy penetrante en donde entraba el film’.

Joseph McBride, actor

McBride actuó en 'The Other Side of the Wind' y ha escrito muchos libros, entre los cuales está ‘¿Qué le ha pasado a Orson Welles?: Retrato de una Carrera Independiente’.

‘Conocí a Welles en 1970. Tenía 23 años y estaba viviendo en Wisconsin. Estaba escribiendo un libro acerca de él. Cuando fui a Hollywood en 1970, Welles estaba en su auge en Norteamérica. Lo llamé desde el drugstore de Schwab. Welles inmediatamente dijo, ‘estamos a punto de empezar a rodar una película. ¿Te gustaría participar en ella?’ Estaba impresionado. Nunca antes había estado en una película. Toda la idea de actuar en un film de Orson Welles era increíble.

En ‘El Otro Lado del Viento’ hacía de un crítico de cine joven e intelectual que llevaba consigo un gran grabador tratando de entrevistar al personaje de John Huston. La naturaleza del film era que Welles quería que los actores escribieran sus propios diálogos. Esto era toda una experiencia nueva para mí.

Un año más tarde, cuando ambos estábamos rodando en 1971, empezó a molestarme. Me gritaba órdenes bastante bruscamente. Así fue como siguió siendo los años siguientes. Yo no estaba emocionado, pero era completamente cooperativo. ¿Quién era yo para desafiar a Welles? Él me pagaba dos cajas de cigarrillos.

Welles solía proteger las películas en la casa de Peter Bogdanovich. Un miembro del equipo me contó que él había dicho: ‘Joe se ve bien en la pantalla, pero él siempre se ve bien sobre la pantalla’. Esto era completamente diferente, porque Orson nunca me había dicho aquella clase de elogio. Después de escuchar esto, me relajé repentinamente. Toda esa tensión que había sentido por disgustarlo a él porque yo era un aficionado y por él ser un matón se había evaporado. ¡Durante los próximos tres años, la pasé maravillosamente bien!

Ya escribí 3 libros acerca de Welles. Me pasé la vida escribiendo sobre él. Espero no hacer otro libro acerca de él pero estoy seguro que será así. Él es uno de los pocos cineastas que puedes estudiar toda tu vida y aún así seguir descubriendo nuevas facetas de su carrera y su vida’.

Leslie Megahey, director-productor

Megahey entrevistó a Welles para 'Arena: La Historia de Orson Welles’(1982)

"Fui determinado a enterarme de toda su vida a través de él. Todo el arreglo fue bastante informal. Al comienzo del programa, le hice 3 preguntas. Una era acerca de algo que él le había dicho a Huw Weldon sobre su actuación en cada film como si estuviera caminando al borde de un precipicio. Las primeras tres preguntas parecieron convencerme de que él estaba bien. Llegamos allí a las 8 de la mañana y filmamos hasta las 8 de la noche. Luego, él se fue a su casa a ver la ceremonia de los Oscar en la televisión. Había hablado todo el día sin parar. Lo llamamos al otro día para agradecerlo y nos dijo: ‘Bastardos, ¡perdí mi voz!’.

El día que hicimos el documental fue el más inolvidable de todo nuestro trabajo. El fin era mostrarle a la gente cómo era sentir su presencia. Cuando uno está sentado un día entero en frente de Orson Welles, es la más extraordinaria experiencia. Cuando habló acerca de Falstaff, era casi como si se hubiese convertido en Falstaff. Cuando hablaba acerca de Kane, era casi como si rejuveneciera y se convirtiera en Kane nuevamente’.

'Me and Orson Welles' se estrenará a fin de año. 'Malpertuis' está disponible en DVD en una edición especial realizada por el Archivo Fílmico de la Royal Belgian.

El Greco en México

2009-09-02T04:38:00.001-07:00

El Presidente Felipe Calderón inaugurará la exhibición El Greco. Toledo 1900, la cual ha sido organizada por el Ministerio de Cultura Español, en el Museo de Bellas Artes de la Ciudad de México.

La muestra, curada por Ana Carmen Lavín, pretende llevar a cabo un estudio de El Greco dentro de su contexto histórico, así como la lectura del tiempo y espacio en el cual fue redescubierto en los comienzos del siglo XX. Luego del fallecimiento de Doménikos Theotokópoulos en 1614, su trabajo fue malentendido y relegado al olvido. Pero, después de un estudio realizado por el profesor Bartolomé Cossio, la figura del artista, nacido en Grecia pero quien vivió y es asociado con Toledo, fue finalmente aceptada en los tiempos modernos.

La exposición incluye 43 obras de arte, 25 de las cuales son originales de El Greco, 8 son de sus cuadernos o copias de sus pinturas y 7 son de otros autores, como Sorolla, Sánchez Coello, Juan Bautista Martínez del Mazo (Velázquez) y Luis Tristán.

Luego de una parada en Sevilla, Valencia, Zaragoza y Toledo; con 4 nuevas pinturas incorporadas a la muestra: ‘Retrato de la Reina Mariana de Austria’, de Juan Bautista Martínez del Mazo; ‘Busto del Arquero Milton Huntington’ por Anna Hyatt; ‘Retrato de un Joven General’ de Bartolomeo Passerotti y ‘Crucificado’ de Luis Tristán, que mide 3 metros de alto.

Conjuntamente con las telas, la exposición incluye una colección de fotografías dedicadas al pintor realizadas por el fotógrafo Mariano Moreno las cuales pertenecen al Archivo Fotográfico del Instituto del Patrimonio Histórico del Ministerio de Cultura. Estas nunca han sido vistas con anterioridad por el público y datan de principios del siglo XX. Algunas de estas fotos son documentos reales de ese momento ya que muestras el estado de conservación en el cual las pinturas de El Greco llegaron a comienzos de siglo.

La nueva generación de artistas pop

2009-09-01T08:46:00.001-07:00

Las performances en vivo no son sólo de músicos de rock. Una nueva tendencia está emergiendo: los pintores pintan en frente de audiencias, develando sus técnicas creativas.

Gigs musicales, shows en teatros y performances se dan todos, por su propia naturaleza, en vivo. Son eventos especiales realizados para una audiencia que ha pagado una entrada para ir y observar, y quien espera algo mágico sobre el escenario.

Alex Hearn

El arte siempre fue diferente. Cuando pensamos acerca del arte, tendemos a pensar en un artista encerrado en un estudio tomándose semanas o meses para perfeccionar una pintura, antes de que sea expuesta en la pared de una galería. Ahora en cambio, parecería ser que hay una tendencia creciente por parte de los artistas en presentarse en vivo, creando obras de arte en frente de un público, y frecuentemente en cantidades de tiempo limitadas.

Tomarse una cerveza Beck, que ha recién lanzada una edición limitada de etiquetas Artísticamente Inspiradas en la Música. En el pasado, artistas como Damien Hirst, Tracey Emin, los Hermanos Chapman y Jeff Koons tuvieron todos el turno de decorar la famosa botella; ahora, por primera vez, las figuras del mundo de la música, Ladyhawke y Hard-Fi, tienen su oportunidad. En el lanzamiento, un gig íntimo con Ladyhawke al este de Londres, artistas como Alex Hearn, Hayden Kays, Dan White y Josef Valentino –así como la artista Sarah Larnach, quien trabaja con Ladyhawke en todo el arte de portada de sus álbumes y quien pone sus ideas para la etiqueta de la cerveza Beck- fueron dados 3 horas para crear una pieza de arte en frente de la multitud (todo el arte de esa noche se expondrá en una tienda en desuso transformada en galería cerca de la Calle Carnaby de Londres, el próximo mes).

Antes y después de la presentación de Ladyhawke, los artistas pintaron alejados, en áreas delimitadas para actuaciones callejeras, mientras la gente los rodeaba tomando fotos y dándoles charla. Larnach, quien nunca antes había hecho arte en vivo antes del lanzamiento, cree que es una manera para los artistas de ser honestos con el público. ‘Los artistas visuales han sido mimados con el hecho de no ser esperados de presentarse en vivo antes. Significa como artista que no puedes ser todo humo y espejos; debes revelar tus secretos y técnica’, dice ella. ‘Creo que quizás es algo que la audiencia merece ver y les da la oportunidad de entender cómo una obra de arte es creada y quién es el que la está creando’.

Ladyhawke

Mientras hay definitivamente algo fascinante en ver a los artistas trabajando y un dibujo materializado ante nuestros ojos, ¿es este el último escalón de la necesidad de inmediatez de la generación de Twitter o una nueva y excitante forma de arte como performance en vivo? Al atestiguar cada línea mientras es completada en la página, y no sólo simplemente ser conmovido por el resultado final, se trata tanto acerca del acto vivo de pintura o dibujo asó como del arte en sí mismo. El artista se convierte en el performer y el público esperanzadamente encontrará al arte mucho más accesible y espontáneo que en los confinamientos más formales de una típica galería de arte.

Para un artista con base londinense, Kilford, conocido como ‘el pintor músico’, su práctica entera se basa en pintar música, en vivo en grandes conciertos. Kasabian, Paul Weller, Damon Albarn, los Black Eyes Peas y Baaba Maal han tenido todos canciones traducidas al arte por él –y él regularmente también hace ‘bocetos guerrilleros’ entre las multitudes de los festivales. ‘Me veo a mi mismo como un performer así cómo a un artista y siento una especie de comezón cuando pinto en frente de una audiencia’, él explica. ‘No soy la primera persona en pintar imágenes en frente de un público, pero ahora vivir al arte como una forma prominente se está destacando por sobre todas las cosas. Ayuda a acercar a la gente al arte porque logran experimentar el proceso creativo y ser parte de la ecuación’.

Pintura de Kilford, creada en vivo en el gig de Kasabian

Pinturas como las de Kilford, completadas durante la duración de una canción o un set musical, usan diferentes habilidades para esas necesitadas para producir naturalezas muertas detalladas o complejos retratos. Así como la necesidad de trabajar rápidamente, los artistas que pintan o dibujan en vivo necesitan alimentar la atmósfera del público y utilizarla para mejorar su trabajo. Esta manera de trabajar va con algunos –como los artistas de graffiti quienes han trabajado siempre rápido sobre las paredes para no ser atrapados- más que a otros, como Terry Guy, fundador de la agencia de diseño creativo Monorex y las batallas de arte Secret Wars (Guerras Secretas), lo sabe muy bien. Por 3 años, él ha venido organizado las Secret Wars en todo el mundo, en donde le es dada media pared blanca a dos artistas, marcadores negros y 90 minutos para producir el mejor dibujo posible. Así como a los dos jueces, el ganador del torneo –quien generalmente se va con £1,000 de premio- es elegido por una audiencia lectora.

‘No son batallas de graffiti porque los artistas no utilizan pintura en aerosol; yo las llamo batallas de ilustración’, dice Guy. ‘Los artistas pueden ser desde artistas de bellas artes de la Central Saint Martins hasta artistas callejeros y de graffiti; es una plataforma para cualquier artista que quiera asistir y llevar a cabo un freestyle. Hay suficiente talento ahí afuera y necesitan un lugar donde exhibirlo’.

Además de ayudar a incrementar el perfil y la confidencia de artistas poco conocidos, las batallas son muy cargadas y el público está implicada en lo que pasa en vivo. ‘El fin original era relacionarse con el público y ahí radica la belleza de todo esto. Cuando empezamos no me di cuenta de que sería tan popular. Las multitudes les gritaban a los artistas igual que en un partido de futbol’.

El arte en vivo es sólo eso, vivo. Está lleno de energía y excitación y motiva a la gente a comprometerse visualmente. Los dibujos terminados pueden no poder ser comparados con las grandes obras de arte pero no es lo que realmente tratan de hacer; es una forma muy diferente de arte. En vez,el proceso creativo es parte del arte mismo,como performances, son divertidos para ser vistos.

Etiquetas Artísticamente Inspiradas en la Música de Beck (www.becks.co.uk)

Kilford: el pintor de música (www.themusicpainter.com)

Secret Wars: batallas de arte en vivo (www.secretwars.co.uk)

Emiliano Zapata por Diego Rivera: viva la revolución

2009-09-01T05:45:00.001-07:00

La asociación de caridad independiente, El Fondo de Arte, anunció que ha entregado al Museo Británico una edición inédita de la litografía icónica, ‘Emiliano Zapata y su Caballo’ del artista mexicano Diego Rivera, conjuntamente con 16 posters realizados por otro artista revolucionario mexicano entre los años 1936 y 1953. Comprendiendo los 16 posters creados en México durante la primera mitad del siglo XX, el regalo de la Fundación Aldama presentado a través de El Fondo de Arte incluye trabajos de muchos grabadores mexicanos, incluyendo a Isidoro Ocampo, Alfredo Zalce y Leopoldo Méndez. La exposición Revolución en Papel del Museo Británico será la primer muestra en Europa que se enfoque en el gran período de los grabadores mexicanos de la primer parte del siglo XX. La exposición abrirá el 222 de octubre hasta el 5 de abril de 2010, con entrada libre.

La impresión de Diego Rivera y una gran selección de los posters están incluidos en la venidera exposición, Revolución en Papel: Grabados Mexicanos de 1910 – 1960 en el Museo Británico de Londres. El Fondo de Arte otorgó una subvención del 100 % consistente de £ 25,061 para adquirir a Emiliano Zapata y su Caballo de Rivera. Los 16 posters fueron presentados a través de El Fondo de Arte al Museo Británico por la Fundación Aldama, una fundación caritativa creada por dos filántropos que habían pasado un tiempo en México. Hasta ahora, el arte moderno mexicano ha sido insuficientemente reconocido en las colecciones británicas, y la adquisición de estos grabados marca un paso significante para llenar este vacío.

Emiliano Zapata y su Caballo es el grabado más famoso del artista mexicano del siglo XX. La litografía icónica presenta al líder guerrillero mexicano Emiliano Zapata (1879-1919), flaqueado por un caballo y campesinos guerreros. Rivera creó a Zapata en 1932 como parte de una comisión de la Galería Weyhe en Nueva York. Impreso en 100 copias, esta impresión en particular le fue comprada a la nieta del publicador. Nunca fue revendida o enmarcada y está muy cercana a sus condiciones originales.

Los dos coleccionistas que crearon la Fundación Aldama adquirieron una amplia gama de impresos y libros ilustrados durante su estadía en México. Esta colección de 16 posters fue presentada a través de El Fondo de Arte al Museo Británico como una manera para para asegurar su unidad. Los posters tienen un atractivo visual instantáneo y representan un área relativamente poco publicada del grabado mexicano: publicaciones recientes tendieron a enfocarse en impresiones de una única hoja en lugar de posters.

Andrew Macdonald, Director Artístico de El Fondo de Arte, dijo: ‘Estos llamativos posters le dieron luz a un período turbulento y oscuro en la historia de México. Gracias a la generosidad de la Fundación Aldama, El Fondo de Arte tuvo la oportunidad de asegurarse de que estas sobresalientes impresiones permanecerán juntas en una colección pública para la posteridad, y estamos también encantados de haber podido asegurarnos de que el icónico Zapata de Diego Rivera permaneciera con el resto’.

Antony Griffiths, Conservador de Impresiones del Museo Británico, dijo: ‘El Museo Británico está encantado de poder añadir a su colección la impresión más famosa jamás hecha en México, la cual puede ser ahora puesta entre las obras maestras de otras escuelas en la colección nacional británica’. Es la primera vez que estas ediciones particulares de posters y litografías son expuestas para el público.

Poster de Ángel Bracho

El grabado mexicano prosperó durante la primera mitad del siglo XX, continuando la primer revolución socialista del país que tomó lugar entre 1910 y 1920. La fuerte ala izquierdista del gobierno que emergió tensionó mucho al arte en su camino de promoción de los valores revolucionarios. Esto llevó a un programa investigativo que cubrió las paredes de los edificios públicos con gigantescos murales, y más tarde abriendo talleres de grabado para producir trabajos de distribución masiva y educativos.

A lo largo de su carrera, Diego Rivera creó solamente 14 impresiones, la mayoría de las cuales son litografías publicadas por la Galería Weyhe en Nueva York y un único corte de linóleo que creó en la Ciudad de México en 1938.

Encuentran edificio romano en Israel

2009-09-01T05:00:00.001-07:00

Un edificio espacioso del período romano (3º siglo d.C.) –aparentemente una mansión que pertenecía a un hombre pudiente- fue recientemente expuesta en las excavaciones que las Autoridades de Antigüedades de Israel (IAA) están llevando a cabo en el ‘Givati Car Park’ en la Ciudad de David, las Paredes alrededor del Parque Nacional de Jerusalén. Las excavaciones están siendo conducidas en el sitio por parte de las IAA en colaboración con las Autoridades de Parques y Naturaleza, y en asociación con la Fundación Ir David. El edificio, que fue construido durante el tercer siglo d.C., fue sacudido por un temblor en el siglo IV, resultados que aparentemente son los que se encuentran hoy en las excavaciones: las paredes de las habitaciones enterradas y las paredes de piedra derrumbadas, fueron amontonadas, cubriendo las paredes de la planta baja, algunas de las cuales todavía mantienen una altura considerable.

Vista general del edificio romano en ruinas.

De acuerdo al Dr. Doron Ben-Ami, el director de la excavación por parte de las IAA, en conjunto con Yana Tchekhanovets, ‘a pesar de que no tenemos las dimensiones completas de la estructura, podemos cautamente estimar que el área cubierta por la construcción es de aproximadamente 1000 mts2. En el centro de la misma había un gran patio rodeado por columnas. Las galerías se extendían entre las columnas y los cuartos estaban flanqueados por el patio. Las alas del edificio llegan a los 24 pies de altura aproximadamente y estaban cubiertas por azoteas de azulejos’.

Una gran cantidad de fragmentos de frescos se descubrieron en las colapsadas ruinas de los cuales los excavadores dedujeron que alguna de las paredes de las habitaciones eran tratadas con yeso y decoradas con coloridas pinturas. Los diseños pintados que adornan las paredes de yeso consistían principalmente de motivos geométricos y florales. Su riqueza y organización arquitectónica, particularmente los artefactos que fueron descubiertos entre las ruinas, atestiguan al carácter inequívocamente romano del edificio. Lo más sobresaliente de estos descubrimientos es una estatuilla de mármol que representa un boxeador y un pendiente de oro embutido con piedras preciosas.

Los elementos arquitecturales como columnas y capiteles, así como los mosaicos y las grandes cantidades de fragmentos de frescos que eran utilizados en la segunda planta fueron descubiertos en estas ruinas. Las monedas fueron encontradas entre los restos y los pisos indicaban que las ruinas datan circa 360 d.C. Pareciera ser que tenemos aquí evidencias arqueológicas de los resultados de un terremoto que sucedió en la región en el 363 d.C.

Estatuilla encontrada en las excavaciones.

El Dr. Ben-Ami agrega, ‘no conocemos otros edificios del período romano que hayan sido descubiertos en Israel y que tengan una organización similar al edificio de la Ciudad de David. El edificio contemporáneo más cercano a este tipo de estructura está situado en lugares del siglo II y IV que fueron excavados en Syria. Edificios como estos son ‘mansiones urbanas’ del período romano descubiertos en Antioquía, Apamea y Palmyra. Si este paralelo es correcto, entonces a pesar de su tamaño y opulencia, pareciera ser que esta construcción fue utilizada originalmente como una residencia privada.’

La exposición del edificio romano en la Ciudad de David es una contribución significante a nuestro entendimiento de las construcciones en la ciudad de Roma en los siglos III-IV d.C. Constituye una evidencia arqueológica extremadamente importante en relación con el crecimiento de los asentamientos sobre el final del período romano en los alrededores sureños de la ciudad, y muestra que la suposición predominante entre eruditos según los cuales la colina de la Ciudad de David permaneció fuera del área de establecimiento romano en los momentos de Aelia Capitolina, ya no era válida.

La Mona Lisa parlante

2009-08-31T08:04:00.001-07:00

Por siglos, la Mona Lisa de Leonardo Da Vinci y su enigmática sonrisa ha inspirado tanto especulación como admiración. Ahora, ella está lista para responder estas preguntas: en Mandarín.

Una versión digital, interactiva de la renombrada pintura del siglo XVI, es una de las 61 réplicas de tecnología de avanzada que toma toman vida en clásicas y antiguas obras de arte en la ‘Exposición Clásica Interactiva de Artes’, la cual comenzó esta semana en Beijing.

La Mona Lisa parlante

Estas recreaciones de obras de viejos maestros y renombrados artistas modernos fueron trabajadas por una galería de Corea del Sur. El organizador de la exposición, Wang Hui, dijo que llevó dos años de preparación y una fuerte inversión llevar los trabajos a China.

‘Lo que es especial de esta exposición es que es la primera vez que la tecnología 3d, la tecnología holográfica y la tecnología de reconocimiento de vez se fusionan es un única exhibición’, dijo Wang a la Reuters. Como es el caso de la Mona Lisa original en el Louvre de Paris, la Mona Lisa digital es la atracción estrella de la muestra. Ella habla y saluda a los espectadores, quienes le preguntan su edad y acerca de su vida.

‘Hola, soy la Mona Lisa. Es un gusto conocerte’, dice ella en mandarín.

‘La Última Cena’ es otra pintura de Da Vinci digitalmente traída a la vida, en la cual Jesús habla a los apóstoles y se mueve a lo largo de la tela.

La exposición también incluye replicas multimediales en tamaño real de estatuas de los antiguos griegos y romanos de dioses y diosas, quienes se jactan de sus virtudes y belleza posando.

‘Estudié bellas artes en la universidad. En los estudios todas las obras son estáticas, pero aquí están vivas y se mueven. Es sorprendente y vivaz’, dice un espectador, Zhao Yuanzhi.

Así como la muestra trata de revelar el arte desde una luz diferente, también intenta responder una de las preguntas constantes del mundo: ¿qué hay detrás de la sonrisa de la Mona Lisa?

Cuando se pregunta, el retrato digital está programado para hablar acerca de cómo ella quedó embarazada luego del fallecimiento de un niño y acerca del dolor y la felicidad en su vida. Ella también reconoce que muchas personas encuentran su risa misteriosa.

La Casa de los 5 murales de Rivera

2009-08-31T07:30:00.001-07:00

Las autoridades mexicanas están analizando la compra de una casa con vistas al mar de Acapulco, la cual pertenece a los herederos de la coleccionista Dolores Olmedo. La casa tiene paredes en las cuales Diego Rivera pintó 5 murales. ‘Es una casa situada en un sitio extraordinario de Acapulco, con maravillosos murales, realizados por Diego Rivera, los cuales fueron restaurados por expertos del Centro de Restauración del Museo de Bellas Artes’, dice Fernando Serrano Migallón de CONACULTA a la agencia de noticias EFE.

Serrano Migallón considera que la casa tiene un ‘notable valor artístico’, debido a los murales y la actividad artística que se desarrolló en ella antes de la muerte de Diego Rivera. Serrano piensa que viable comprar la casa y convertirla en un centro cultural, con actividades didácticas, entretenimiento y conciertos.

‘Para empezar a hablar seriamente con los dueños de la casa, 3 factores tienen que ser considerados: la ciudad de Acapulco, el Estado de Guerrero y la CONACULTA’, explica.

La propiedad, construida en la década de 1940, conocida como Exekatlkalli o La Casa de los Vientos, tiene 3.000 mts2 y 544 de estos metros están construidos.

Diego Rivera fue un mundialmente conocido pintor muralista mexicano, activista comunista, y marido de Frida Kahlo, 1929-1939 y 1940-1954 (muerte de Frida). El trabajo mural más grande de Rivera en fresco lo ayudó a establecer el Renacimiento Muralista Mexicano. Entre 1922 y 1953, Rivera pintó murales en la Ciudad de México, Chapingo, Cuernavaca, San Francisco, Detroit, y Nueva York. Su exposición retrospectiva se realizó en 1931 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Ted Kennedy por Andy Warhol

2009-08-31T07:12:00.001-07:00

La Galería Nacional del Retrato de Smithsonian expuso un retrato del Senador Edward Kennedy realizado por Andy Warhol. Se expuso cuando el museo abrió al público a las 11:30 de la mañana en el primer piso de la galería, que está designado para el homenaje a los individuos recientemente fallecidos representados en la colección de la galería. El retrato hecho por Warhol en serigrafía mecánica de Kennedy fue hecho en 1980 para generar fondos para la campaña presidencial democrática de Kennedy. Una característica especial de la impresión es el uso que Warhol hace del color en la bandera norteamericana y el polvo de diamante. La Galería del Retrato adquirió el retrato en el 2000.

Elegido Senador de los Estados Unidos en 1962, Edward Kennedy alcanzó su temprano éxito gracias a su cercana identificación con sus hermanos menores, el Presidente John F. Kennedy, quien completó su período en el Senado, y el Ministro de Justicia Robert F. Kennedy. Elogiando su compromiso con el servicio público, él reconoció, ‘estoy muy orgulloso de aquella asociación’.

El Kennedy construyó esta herencia cuando alcanzó la presidencia en 1980. La serigrafía mecánica de Andy Warhol, creada como recaudadora de fondos para la campaña, simula los colores de la bandera norteamericana y sugiere el glamour de la política mediante la mejora de los rasgos del candidato con líneas delgadas rojas y azules y polvo de diamante.

A pesar de que Kennedy perdió la nominación Democrática en 1980 contra Jimmy Carter, a quien Warhol había retratado 4 años antes, el senador se convirtió en un líder influyente de su partido.

Kennedy fue electo para un período de 6 años en 1964, y fue reelecto 7 veces más. Su reputación fue denigrada por el incidente en 1969 de Chappaquiddick, el cual terminó en la muerte de la conductora de un auto, Mary Jo Kopechne; Kennedy se declaró culpable en la salida de la escena del crimen. A pesar de que no perjudicó su estadía en el Senado, el incidente dañó significantemente su popular nacionalidad, y nunca más apareció en la boleta de su partido presidencial.

Conocido por sus habilidades en oratoria, el elogio en 1968 de Kennedy para su hermano Robert y su Convención Nacional Democrática en 1980 llamando al liberalismo norteamericano estaban entre sus más conocidos discursos. Él se hizo conocido como ‘León del Senado’, durante su larga estadía e influencia. Más de 300 proyectos de ley propuestos por Kennedy y su staff fueron promulgados por la ley. Él era conocido por trabajar con los Republicanos y encontrar compromisos entre los senadores con opiniones dispares. Kennedy jugó un rol importante en muchas de las leyes, incluyendo leyes relaciones con la inmigración, la investigación del cáncer, los seguros de salud, el apartheid, la discriminación, la prevención del SIDA, los derechos civiles, los beneficios para la salud mental, los seguros de salud de los niños, la educación y el trabajo social. En el 2000, él condujo varios esfuerzos de reforma de inmigración que fracasaron. En el momento de su muerte, seguía trabajando en la legislación de asistencia médica universal, que es a menudo descrita como su ‘trabajo de la vida’.

En Mayo de 2008, a Kennedy le diagnosticaron un tumor cerebral maligno que limitó sus apariciones en el Senado. Murió el 25 de Agosto de 2009 en su casa de Hyannis Port, Massachusetts.

Exposición de manuscritos medievales

2009-08-31T06:42:00.001-07:00

¿Han alguna vez deseado aprender cómo se realizaban los manuscritos? ¿Quiénes eran los escribas y los artistas detrás de las páginas iluminadas? En El Scriptorium Medieval, los chicos –y los adultos- pueden responder este tipo de preguntas para sí mismos mientras aprenden cómo era ser una iluminador de manuscritos en los talleres medievales. Maite Álvarez, especialista en proyectos de educación y co-curadora de la exposición, agrega, ‘esta exposición para niños los motivará a ellos y a sus familiar a ingresar al mundo medieval y participar en actividades que son tanto educaciones como entretenidas’.

Anónimo, La Virgen y el Niño con los Arcángeles Miguel y Gabriel, entre 1504 – 1505. Témpera en papiro.

En exhibición en el Museo J. Paul Getty en el Centro Getty desde el 24 de Noviembre de 2009 hasta el 14 de Febrero de 2010, El Scriptorium Medieval mira de cerca el funcionamiento interno de un scriptorium, explorando la forma en que los libros eran físicamente construidos, las decisiones artísticas realizadas por los iluminadores y escribas, y cómo los manuscritos eran entendidos y utilizados por la gente y las culturas que los producían. La instalación de la muestra ofrecerá una variedad de actividades para niños y textos para apelar tanto a niños como a padres.

Un Scriptorium (palabra latina que significa ‘lugar para escribir’) durante el período medieval era una sitio en donde los libros eran escritos e iluminados. En los días anteriores a la tecnología esto hizo posible imprimir muchas copias de un mismo libro, haciendo los escribas y los artistas cada libro a mano. La muestra motiva a los chicos a participar en el trabajo de un iluminador medieval, diseñando su propia hoja de manuscrito. Una estación central de dibujo será el punto central de la exposición y un lugar en done los chicos podrán aprender a través de actividades de dibujo cómo los libros eran copiados e iluminados. La estación incluye instrucciones y materiales.

El Scriptorium Medieval también incluye una sección acerca de la copia vs. la invención que explora las maneras a través de las cuales los copistas se salían de sus modelos para crear nuevas imágenes. Como los manuscritos generalmente contaban todos las mismas historias, los artistas solían copiar las ilustraciones para esas historias de un libro a otro con pocas modificaciones. De todas formas, debido a que los bordes de las hojas se usaban para decoración, los artistas expresaban su individualidad en estos espacios y los pintaban con decoraciones como creaturas fantásticas y frutas reconocibles. Esta sección también resalta cómo los artistas inventaban nuevas composiciones que tenían fines específicos como por ejemplo ilustrativos, didácticos y decorativos.

La sección final de la muestra presenta manuscritos de diferentes partes del mundo e invita a los visitantes a comparar las ilustraciones. A pesar de que los manuscritos fueron creados a miles de kilómetros y hace cientos de años atrás, las ilustraciones de los artistas generalmente tenían muchas similitudes, sugiriendo que a pesar de las grandes distancias y los limitados modos de transporte, los libros viajaban a través del mundo e influenciaban a los artistas. Los manuscritos exhibidos en esta sección incluyen la más reciente adquisición del Museo Getty, el libro Ethiopian Gospel así como libros Armenios y Griegos Gospel y un Koran.

‘Ante todo quisimos que los jóvenes apreciaran el arte. Las actividades de dibujo les enseñan el trabajo de un scriptorium medieval pero también requiere su compromiso activo con los manuscritos que estarán en exposición’, dice Kristen Collins, curadora asociada de los manuscritos y co-curadora de la muestra.

El Dalí dedicado a los Hermanos Marx

2009-08-31T06:03:00.001-07:00

La Fundación Gala-Salvador Dalí presentó su última adquisición del pintor Surrealista: un dibujo realizado en carbón y pasteles titulado ‘El Piano Surrealista’, el cual puede ser visto en Púbol (Girona) hasta el 30 de Septiembre.

Desde 1991, la Fundación Dalí ha emprendido un extenso programa de adquisiciones, que ha añadido más de 300 obras de arte a la colección. La cantidad de adquisiciones se elevan a los 30 millones de Euros y este dinero fue generado de sus propias operaciones.

La Fundación Gala-Salvador Dalí adquirió el trabajo en una subasta realizada en el Christie’s de Londres el 23 de Junio de 2009. La obra había pertenecido previamente a los Hermanos Marx y su precio final fue de 310.000 Euros.

Cuando Dalí retornó a los Estados Unidos en 1936, lo hizo para participar en la exhibición antológica de ‘Arte Fantástico Dadá y Surrealismo’, organizado por el Museo de Arte Moderno de Nueva York así como para su exposición individual en la Galería Julien Levy. En sus declaraciones, Dalí no esconde la fascinación que siente por los trabajos de los Hermanos Marx, y más concretamente, por la figura de Harpo Marx, a quien quiere pintar. Harpo Marx invitó a Dalí a pintarlo, como puede ser leído en este mensaje telegráfico que envió al pintor el 31 de Enero de 1937:

‘Querido Salvador Dalí: he recibido un telegrama de Jo Forrestal diciendo que estás interesado en mí como una víctima. Fascinado con la idea. La película que estoy filmando fue finalizada hace seis semanas. Si vienes al Oeste, estaría feliz de ser pintado por ti. Tengo una contrapropuesta: ¿Posarías para mí mientras yo poso para ti? Feliz año nuevo de un gran admirador de La Persistencia de la Memoria’.

Así fue como, en Enero de 1937, Dalí viajó a la Costa Oeste. Previamente, él le había enviado al actor un arpa, y fue de esta manera que ambos aparecieron –uno tocando el arpa y el otro tomando notas- en el Examiner de Los Ángeles en Febrero de 1937. Durante los recreos de la filmación de ‘Un día en las Carreras’ de los Hermanos Marx, escribió con Dalí el guión de una película que duraría 30 minutos, y de la cual hay ciertas notas, una sinopsis tipeada y varios bocetos. ‘El Piano Surrealista’, el trabajo presentado recientemente es uno de ellos.

‘El Piano Surrealista’ incorpora varios temas típicos dalineanos, desde el árbol ciprés fálico evocador de la Isla de los Muertos de Böcklin estallando a través de un piano, hasta la figura de una mujer desnuda con la cara de un reloj. El escenario que describe la imagen es el abrazo de la ‘Mujer Surrealista’ fotografiada desde atrás, o en circunstancias en las cuales la cara está escondida, con el fin de incrementar la atmósfera enigmática de su personalidad por el personaje principal de la película, ‘Jimmy’ (Salvador Dalí, ‘La Mujer Surrealista’: escenario no publicado de los Hemanos Marx, 1937, reproducido en R. Descharnes, Salvador Dalí, Nueva York, 1984, p. 158). Para Jimmy, así como para Dalí, la Mujer Surrealista personifica un ‘mundo de fantasía, sueños e imaginación’; sus amigos son Harpo, Groucho y Chico Marx. En El Piano Surrealista, la Mujer Surrealista está abrazada al piano que simultáneamente sirve una primavera sagrada llenando un lago, mientras en lo alto de la imagen, en una escena que anticipa el tardío trabajo de Dalí en la película de Hitchcock Spellbound, un paisaje en el cual una figura solitaria y sombras largas y misteriosas se extienden abruptamente hacia un horizonte.

Recordando pinturas más tempranas como 3 Jóvenes Mujeres Surrealistas Sosteniendo en sus Brazos las Pieles de una Orquesta de 1936 y Fuente Necrofílica que Fluye de un Piano de cola de 1933, El Piano Surrealista, con su abrazada pareja encontrándose en el unto de un pool en forma de violoncelo y un piano de cola que se disuelve, son ambos un típico paisaje de ensueño dalineano, y un raro testamento a la breve pero fascinante colaboración entre dos de las más imaginativas imaginaciones surrealistas del siglo XX.

‘Y en la Quinta Avenida Harpo Marx ha alumbrado un fusible que proyecta desde atrás de una multitud de caras jirafas rellenas de dinamita. Corren en todas las direcciones, sembrando el pánico y obligando a todos a buscar refugio sin ton ni son en los negocios. Todas las alarmas de incendio de la ciudad fueron encendidas, pero ya es tarde. Boom! Boom! Las saludos jirafas explosivas de Nueva York y a todos ustedes precursores de lo irracional - Mack Sennett, Harry Langdon, y a ti también, inolvidable Buster Keaton, trágico y delirante como mis monos podridos y místicos, rosas desiertas de España’ (Salvador Dalí, ‘Párrafo extraído de ‘Jirafas en Ensalada de Caballo’, en La Vida Secreta de Salvador Dalí, Nueva York, 1942, p.332).

Mesa Redonda para Monte Alban

2009-08-31T05:22:00.001-07:00

‘Monte Alban en una Encrucijada Regional y Disciplinaria’, es el eje temático de la quinta edición de la mesa redonda dedicada a la antigua ciudad Zapoteca, desde el 2 de Septiembre de 2009, la cual se llevará a cabo en la ciudad de Oaxaca, para presentar los resultados de las investigaciones arqueológicas más recientes, conducidas en diferentes regiones del estado, desde los Valles Centrales hasta Isthmus, y desde Mixteca hasta la Costa.

Los arqueólogos, antropólogos físicos, historiadores étnicos, arquitectos, y otros especialistas presentarán 30 temas en la conferencia como: Orígenes; Monte Alban durante su auge, su vida y su declive; Transformación; Arqueología e historia, entre otros, en la reunión organizada por el Instituto Nacional de Antropología e Historia de México (INAH), a lo largo de la zona arqueológica de Monte Alban.

En la conferencia de prensa organizada en el Museo Nacional de Antropología (MDA), el Dr. Nelly Robles García, director de la Zona Arqueológica de Monte Alban, explicó que el tema principal de la Quinta Mesa Redonda se había decidido a partir de un consenso entre el comité científico de la mesa redonda.

‘Para empezar, los estudios de Monte Alban se encuentran en una encrucijada; tanto si los continuamos porque sí, o porque los ampliamos para entender más en términos de calidad y cantidad de la información y los conceptos, sobrepasando la perspectiva arqueológica’.

‘Con respecto a la ubicación, deberíamos enfocar la investigación en los Valles Central o abrirla hacia otras regiones de Oaxaca y áreas de Mesoamérica, con el objetivo de entender el fenómeno que permitió el desarrollo de Monte Alban (500-850 d.C.) como un estado controlador de la cultura, la religión y la política’, expresó el coordinador general de la mesa redonda.

Este dilema se verá reflejado en las conferencias del encuentro; algunas de ellas están relacionadas con lugares que nunca han sido investigados: Santa María Atzompa (en el norte de Monte Alban, que corresponde a su última fase, entre el 700 y el 850 d.C.); Copalita, en Huatulco, y otros sitios en Mixe y Isthmus; y la relación entre los asentamientos en Veracruz.

Iván Rivera, el coordinador académico, anunció otro caso a ser debatido: Cerro Palmillo, un sitio arqueológico cerca de Santa Cruz Tepenixtlahuaca, en la región de Chatina, donde fue descubierta una estela con Iconografía de la Alta Meseta.

El arqueólogo Nelly Robles, comentó que estos trabajos contribuirán para completar el Atlas Arqueológico de Oaxaca, ‘para saber cuáles sitios y de qué naturaleza están distribuidos en el estado. Necesitamos continuar el estudio en la Mixteca, porque es el segundo grupo etnográfico en cantidad, e investigar en el área de Mixe, sobre todo en Sierra Juárez, que fue relegada debido a su orografía inaccesible’.

Encuentran otro Picasso robado

2009-08-27T07:01:00.001-07:00

Una pintura de Pablo Picasso que se creía había sido robada en 1990 durante la invasión Iraquí en Kuwait fue encontrada entre las pertenencias de un hombre Iraquí en Babel, al sur de Bagdad, informó el periódico Al Sabah.

La policía envío una racia a Yebla, un área de la provincia de Babel, luego de que los servicios de inteligencia detectaron que la pintura estaba siendo retenida por alguien en el área, informó también el periódico sin citar nombres.

Los oficiales arrestaron al hombre que tenía ‘La Mujer Desnuda’ de Picasso, que se estima en $10 millones de dólares y lleva el sello del Museo Nacional de Kuwait. El sospechoso, declaró haber prestado servicio en las fuerzas de seguridad de Saddam Hussein, y le dijo a la policía que pensaba vender la pintura en $450.000.

Este no es el primer caso que involucra una pintura de Picasso saqueada de Kuwait. La policía turca encontró la misma pintura en un automóvil que provenía de Iraq, durante una búsqueda el 15 de Noviembre del año 2000. El legislador turco Mustapha Bayram fue arrestado 5 meses más tarde cuando trató de vender ‘La Mujer Desnuda’ y ‘El Payaso’, otro trabajo de Picasso. Bayram dijo que él le compro las pinturas a una mujer que las había obtenido de un general Iraquí.

Ciertas tardías evaluaciones comprobaron que las pinturas eran falsificaciones.

La Galería Nacional del Retrato de Londres contra Wikipedia

2009-08-27T06:43:00.001-07:00

La noticia se dio a conocer en los últimos días gracias a los diarios internacionales. La Galería Nacional del Retrato en Londres (The National Portrait Gallery (NPG) in London) ha presentado acciones legales contra Wikipedia, luego de que 3.300 imágenes tomadas de su sitio fueron subidas a la enciclopedia online. De acuerdo a reportes de la BBC, la galería considera responsable del hecho a un hombre llamado Derrick Coetzee, un hombre que frecuentemente ofrece su contribución a Wikipedia enriqueciendo con noticias e imágenes la popular enciclopedia online.

Ahora se disputa si el acto del Sr. Coetzee es ilegal o no bajo las leyes de derecho e autor Británicas, al enviar imágenes de la colección de la galería inglesa a Wikipedia. De todas formas, aparentemente las fotos de obras de arte están protegidas de una manera diferente mediante el copyright en los Estados Unidos, sitio donde están los permisos de ambos –Coetzee y Wikipedia-. Entonces, ¿de acuerdo a qué criterio deberían estar protegidas las imágenes: el americano o el inglés? ¿Quién está en lo correcto: la galería o el divulgador de las imágenes? Es sin duda un caso difícil de resolver, que enfrenta dos sistemas judiciales diferentes. La galería de Londres demandó que la violación de los derechos sobre sus imágenes dinamita su proyecto de un millón de libras dedicado a la digitalización de su maravillosa colección. Hasta ahora, el NPG ha añadido a su sitio 60,000 fotos de alta resolución de sus pinturas, para permitir la consulta del público.

Entre las imágenes subidas a Wikipedia por Coetzee e impugnadas por la galería a la cual pertenecen las pinturas, hay también otros dos trabajos importantes como ‘Retrato de la Duquesa de Devonshire Georgiana hija’ pintado por Sir Joshua Reynolds y el retro de la famosa fotógrafa victoriana Julia Margaret Cameron. Margaret Arnott, socia de la firma judicial Mathys & Squire, demandó que la foto de una obra de arte no está protegida por copyright en Gran Bretaña. El museo de Londres contestó con la siguiente declaración: “La Galería está muy preocupada acerca de que una potencial pérdida de ingresos causada por la autorización del uso de archivos en alta resolución amenaza su habilidad de reinvertir en su programa de digitalización y así ofrecer más imágenes en el futuro’. Es uno de los mayores propósitos de la Galería habilitar la mayor parte de la colección para el público que la visita. Y agregó: ‘La digitalización involucra inmensos costos, incluyendo la investigación, la catalogación, la preservación y la utilización de fotos de muy alta calidad. Por esto, las imágenes necesitar estar disponibles en la página web de la galería para ser parte de una base de datos estructurado y con autoridad’. Antes de levantar acciones legales, la Galería le pidió a Wikipedia que sacara las imágenes, pero aparentemente no recibieron ninguna respuesta. En realidad, la galería esperaba no tener que levantar un proceso.

Por este motivo, expresan su enojo con Coetzee, quien en vez de utilizar imágenes de baja resolución para subir a la enciclopedia, prefirió encontrar la manera de explorar el software del Museo Británico y descargar las imágenes de alta resolución sin permiso. Aparentemente, Coetzee declaró a través de Wikipedia que ‘ya no era posible obtener imágenes de alta resolución en la NPG’ de la manera que él lo hizo. Pero el divulgador de las imágenes ha ido más lejos: también publicó la carta legal de la NPG, enviada por Farrar & Co. en Londres a Wikipedia, admitiendo que él cargó las imágenes al popular sitio web, para informar al público acerca del problema, y concluyó diciendo que él se había buscado un representante legal. Coetzee, a quien la BBC le dio la oportunidad de contar su historia, prefirió no hacer declaraciones.