‘Lo que es especial de esta exposición es que es la primera vez que la tecnología 3d, la tecnología holográfica y la tecnología de reconocimiento de vez se fusionan es un única exhibición’, dijo Wang a la Reuters. Como es el caso de la Mona Lisa original en el Louvre de Paris, la Mona Lisa digital es la atracción estrella de la muestra. Ella habla y saluda a los espectadores, quienes le preguntan su edad y acerca de su vida.

‘Hola, soy la Mona Lisa. Es un gusto conocerte’, dice ella en mandarín.

‘La Última Cena’ es otra pintura de Da Vinci digitalmente traída a la vida, en la cual Jesús habla a los apóstoles y se mueve a lo largo de la tela.

La exposición también incluye replicas multimediales en tamaño real de estatuas de los antiguos griegos y romanos de dioses y diosas, quienes se jactan de sus virtudes y belleza posando.

‘Estudié bellas artes en la universidad. En los estudios todas las obras son estáticas, pero aquí están vivas y se mueven. Es sorprendente y vivaz’, dice un espectador, Zhao Yuanzhi.

Así como la muestra trata de revelar el arte desde una luz diferente, también intenta responder una de las preguntas constantes del mundo: ¿qué hay detrás de la sonrisa de la Mona Lisa?

Cuando se pregunta, el retrato digital está programado para hablar acerca de cómo ella quedó embarazada luego del fallecimiento de un niño y acerca del dolor y la felicidad en su vida. Ella también reconoce que muchas personas encuentran su risa misteriosa.

‘Para empezar a hablar seriamente con los dueños de la casa, 3 factores tienen que ser considerados: la ciudad de Acapulco, el Estado de Guerrero y la CONACULTA’, explica.

La propiedad, construida en la década de 1940, conocida como Exekatlkalli o La Casa de los Vientos, tiene 3.000 mts2 y 544 de estos metros están construidos.

Diego Rivera fue un mundialmente conocido pintor muralista mexicano, activista comunista, y marido de Frida Kahlo, 1929-1939 y 1940-1954 (muerte de Frida). El trabajo mural más grande de Rivera en fresco lo ayudó a establecer el Renacimiento Muralista Mexicano. Entre 1922 y 1953, Rivera pintó murales en la Ciudad de México, Chapingo, Cuernavaca, San Francisco, Detroit, y Nueva York. Su exposición retrospectiva se realizó en 1931 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

A pesar de que Kennedy perdió la nominación Democrática en 1980 contra Jimmy Carter, a quien Warhol había retratado 4 años antes, el senador se convirtió en un líder influyente de su partido.

Kennedy fue electo para un período de 6 años en 1964, y fue reelecto 7 veces más. Su reputación fue denigrada por el incidente en 1969 de Chappaquiddick, el cual terminó en la muerte de la conductora de un auto, Mary Jo Kopechne; Kennedy se declaró culpable en la salida de la escena del crimen. A pesar de que no perjudicó su estadía en el Senado, el incidente dañó significantemente su popular nacionalidad, y nunca más apareció en la boleta de su partido presidencial.

Conocido por sus habilidades en oratoria, el elogio en 1968 de Kennedy para su hermano Robert y su Convención Nacional Democrática en 1980 llamando al liberalismo norteamericano estaban entre sus más conocidos discursos. Él se hizo conocido como ‘León del Senado’, durante su larga estadía e influencia. Más de 300 proyectos de ley propuestos por Kennedy y su staff fueron promulgados por la ley. Él era conocido por trabajar con los Republicanos y encontrar compromisos entre los senadores con opiniones dispares. Kennedy jugó un rol importante en muchas de las leyes, incluyendo leyes relaciones con la inmigración, la investigación del cáncer, los seguros de salud, el apartheid, la discriminación, la prevención del SIDA, los derechos civiles, los beneficios para la salud mental, los seguros de salud de los niños, la educación y el trabajo social. En el 2000, él condujo varios esfuerzos de reforma de inmigración que fracasaron. En el momento de su muerte, seguía trabajando en la legislación de asistencia médica universal, que es a menudo descrita como su ‘trabajo de la vida’.

En Mayo de 2008, a Kennedy le diagnosticaron un tumor cerebral maligno que limitó sus apariciones en el Senado. Murió el 25 de Agosto de 2009 en su casa de Hyannis Port, Massachusetts.

Un Scriptorium (palabra latina que significa ‘lugar para escribir’) durante el período medieval era una sitio en donde los libros eran escritos e iluminados. En los días anteriores a la tecnología esto hizo posible imprimir muchas copias de un mismo libro, haciendo los escribas y los artistas cada libro a mano. La muestra motiva a los chicos a participar en el trabajo de un iluminador medieval, diseñando su propia hoja de manuscrito. Una estación central de dibujo será el punto central de la exposición y un lugar en done los chicos podrán aprender a través de actividades de dibujo cómo los libros eran copiados e iluminados. La estación incluye instrucciones y materiales.

El Scriptorium Medieval también incluye una sección acerca de la copia vs. la invención que explora las maneras a través de las cuales los copistas se salían de sus modelos para crear nuevas imágenes. Como los manuscritos generalmente contaban todos las mismas historias, los artistas solían copiar las ilustraciones para esas historias de un libro a otro con pocas modificaciones. De todas formas, debido a que los bordes de las hojas se usaban para decoración, los artistas expresaban su individualidad en estos espacios y los pintaban con decoraciones como creaturas fantásticas y frutas reconocibles. Esta sección también resalta cómo los artistas inventaban nuevas composiciones que tenían fines específicos como por ejemplo ilustrativos, didácticos y decorativos.

La sección final de la muestra presenta manuscritos de diferentes partes del mundo e invita a los visitantes a comparar las ilustraciones. A pesar de que los manuscritos fueron creados a miles de kilómetros y hace cientos de años atrás, las ilustraciones de los artistas generalmente tenían muchas similitudes, sugiriendo que a pesar de las grandes distancias y los limitados modos de transporte, los libros viajaban a través del mundo e influenciaban a los artistas. Los manuscritos exhibidos en esta sección incluyen la más reciente adquisición del Museo Getty, el libro Ethiopian Gospel así como libros Armenios y Griegos Gospel y un Koran.

‘Ante todo quisimos que los jóvenes apreciaran el arte. Las actividades de dibujo les enseñan el trabajo de un scriptorium medieval pero también requiere su compromiso activo con los manuscritos que estarán en exposición’, dice Kristen Collins, curadora asociada de los manuscritos y co-curadora de la muestra.

Cuando Dalí retornó a los Estados Unidos en 1936, lo hizo para participar en la exhibición antológica de ‘Arte Fantástico Dadá y Surrealismo’, organizado por el Museo de Arte Moderno de Nueva York así como para su exposición individual en la Galería Julien Levy. En sus declaraciones, Dalí no esconde la fascinación que siente por los trabajos de los Hermanos Marx, y más concretamente, por la figura de Harpo Marx, a quien quiere pintar. Harpo Marx invitó a Dalí a pintarlo, como puede ser leído en este mensaje telegráfico que envió al pintor el 31 de Enero de 1937:

‘Querido Salvador Dalí: he recibido un telegrama de Jo Forrestal diciendo que estás interesado en mí como una víctima. Fascinado con la idea. La película que estoy filmando fue finalizada hace seis semanas. Si vienes al Oeste, estaría feliz de ser pintado por ti. Tengo una contrapropuesta: ¿Posarías para mí mientras yo poso para ti? Feliz año nuevo de un gran admirador de La Persistencia de la Memoria’.

Así fue como, en Enero de 1937, Dalí viajó a la Costa Oeste. Previamente, él le había enviado al actor un arpa, y fue de esta manera que ambos aparecieron –uno tocando el arpa y el otro tomando notas- en el Examiner de Los Ángeles en Febrero de 1937. Durante los recreos de la filmación de ‘Un día en las Carreras’ de los Hermanos Marx, escribió con Dalí el guión de una película que duraría 30 minutos, y de la cual hay ciertas notas, una sinopsis tipeada y varios bocetos. ‘El Piano Surrealista’, el trabajo presentado recientemente es uno de ellos.

‘El Piano Surrealista’ incorpora varios temas típicos dalineanos, desde el árbol ciprés fálico evocador de la Isla de los Muertos de Böcklin estallando a través de un piano, hasta la figura de una mujer desnuda con la cara de un reloj. El escenario que describe la imagen es el abrazo de la ‘Mujer Surrealista’ fotografiada desde atrás, o en circunstancias en las cuales la cara está escondida, con el fin de incrementar la atmósfera enigmática de su personalidad por el personaje principal de la película, ‘Jimmy’ (Salvador Dalí, ‘La Mujer Surrealista’: escenario no publicado de los Hemanos Marx, 1937, reproducido en R. Descharnes, Salvador Dalí, Nueva York, 1984, p. 158). Para Jimmy, así como para Dalí, la Mujer Surrealista personifica un ‘mundo de fantasía, sueños e imaginación’; sus amigos son Harpo, Groucho y Chico Marx. En El Piano Surrealista, la Mujer Surrealista está abrazada al piano que simultáneamente sirve una primavera sagrada llenando un lago, mientras en lo alto de la imagen, en una escena que anticipa el tardío trabajo de Dalí en la película de Hitchcock Spellbound, un paisaje en el cual una figura solitaria y sombras largas y misteriosas se extienden abruptamente hacia un horizonte.

Recordando pinturas más tempranas como 3 Jóvenes Mujeres Surrealistas Sosteniendo en sus Brazos las Pieles de una Orquesta de 1936 y Fuente Necrofílica que Fluye de un Piano de cola de 1933, El Piano Surrealista, con su abrazada pareja encontrándose en el unto de un pool en forma de violoncelo y un piano de cola que se disuelve, son ambos un típico paisaje de ensueño dalineano, y un raro testamento a la breve pero fascinante colaboración entre dos de las más imaginativas imaginaciones surrealistas del siglo XX.

‘Y en la Quinta Avenida Harpo Marx ha alumbrado un fusible que proyecta desde atrás de una multitud de caras jirafas rellenas de dinamita. Corren en todas las direcciones, sembrando el pánico y obligando a todos a buscar refugio sin ton ni son en los negocios. Todas las alarmas de incendio de la ciudad fueron encendidas, pero ya es tarde. Boom! Boom! Las saludos jirafas explosivas de Nueva York y a todos ustedes precursores de lo irracional - Mack Sennett, Harry Langdon, y a ti también, inolvidable Buster Keaton, trágico y delirante como mis monos podridos y místicos, rosas desiertas de España’ (Salvador Dalí, ‘Párrafo extraído de ‘Jirafas en Ensalada de Caballo’, en La Vida Secreta de Salvador Dalí, Nueva York, 1942, p.332).

En la conferencia de prensa organizada en el Museo Nacional de Antropología (MDA), el Dr. Nelly Robles García, director de la Zona Arqueológica de Monte Alban, explicó que el tema principal de la Quinta Mesa Redonda se había decidido a partir de un consenso entre el comité científico de la mesa redonda.

‘Para empezar, los estudios de Monte Alban se encuentran en una encrucijada; tanto si los continuamos porque sí, o porque los ampliamos para entender más en términos de calidad y cantidad de la información y los conceptos, sobrepasando la perspectiva arqueológica’.

‘Con respecto a la ubicación, deberíamos enfocar la investigación en los Valles Central o abrirla hacia otras regiones de Oaxaca y áreas de Mesoamérica, con el objetivo de entender el fenómeno que permitió el desarrollo de Monte Alban (500-850 d.C.) como un estado controlador de la cultura, la religión y la política’, expresó el coordinador general de la mesa redonda.

Este dilema se verá reflejado en las conferencias del encuentro; algunas de ellas están relacionadas con lugares que nunca han sido investigados: Santa María Atzompa (en el norte de Monte Alban, que corresponde a su última fase, entre el 700 y el 850 d.C.); Copalita, en Huatulco, y otros sitios en Mixe y Isthmus; y la relación entre los asentamientos en Veracruz.

Iván Rivera, el coordinador académico, anunció otro caso a ser debatido: Cerro Palmillo, un sitio arqueológico cerca de Santa Cruz Tepenixtlahuaca, en la región de Chatina, donde fue descubierta una estela con Iconografía de la Alta Meseta.

El arqueólogo Nelly Robles, comentó que estos trabajos contribuirán para completar el Atlas Arqueológico de Oaxaca, ‘para saber cuáles sitios y de qué naturaleza están distribuidos en el estado. Necesitamos continuar el estudio en la Mixteca, porque es el segundo grupo etnográfico en cantidad, e investigar en el área de Mixe, sobre todo en Sierra Juárez, que fue relegada debido a su orografía inaccesible’.

Los oficiales arrestaron al hombre que tenía ‘La Mujer Desnuda’ de Picasso, que se estima en $10 millones de dólares y lleva el sello del Museo Nacional de Kuwait. El sospechoso, declaró haber prestado servicio en las fuerzas de seguridad de Saddam Hussein, y le dijo a la policía que pensaba vender la pintura en $450.000.

Este no es el primer caso que involucra una pintura de Picasso saqueada de Kuwait. La policía turca encontró la misma pintura en un automóvil que provenía de Iraq, durante una búsqueda el 15 de Noviembre del año 2000. El legislador turco Mustapha Bayram fue arrestado 5 meses más tarde cuando trató de vender ‘La Mujer Desnuda’ y ‘El Payaso’, otro trabajo de Picasso. Bayram dijo que él le compro las pinturas a una mujer que las había obtenido de un general Iraquí.

Ciertas tardías evaluaciones comprobaron que las pinturas eran falsificaciones.

Entre las imágenes subidas a Wikipedia por Coetzee e impugnadas por la galería a la cual pertenecen las pinturas, hay también otros dos trabajos importantes como ‘Retrato de la Duquesa de Devonshire Georgiana hija’ pintado por Sir Joshua Reynolds y el retro de la famosa fotógrafa victoriana Julia Margaret Cameron. Margaret Arnott, socia de la firma judicial Mathys & Squire, demandó que la foto de una obra de arte no está protegida por copyright en Gran Bretaña. El museo de Londres contestó con la siguiente declaración: “La Galería está muy preocupada acerca de que una potencial pérdida de ingresos causada por la autorización del uso de archivos en alta resolución amenaza su habilidad de reinvertir en su programa de digitalización y así ofrecer más imágenes en el futuro’. Es uno de los mayores propósitos de la Galería habilitar la mayor parte de la colección para el público que la visita. Y agregó: ‘La digitalización involucra inmensos costos, incluyendo la investigación, la catalogación, la preservación y la utilización de fotos de muy alta calidad. Por esto, las imágenes necesitar estar disponibles en la página web de la galería para ser parte de una base de datos estructurado y con autoridad’. Antes de levantar acciones legales, la Galería le pidió a Wikipedia que sacara las imágenes, pero aparentemente no recibieron ninguna respuesta. En realidad, la galería esperaba no tener que levantar un proceso.

Por este motivo, expresan su enojo con Coetzee, quien en vez de utilizar imágenes de baja resolución para subir a la enciclopedia, prefirió encontrar la manera de explorar el software del Museo Británico y descargar las imágenes de alta resolución sin permiso. Aparentemente, Coetzee declaró a través de Wikipedia que ‘ya no era posible obtener imágenes de alta resolución en la NPG’ de la manera que él lo hizo. Pero el divulgador de las imágenes ha ido más lejos: también publicó la carta legal de la NPG, enviada por Farrar & Co. en Londres a Wikipedia, admitiendo que él cargó las imágenes al popular sitio web, para informar al público acerca del problema, y concluyó diciendo que él se había buscado un representante legal. Coetzee, a quien la BBC le dio la oportunidad de contar su historia, prefirió no hacer declaraciones.

La muestra está dividida en 6 sectores: imágenes inéditas y reveladoras tomadas detrás de escena; imágenes sensibles de los músicos en los inicios de sus carreras; alegres fotografías de presentaciones en vivo que demuestran la energía, la pasión, el estilo y el sex appeal de las bandas en el escenario; imágenes poderosas de las multitudes y fans que son a menudo evocadores de pinturas históricas; retratos que revelan el alma y la creatividad, más que lo superficial y la popularidad de los músicos; e imágenes conceptuales y portadas de álbumes remarcando los esfuerzos colaborativos entre los realizadores de las imágenes y los músicos.

Tina Turner

¿Quién disparó al Rock & Roll?: Una Historia Fotográfica, 1955 hasta el Presente está organizada por el Museo Brooklyn con el curador invitado Gail Buckland.

Luego de ser rechazado por segunda vez por la Academia de Bellas Artes, Hitler se quedó sin dinero. En 1909 vivió en un refugio para gente sin hogar. En 1910, ya se había asentado en una casa para obreros pobres.

De los artistas que exponen, Jake Chapman nació en 1966 en Cheltenham, Dinos Chapman en 1962 en Londres.Vivieron y trabajaron en Londres. Expusieron en variedad de lugares, incluyendo muestras solistas en Tate Liverpool (2006), Kunsthaus Bregenz (2005), Museum Kunst Palast Düsseldorf (2003) y Modern Art Oxford (2003).

Estos artistas simplemente compran las obras de Hitler para añadirles arcoíris y sonrisas a las imágenes.

‘La gente que comprará estas pinturas son académicos y empresarios’, dijo Mr Weidler, cuya casa de subastas vendió otras 2 de las 723 pinturas estimadas de Hitler el mes pasado. ‘Las ventas no atraen gente con borceguís y cortes de pelo skinhead’.

Las pinturas ayudan a explicar por qué Hitler nunca se convirtió en artista y por qué sus intentos de ingresar en la Academia de Bellas Artes de Viena fracasaron dos veces. De todas formas, nuevas investigaciones llevadas a cabo por un historiador del arte austríaco concluyen en que, a pesar de estos rechazos, Hitler permaneció obsesionado con el arte durante el resto de su vida, convencido de que él era un genio artístico en medio de los valores morales ordinarios.

En su libro Ilusiones de un Genio: Hitler y el Arte, Birgit Schwarz declara que el líder Nazi permaneció convencido de su extraordinario talento hasta que cometió su suicidio en su búnker de Berlín en 1945. ‘El grado en el cual Hitler se consideraba a sí mismo un artista genio fue subestimado’, dice la Sra. Schwarz en una entrevista con la revista Der Spiegel. ‘Muchas de sus acciones fueron motorizadas por su auto percepción y su recalentado ego. Su amor por el arte lo guió hacia el corazón del mal.’ Schwarz ilustra la obsesión de Hitler con el arte mediante la cita del historiador de arte Ranuncio Bandinelli, a quien le fue otorgado el trabajo de escoltar al líder Nazi en un tour por galerías de arte durante su visita oficial a Italia en 1938.

Bandinelli recordó en su periódico que Hitler pasó sus últimas horas admirando las pinturas al punto de que su anfitrión italiano, el dictador fascista Benito Mussolini, se irritó visiblemente. El rechazamiento de Hitler por parte de la escuela de arte incrementó su auto percepción como un genio en vez de disminuirla, insiste Schwarz. Ella dice que él incluso coleccionaba obras de artistas menos famosos que él como resultado de esto.

De todas formas, ella discute que, luego de este rechazo, él comenzó a pensar que su genio podría ser mejor expresado en arquitectura más que en pintura. Hitler viajó a Munich luego de estar en Viena, y, de acuerdo a Schwarz, su nueva obsesión con la arquitectura está reflejada en los planes que ideó en el momento de la competencia para diseñar una nueva ópera en Berlín. Hitler nunca presentó ninguna propuesta, pero, Schwarz sostiene: ‘Él pensaba que él igualaba el nivel de los más famosos arquitectos del momento’.

Esta famosa broma de 1984 causó una gran conmoción. Durante ese año, en ocasión de una muestra por el centenario del nacimiento de Modigliani y dedicada a sus esculturas, se decidió verificar si una leyenda popular local era verdadera, la leyenda según la cual el maestro de Livorno habría tirado al Fosso Reale algunas de sus esculturas. De acuerdo con esta creencia, el artista retornó temporalmente a Livorno en 1909, decidiendo realizar algunas esculturas las cuales exhibió luego en el Caffé Bardi a artistas amigos, quienes se burlaron de él sugiriéndole que las lanzara al canal.

Explorando el canal cercana a Piazza Cavour, fueron encontradas en 1984 tres esculturas, las cuales representaban 3 cabezas, atribuidas rápidamente por muchos críticos a Modigliani. Después de algunos día, el grupo de los 3 estudiantes de Livorno confesaron que una de las esculturas era en realidad de su autoría. Incluso mostraron una foto que los retrataba con la escultura.

Luego de eso, incluso el autor de las otras 2 cabezas reveló su identidad; era Angelo Froglia, un pintor de Livorno que declaró que lo que había hecho no buscaba ser una burla, sino una ‘operación estética-artística’ para verificar ‘en qué medida la gente, los críticos y los medios de comunicación crean mitos’.

Un chiste colosal, que todavía hoy causa debates en Livorno. Los 3 trabajos fueron expuestos por primera vez en Lugano, en 1999, y en segundo lugar en Livorno, 6 años más tarde, en una muestra visitada por 40 mil personas en 10 días. Un éxito inesperado. Aún, algunas personas están pensando en realizar una muestra permanente. ‘Por el momento, una exposición permanente de las 3 esculturas es sólo una idea en la que estamos trabajando –declara Mario Tredici, canciller responsable de cultura en la Ciudad de Livorno- a pesar de que no está entre las prioridades de la cancillería. De todas formas, estamos convencidos que no es una decisión a ser tomada por una sola persona, sino con el compromiso del sector de expertos’.

Incluso Vittorio Sgarbi intervino en la situación: ‘mostraría esos trabajos, como provocación, en el Museo de Arte Contemporáneo de la Ciudad. Si el alcalde Toscano decide mantenerlas bajo llave, como alcalde de Salemi, pediré tenerlos en préstamo y organizar un evento espectacular en su honor’.

Siempre refiriéndose a la iniciativa de organizar una exposición en Salemi mostrando los ‘falsos Modiglianis’, Sgarbi explica ‘la exposición en cuestión podría llamarse Il grande inganno (El gran engaño), o dado que recuerdo muy bien las opiniones de los críticos podría ser I vestiti dell’imperatore (El ropaje del Emperador). Pondría las 3 cabezas en la mitad del salón y elevadas, para indicar las opiniones expresadas por los principales expertos luego de que fueron encontradas’. Incluso el acalde de Livorno, Alessandro Cosimi, intervino en el debate sobre las 3 cabezas en forma de broma, declarando: ‘Me gustaría vender las tres cabezas falsas de Modigliani, y comprar algo, un trabajo de Modì –y agregó- la idea de una exposición permanente no me parece una buena idea. Nos arriesgaríamos a caer en un provincialismo negativo. En 2004 mostramos las 3 cabezas falsas y fue un triunfo con el público. De todas formas, no me gustaría que Livorno recuerde a Modigliani por las bromas. En cambio, me gustaría venderlas para tener el dinero con el fin de adquirir un dibujo, un trabajo auténtico del gran artista de Livorno’. De todas maneras, ‘la mofa de 25 años atrás fue muy buena –dijo el alcalde de Livorno sonriendo- allí hubo ironía en cómo el poder fue burlado de una manera muy graciosa’.

A quien le gustaría una muestra permanente es a uno de los 3 autores de la broma, Pietro Luridiana: ‘Hay 3 copias falsas, es verdad, pero ¿cómo podemos no definirlas como arte? Él se pregunta – lo que importa es la idea, el ingenio del acto, más que la reproductibilidad. Inclusive, si coincidimos en el valor artístico de una obra, puede ser arte. Entonces, ¿por qué debería ser la gente privada de la posibilidad de ver nuestras falsificaciones? Es un misterio que nos amarga, también porque no comprendemos el motivo. Quizás hay todavía alguna aversión hacia nosotros’.

‘Es realmente una exposición acerca de un joven artista desarrollando su propio vocabulario y respondiendo a lo que lo rodea’, dice Joan Simon, curadora en el Museo Whitney de Arte Americano, quien organizó el show con Brigitte Leal del Centro Pompidou de París. ‘Cuando Calder llegó a París en 1926, él aspiraba a ser pintor; cuando se fue en 1933, él ya había evolucionado hacia el artista que conocemos hoy: una figura internacional y fuerza definida de la escultura del siglo XX’.

‘El maravilloso sentido caprichoso y exuberante de Calder hacen de este show terrorífico algo para toda la familia’, dice el director ejecutivo Matthew Teitelbaum. ‘El Circo de Calder es un trabajo tan encantador. Es emocionante tener la posibilidad de compartirlo con la audiencia canadiense por primera vez junto a los trabajos que hicieron de Calder un artista famoso: los móviles mágicos’.

Los visitantes podrán observar muchas de las increíbles esculturas mecánicas que Calder creó y operó mientras performaba su Circo: un león que ruge antes de poner la cabeza d su domador en su boca; artistas en trapecios que cierran los brazos, vuelan por el aire y luego caen a una red; una bailarina, desnuda y estratégicamente posicionada, seductoramente torciéndose y girando. Dándole el contexto a estas esculturas está el film de Jean Painlevé de 1955, Le Gran Cirque Calder 1927, una grabación visual de la realización del Circo de Calder sólo como él podría hacerlo.

Alexander Calder: los Años de París 1926-1933 incluye 56 esculturas, 6 pinturas y 34 trabajos en papel y fue organizada por el Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York y el Centro Pompidou de Paris.

La autora del libro de 256 páginas ilustradas es Barbara Levine, la antigua directora de exposiciones del Museo de Arte Moderno de San Francisco, quien opera una compañía de servicios curatoriales llamada Proyecto b. Ella incluyó como autor secundario a Stephen Jaycox de San Francisco, con quien había trabajado en muestras de archivos y bibliotecas.

En un correo electrónico a The Art Newspaper, Levine dijo que ella ‘no está trabajando para los Noyola y los Noyola no financiaron ninguna parte del libro’. Ella describe a ‘Finding Frida Kahlo’ como ‘mi encuentro personal con los materiales’, y dice que el estudio es ‘acerca de las pertenencias de un ícono, no desde el punto de vista de contar su historia o contribuir a su espacio en la historia del arte, sino desde una perspectiva de nuestra propia necesidad humana de acumular talismanes, mantener restos para el recuerdo, rastrear el tiempo y dejar una herencia’.

De ‘El Laberinto de Frida Kahlo: Muerte, Dolor y Ambivalencia’, por Jennifer Church y Daniel Friedman, publicado por el Centro de Investigación de Arte Mexicano (CIAM), Octubre de 2008

‘Si hubiese hecho un libro de historia del arte acerca de Kahlo o hubiera probado la autenticidad de la colección Noyola, hubiera sido apropiado de mi parte consultar con expertos en Frida Kahlo’, dice ella, agregando que el rechazo hacia la colección por parte de los expertos es entendible, porque ‘las falsificaciones en el arte son comunes y los descubrimientos históricos son difíciles de creer cuando ocurren fuera de un contexto institucional’. Ella agrega: ‘Tengo el mayor respeto y apreciación por las autoridades sobre Frida Kahlo y entiendo que debe de llevar años evaluar plenamente cada pieza de la colección Noyola con el fin de reconciliar totalmente la autenticidad, el hecho y la ficción’.

‘En mi opinión, los editores han sido víctimas de una gran broma pesada’, dice la marchante de arte (distribuidora en Latinoamérica con base en Nueva York) Mary-Anne Martin, quien ha comprado y vendido numerosos trabajos de Kahlo (1907-1954). ‘Los autores han construido todas estas cartas, poemas, dibujos y recetas, utilizando la biografía de Frida y sus letras publicadas como mapa-guía. Los dibujos están mal realizados, los escritos son infantiles, el contenido es crudo; los dibujos de anatomía parecen sacados de un libro de instrucciones de una carnicería. Las pinturas son ‘pastiches’, composiciones basadas en obras publicadas. La procedencia proporcionada es incomprobable y sin sentido. No hay nada que me gustaría más que descubrir un grupo de obras inéditas de Frida Kahlo, pero no hay manera en el mundo de que cualquiera de estas obras pueda ser aceptada en Sotheby, Christie’s, o mi galería. Estoy asombrada de que esto haya llegado a donde llegó’.

De acuerdo con la declaración del Princeton Architectural Press: ‘Estas dudas son exploradas directamente en el libro, incluyendo una larga entrevista con los dueños del local y de la colección, la familia Noyola, quienes creen, basados en análisis de un ingeniero químico y grafólogo, así como de entrevistas con miembros de la familia Kahlo y algunos de sus seguidores y estudiantes, que los materiales en estos casos son legítimos’.

El supuesto hallazgo ha sido conocido desde Diciembre de 2005, cuando una pintura de un ciervo con la cabeza de Frida (basado en un conocido trabajo de la artista) y cuatro otras presuntas pinturas de Kahlo fueron ‘descubiertas’ en México, y se dijo que estaban entre 283 otros objetos relacionados. Muchos historiadores de arte y coleccionistas mexicanos declararon que los trabajos son falsos: Raquel Tibol dijo a la prensa cuando esto ocurrió en Inglaterra, que quien haya realizado las falsificaciones, las haya vendido o a quien hayan pertenecido sería sujeto a procesamiento.

En Octubre de 2008, al rededor de 75 ítems de la colección Noyola fueron reproducidos en un catálogo publicado por el Centro de Investigación de Arte Mexicano (CIAM) en Guanajuato. El Laberinto de Frida Kahlo incluye un comentario de Jennifer Church, una profesora de filosofía en el Vassar College, y reportes que apoyan la autenticidad del material de Kahlo –pinturas, escritos, procedencia, etc-. Los análisis químicos fueron organizados por el marido de Church, Daniel Friedman, un ‘diagnóstico de construcción y elocuencia microscópica’ según su resumen, el cual no cataloga ningún estudio previo de las obras de arte. ‘Nuestro libro no incluye ninguna declaración de nuestra opinión acerca de la autenticidad de la colección; no somos expertos en arte’, la pareja escribió en un e-mail a The Art Newspaper. ‘Nuestra correspondencia con algunas de las autoridades fue muy frustrante’, agregaron, ‘en la medida en que ninguno de ellos citó ningún motivo específico en apoyo de su escepticismo, no podemos menos de preguntarnos si hay detrás conflictos de interés que previenen a estos expertos de en realidad mirar el material y exponer su propio razonamiento al escrutinio público’.

En Junio, el New York Times anunciará el descubrimiento de la poco conocida colección Noyola así como del venidero libro del Princeton Architectural Press.

Pero tempranamente este mes, en vísperas de la nueva publicación, un grupo de estudiosos líderes de Kahlo emitió una carta para la prensa de México y sus oficiales culturales, declarando que ‘todos los documentos y trabajos de la colección son falsos’. Tomando en cuenta que Kahlo fue nombrada Patrimonio Artístico de la Nación Mexicana, ellos apelan al Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (CONACULTA), al Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), y a los protectores de los derechos morales de Frida Kahlo ‘para ponerle fin a este tipo de fraudes y así aclarar la situación’.

La carta fue firmada por el coautor del catálogo de Kahlo, Salomon Grimberg; la marchante de arte latinoamericana y experta en Kahlo Mary-Anne Martin; Sandra Weisenthal; la historiadora de arte Irene Herner; el nieto de Diego Rivera, Pedro Diego Alvarado; la historiadora del arte, y antigua directora del Museo de Arte Moderno de México, Teresa del Conde; las dueñas de la Galería de Arte Mexicano Alejandra Reygadas de Yturbe y Mariana Pérez Amor; el estudioso e investigador de Kahlo, James Oles; y la biógrafa de Kahlo, Hayden Herrera.

Los expertos notan que los Noyola excluyeron a los expertos en la intervención para la aprobación de las obras. Levine, la autora del libro, escribe: ‘No soy una estudiosa de Kahlo; no tengo credenciales para soportar opiniones que puedo haber tenido acerca de la autenticidad o importancia del material... mi español es limitado’. Los Noyola dicen que ellos mostraron los trabajos a la nieta de Diego Rivera, Ruth Alvarado Rivera, quien ya no vive, y a los alumnos de Frida. ‘Además de todos los contactos que conocemos, Arturo García Bustos y Arturo Estrada son los expertos vivos que pasaron la mayor cantidad de tiempo con ella y quienes conocían bien su personalidad. Así que me gustaría resaltar que SI hemos implicado a los más conocidos expertos en el trabajo de Frida en nuestra opinión’, dice Noyola. ‘Ninguno de los estudiosos notan que los antiguos amigos de Frida, los llamados ‘Fridos’, son artistas y no estudiosos de su obra’.

Carlos Phillips Olmedo, director del Museo Frida Kahlo y miembro del comité ejecutivo del trust que supervisa los derechos de autor de la artista, dijo que el trust Diego Rivera – Frida Kahlo no reconoce a la colección Noyola como auténtica. El coautor del catálogo Grimberg, hablando con la prensa el mes pasado, declaró: ‘Llevo alrededor de 40 años observando las obras de Frida y puedo decir que esto es grotesco y vulgar’.

James Oles, un historiador de arte de la Ciudad de México, quien ha realizado un vasto trabajo sobre los archivos sobrevivientes de la obra de Kahlo, dice: ‘Es la calidad formal del dibujo y la escritura que parecen estar completamente mal para mí. El problema de la materia está al lado del punto’. Él dice que los trabajos falsos atribuidos a Kahlo, Siqueiros, Tamayo, Gerszo, Merida y otros artistas latinoamericanos son comunes. ‘Hay más demanda que oferta en el mercado latinoamericano del arte moderno –y el mercado académico también- por lo tanto muchas cosas pasan igual. Algo como esto nunca habría pasado con Picasso’-.

Noyola no descarta la posibilidad de que los trabajos sean falsificaciones. ‘Apuntamos a presentar este material y la información recopilada en nuestra investigación sin hacer ninguna aserción,’ él dice. ‘Después de todo, la autenticidad nunca es certera. Actualmente, podemos decir que creemos que esta colección contiene artículos auténticos que pertenecieron a Frida Kahlo’.

Pero muchos son ultrajados de que los artefactos dudosos están siendo publicados. ‘Esto es una perversión de Frida Kahlo’, dice Oles. ‘Es igual que con 'los diarios de Hitler’ que amenazan con cambiar la historia. Y es pernicioso porque ella era compleja y había todas estas ficciones que circulaban alrededor de ella. Los eruditos tratan de ponerse detrás de todas estas trabas, y un libro como este enturbia las aguas’.

Incluye impresiones originales vintage inéditas realizados por los dos fotógrafos paparazzi más famosos, Tazio Secchiaroli (1925-1998) – la base del personaje de Fellini, Paparazzo en la película seminal La Dolce Vita, 1960 - y Marcello Geppetti. Asimismo presenta trabajos vintage de un grupo variado de fotógrafos incluyendo a Roger Corbeau, Loomis Dean, Walter Limot, David Magnus, Patrick Morin y Claude Schwartz.

Brigitte Bardot y los Paparazzi Originales fue curada a partir de una serie de conceptos que concentran el rango de alcances fotográficos en temas como la complicidad y el intruso, la toma en pose en un momento de arrebato, lo público y lo privado, el estudio y la calle.

La muestra comienza con la casa de los paparazzi, Italia. Luego explora las imágenes de Bardot tanto dentro como fuera del set fílmico, desde los aeropuertos y las calles del mundo, hasta su vida privada en San Tropez.

Los temas principales de la muestra incluyen:
La Dolce Vita. Las fotografías de Marcello Geppetti y Patrick Morin
Le Mepris: Las fotografías de Tazio Secchiaroli
Detrás de escena
Vida y Muerte: Agency Wire Photographs
Bardot como Chaplin
Dos semanas en Septiembre. Bardot en London
La Creación de un Ícono. Las fotografías de Sam Levin
Le BB Special. El Especial Televisivo de Bardot
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La Galería James Hyman se especializa en Arte Contemporáneo Internacional y Arte Británico Moderno. La galería trabaja con un número selecto de artistas. En años recientes su programa de exposiciones incluía pinturas, dibujos, esculturas, impresiones, fotografías, instalaciones y videos.

La imaginación artística de Dalí estaba constantemente alimentada por los paisajes rudamente románticos de su nativa Cataluña, los enormes llanos azotados por el viento Empordà, y el ‘otro mundo’ rocoso de Cap de Creus. Estos paisajes, mezclados con su imaginación única, informaron las ahora clásicas pinturas Surrealistas con las cuales Dalí impresionó al mundo parisino del arte en la temprana década de 1930. Un fuerte grupo de pinturas del período surrealista de Dalí en París estará incluido en la muestra.

La muestra se mueve a través de la experimentación de Dalí con el Cubismo, la Abstracción, el Neoclasicismo y la Nueva Abstracción durante sus años de estudio y liderazgo en el movimiento surrealista en París en la década de 1930. Salvador Dalí: Deseo Líquido también incluirá la más significante producción de Dalí de una colección australiana, el Teléfono de Langosta de la Galería Nacional de Australia, posiblemente una de las esculturas más famosas del siglo XX.

Algo a remarcar de la muestra será el regreso a Australia de la pintura de 1932 del artista llamada Memoria de una Niña-Mujer. Esta fue la primer pintura de Dalí que se exhibió en Australia en 1939 lo que causó mucha controversia.

La relación de Dalí con España fue severamente resquebrajada con el advenimiento de la Guerra Civil Española en 1936 y con la llegada de la Segunda Guerra Mundial, Salvador y su esposa Gala migraron de París a Estados Unidos (donde residieron desde 1940 hasta 1948). Durante su estadía en Norteamérica Dalí se comprometió activamente con el mundo de la moda, el teatro, la publicidad y la industria fílmica. Con la posguerra, su arte se relacionó con la era atómica y la teoría nuclead, así como con la exploración de un misticismo religioso único y personal.

Salvador Dalí: Deseo Líquido es una exposición caleidoscópica y panorámica que sorprenderá y placerá a los visitantes que exploren la vida y el arte de una de las figuras más coloridas e influenciables del siglo XX. Para más información visitar http://www.ngv.vic.gov.au/.

Estos artistas trabajaron en un período tanto de cambios políticos gigantescos como de una actividad artística muy rica. Su trabajo refleja las problemáticas posrevolucionarias de la agitación política y social mexicana. Los posters políticos, folletos, libros y anuncios políticos fueron creados para ilustrar el estilo fuerte y directo del TGP así como su compromiso y respuesta a la agenda de las reformas políticas que fueron parte del gobierno Cardenista en el México de ese momento.

Esta muestra acompaña el intento de su catálogo de avanzar en el creciente interés y las becas de los artistas del Taller de Gráfica Popular, ofreciendo su interpretación de la dignidad de la condición humana en el contexto social de los movimientos reformistas de ese momento. Sus pinturas y representaciones de los obreros y campesinos, y las luchas sociales del pueblo marcan al Taller de Gráfica Popular como un agente revolucionario importante por mano propia.

Con el acceso directo al database, el cual estará continuamente actualizado siempre y cuando la oficina central del Secretariado General de la Interpol en Lyon reciba nueva información acerca de obras robadas en el mundo, los usuarios autorizados obtendrán un acceso en tiempo real a la última información recibida. La información disponible no incluirá información nominal, sino lo estrictamente relacionado con el objeto como descripciones y fotografías de los bienes culturales hurtados.

El coordinador del Departamento de Obras de Arte de la INTERPOL (WOA), Karl Heinz Kind, dijo que la contribución y el acceso a la base de datos representaba ‘una herramienta importante para contar el tráfico en la propiedad cultural’. Dijo que el incremento de los reportes de las actividades de los 187 miembros mundiales de la Interpol se esperaba para que todos los miembros de cada país pudieran sacar toda la ventaja de los beneficios de compartir la información, conjuntamente con todo tipo de reportes criminales.

“La accesibilidad a la información de arte robada es una contribución vital para generar conciencia pública acera de la protección de la propiedad cultural”, dijo el Sr. Kind.

“La inclusión de propiedades culturales hurtadas a la base de datos de obras de arte robadas de la Interpol, y el acceso extensivo online a la misma, representa una barrera importante al contrabando ilícito de un objeto cultural robado dificultando su venta”, agregó Kind.

Favoreciendo a los retratos, Binoche no sólo ha representado a muchos de los directores para los cuales trabajó pero también a personajes que ella misma interpretó, en lo que significa una vuelta bastante única en la tradición del autorretrato. "In-Eyes” expondrá 29 trípticos, cada uno incluyendo uno de estos autorretratos “de-personajes”, un retrato del director de una película, y un poema dedicado a este director. Estos trabajos ofrecen una mirada personal, llena de emoción, de los encuentros clave que han influido en la carrera cinematográfica de Juliette Binoche.

Hablando acerca de su arte, Juliette explica, “El calor y la emoción a generar, como la resistencia física suministrada, son parte de la vida de un actor. Independientemente de lo que es abandonado, independientemente de lo que se logra, e independientemente de lo que yo había esperado, asiento todo en papel. Ninguno de ellos es definitivo; esto es solamente una percepción –un registro breve y subjetivo- de un momento en la vida. La técnica simplemente vino con el deseo de pintar, sin preconcepciones."

La muestra comprende 63 grabados de la colección de la Fundación Matisse de Pierre y Tana, con obras de arte legadas por el mismo Henri Matisse a su hijo menor Pierre (1900-1989), un marchante eminente del arte moderno. Estos grabados se complementan con una selección de trabajos de la renombrada Colección Cone del BMA, creada por las hermanas de Baltimore Claribel y Etta Cone. Adicionalmente, muchas de las últimas impresiones en la muestra son del reciente regalo realizado por la Fundación Matisse de Pierre y Tana al BMA, y serán exhibidas por primera vez. Todo eso hace de ‘Matisse como Grabador’ la más importante muestra del artista en toda Norteamérica. Estos trabajos raramente son presentados al público debido a su sensibilidad a la luz.

La exposición fue curada por Jay Fisher, el Director del BMA para los Asuntos Curatoriales y Conservador de Grabados, Dibujos y Fotografías.

Matisse y el Grabado

Reconocido mayoritariamente como pintor y escultor, Henri Matisse (1869-1954) estuvo también profundamente comprometido a lo largo de su carrera con la experimentación de otros medios y las posibilidades únicas que ofrecían para la expresión creativa. Matisse veía al grabado como una extensión del dibujo, el cual se integraba a su arte. Como escribe Jay Fisher en el catálogo de la exhibición, -el grabado fue la primer forma para Matisse de demostrar a su audiencia el proceso de su trabajo, el carácter de su visión, y el modo en el cual su dibujo transformaba lo que observaba-. El compromiso de Matisse con el grabado fue tanto intenso como innovador, mientras se movía de una técnica a otra, adoptando nuevos métodos que reflejaban la evolución de sus ideas artísticas. Para Matisse, el grabado capturaba los pasos en el proceso de su visión artística.

El grabado era también un medio práctico de diseminar el arte de Matisse entre muchos de los ávidos coleccionistas de su trabajo. A pesar de su extensa distribución, los grabados de Matisse son notables por el aura de intimidad e inmediatez que comunican. La facilidad con la cual los grabados podían ser realizados permitían a Matisse trabajar libre y espontáneamente, usualmente creando retratos casuales de miembros de su familia y amigos en su estudio, en donde había instalado su propia prensa de grabado. Además de sus libros ilustrados, Matisse era fiel a la tradición de grabados en blanco y negro, pero en sus últimos años realizó dos grabados en color, ambos incluidos en la muestra. A lo largo de su carrera, produjo más de 800 imágenes en ediciones de 25 o 50. Esta gran profusión de grabados expandieron la riqueza de su arte y lo ayudaron a cementar su posición como uno de los artistas preeminentes del siglo XX.

La Colección Cone

En los comienzos del siglo XX, las hermanas de Baltimore Claribel y Etta Cone visitaron los estudios de Matisse y Picasso en Paris y comenzaron a generar una de las increíbles colecciones del mundo. A lo largo de casi 50 años, lograron una excepcional colección de aproximadamente 3.000 objetos, los cuales están en exposición en los apartamentos de Baltimore. Lo mejor es un grupo de 500 trabajos de Matisse, considerados los mejores y más significantes del mundo. Etta Cone conoció a Matisse en 1906, y su compra inicial de muchos de sus dibujos marcaron el comienzo de una pasión duradera por su arte que continuó a lo largo de toda su carrera.

Con obras maestras como el Blue Nude (1907) y Large Reclining Nude (1935), la competencia entre los museos por le Colección Cone comenzó en 1940, pero Claribel insistió en que fuera al Museo de Arte de Baltimore. A pesar de que lo consiguió, la colección se transfirió al BMA luego de la muerte de Etta Cone en 1949, y ha estado en exposición desde 1957. La colección ha sido sujeta a prestigiosas exposiciones en museos de todo el mundo. Hoy en día, la colección del BMA incluye más de 700 trabajos de Matisse, con más de 400 grabados, 42 pinturas al óleo, 22 esculturas, 42 dibujos, 19 libros, 2 textiles, 1 vasija de cerámica, y 220 dibujos, grabados y platos de cobre del primer libro ilustrado del artista, Poésies de Stéphane Mallarmé.