| NUEVA YORK, Nueva York - Merce Cunningham, quien estaba entre los coreógrafos más influyentes del siglo XX, y quien estuvo al frente de la vanguardia norteamericana durante más de 50 años, falleció el domingo por la noche, informó la Fundación de Danza Merce Cunningham. Él tenía 90 años. Durante la mayor parte de su vida, Cunningham fue considerado uno de los mayores bailarines americanos. Un colaborador constante que ha influido en artistas de diversas disciplinas –incluyendo músicos como John Cage y David Tudor, artistas como Robert Rauschenberg y Bruce Nauman, diseñadores como Romeo Gigli, y el arquitecto Benedetta Tagliabue-, su impacto se extiende más allá del mundo del baile a las artes en su totalidad.
En sus primeros años, la Compañía de Baile Merce Cunningham viajó en un autobús de Volkswagen conducido por John Cage con suficiente espacio para seis bailarines, los dos músicos, y un manager, que era a menudo Robert Rauschenberg. El primer viaje internacional del MCDC en 1964 - que incluyó shows en Europa Occidental y Europa Oriental, India, Tailandia, y Japón- solidificó una corriente constante de reservas nacionales e internacionales. Desde esos años, el MCDC ha seguido viajando por el mundo con aclamación crítica y popular, sirviendo como embajador para la cultura contemporánea americana.
Shows y proyectos recientes incluyen una residencia de dos años en Dia:Beacon, donde el MCDC ha realizado los 'Eventos', los bricolages coreográficos específicos de Cunningham, en las galerías de Richard Serra, Dan Flavin, y Sol LeWitt entre otros. La Compañía también ha colaborado con una serie de artistas visuales y diseñadores. Robert Rauschenberg, cuyo famoso "Se combina" refleja el acercamiento que él solía crear décor para los tempranos trabajos del MCDC, trabajando como diseñador residente de la Compañía entre 1954 y 1964. Jasper Johns siguió como Consejero Artístico de 1967 a 1980, y Mark Lancaster a partir de 1980 hasta 1984.
Los últimos Consejeros para ser designados fueron Guillermo Anastasi y Dove Bradshaw en 1984. Otros artistas que han colaborado con MCDC incluyen a Tacita Dean, Rei Kawakubo, Roy Lichtenstein, Bruce Nauman, Ernesto Neto, Frank Stella, Benedetta Tagliabue, y Andy Warhol. Merce Cunningham había estado al frente de la vanguardia norteamericana por más de 70 años y había llegado a ser considerado por muchos como el coreografo vivo más importante. Durante la mayor parte de su carrera, él fue también uno de los mayores bailarines americanos.
Con una carrera artística distinguida por la innovación constante, Cunningham amplió las fronteras no sólo de la danza, sino también de las artes contemporáneas visuales y artísticas. Sus colaboraciones con innovadores artísticos de cada disciplina cedieron un cuerpo de baile, música y arte sin igual.
De todas sus colaboraciones, el trabajo de Cunningham con John Cage, su compañero de vida a partir de los años 40 hasta la muerte de Cage en 1992, tuvo la mayor influencia sobre su práctica. Juntos, Cunningham y Cage propusieron un número de innovaciones radicales. La más famosa y polémica de estas se refería a la relación entre el baile y la música, que ellos concluyeron quizás en el mismo momento y lugar, pero que debían de crearla independientemente del otro. Los dos también hicieron amplio uso de procedimientos mediados por el azar, abandonando formas no sólo musicales, sino también la narrativa y otros elementos convencionales de composición de baile -como la causa y el efecto, el punto culminante y el anticlímax-. Para Cunningham el sujeto de sus bailes era siempre el baile en sí mismo.
Nacido en Centralia, Washington el 16 de abril de 1919, Cunningham comenzó su carrera profesional de danza moderna a los 20 con una trayectoria de seis años como solista en la Compañía de Baile de Marta Graham. En 1944 presentó su primer espectáculo solista y en 1953 formó la Compañía de Danza Merce Cunningham como un foro para explorar sus ideas innovadoras. Sobre el curso de su carrera, Cunningham hizo de coreógrafo de más de 200 bailes y más de 800 "Eventos". Los bailarines que entrenaron con Cunningham y siguieron formando sus propias compañías incluyen a Paul Taylor, Trisha Brown, Lucinda Childs, Karole Armitage, Foofwa d'Immobilité, y Jonah Bokaer.
La pasión de toda la vida de Cunningham por la exploración y la innovación lo convirtió en el líder de la aplicación de nuevas tecnologías a las artes. Comenzó a investigar el baile en el cine en los años 70, y desde 1991 hizo coreografías utilizando el programa para computadora DanceForms. Exploró la tecnología de captura de movimiento para crear décor para el BÍPEDO (1999), y más recientemente su interés en nuevos medios de comunicación lo condujo a la creación de los Lunes con Merce (www.merce.org/mondayswithmerce.html). Esta serie de transmisión por Internet proveyó una mirada "nunca antes vista" de la Compañía y la enseñanza de Cunningham con vídeo de clases de técnica avanzada, el ensayo de la Compañía, el metraje de archivo, y entrevistas con miembros actuales y antiguos de la Compañía, coreógrafos, y colaboradores.
Cunningham ganó algunos de los honores más altos concedidos en las artes. Entre sus muchos premios están la Medalla Nacional de Artes (1990) y el Compañerismo MacArthur (1985). También recibió el Premio Imperial de Japón en 2005, el Premio Británico de Laurence Olivier en 1985, y fue llamado Oficial de la Legión de Honor de Francia en 2004. La vida de Cunningham y su visión artística han sido el tema de cuatro libros y tres exposiciones principales, y sus trabajos han sido presentados por diversos grupos incluyendo el Ballet clásico de la Ópera de París, el Ballet Clásico de la Ciudad de Nueva York, el Teatro de Ballet clásico americano, el Proyecto de Baile de Roble Blanco, y la Empresa de Baile de Rambert de Londres. |
BERLIN.-"Bauhaus. Un Modelo Conceptual", exposición que comienza el miércoles en Martin Gropius Bau, Berlín, presentada conjuntamente por el Archivo de Bauhaus Berlín, Stiftung Bauhaus Dessau y Stiftung Klassik Weimar.
Walter Gropius, modelo de trabajo para la memoria de los “heroes de la marcha”, 1921. Klassik Stiftung Weimar © VG Bild-Kunst, Bonn 2009.
Con motivo del 90 aniversario de la fundación de la Bauhaus y 20 años después de la caída del muro de Berlín, las principales instituciones de investigación de la Bauhaus y museos en Alemania - el Archivo de Bauhaus Berlín, Stiftung Bauhaus Dessau y Stiftung Klassik Weimar – presentan por primera vez conjuntamente una gran muestra. Con aproximadamente 1,000 objetos, será la muestra más grande de la historia de la Bauhaus. El Museo de Arte Moderno de Nueva York, en colaboración con el proyecto, envió 25 objetos a Berlín y presentará su propia parte de la exposición "Bauhaus 1919 - 1933. Talleres para la Modernidad" comenzando el 8 de noviembre en Nueva York.
"Bauhaus. Un Modelo Conceptual" relata la historia de esta escuela única. La enseñanza disciplinaria, experimental, el concepto de talleres orientados a la práctica, la búsqueda de respuestas a preguntas sociales, la propagación de estéticas funcionales así como la experimentación con nuevas técnicas y los materiales en la arquitectura y el diseño eran las preocupaciones más importantes de la escuela. Al mismo tiempo, la exposición revela cómo el desarrollo de la Bauhaus fue caracterizado por muchos cambios de concepto. Las discusiones sobre métodos y contenidos influyeron en el trabajo tanto como los ataques políticamente motivados.
El título de la exposición muestra la motivación de la Bauhaus por determinar un modelo común en el diseño. A lo largo de toda su existencia –con variedad de matices- bajo la dirección de sus tres directores Walter Gropius (1919-1928), Hannes Meyer (1928-1930) y Ludwig Mies der Rohe (1930-1933), la Bauhaus asumió la tarea de tipificar un modelo para la creación de los diseños: no sólo con respecto al nuevo tipo de escuela, pero también como su lugar en la vanguardia del arte contemporáneo y la arquitectura, como un laboratorio para el desarrollo de modelos para la industria y como una fuerza de cambio de la sociedad, con su interés en darle humanidad y una nueva forma a la sociedad moderna.
"Bauhaus. Un Modelo Conceptual" extraordinariamente demuestra el papel que los movimientos artísticos más relevantes - el Expresionismo, el Futurismo, el Dadaísmo, Neue Sachlichkeit, el Constructivismo, y el Surrealismo – jugaron en la Bauhaus entre 1910 y 1933, demostrado por los trabajos de Marcks, Muche, Kandinsky, Moholy-Nagy, Albers, Bayer, Breuer, Schlemmer, Feininger, Klee, Meyer, Hilberseimer y la furgoneta Mies der Rohe.
La exposición presenta no sólo los trabajos de los Maestros de la Bauhaus, sino también los de sus estudiantes. Estos ilustran el desarrollo artístico de la escuela y demuestra la impresión del impacto poderoso de la Bauhaus, sobre todo después de su cierre. Muchos estudiantes provenientes de la Bauhaus, ellos mismos más tarde se convirtieron en los artistas más influyentes de su generación, como Wilhelm Wagenfeld, Max Bill, Richard Paulick, Marianne Brandt, Lux Feininger y más muchos.
Para transportar la historia turbulenta y la creatividad diversa de la Bauhaus, la exposición " Bauhaus. Un Modelo Conceptual " escoge la perspectiva de la historia de su desarrollo. Así esto se diferencia de las muestras realizadas hasta el momento, que principalmente fueron orientadas alrededor de los talleres de la Bauhaus. Así, el primer espacio de un total de 18 cuartos de la galería de "Bauhaus. Un Modelo Conceptual " comienza con el concepto más temprano de la Bauhaus, en particular su fascinación con el "Bauhütte" medieval (el alojamiento masónico, en particular para la construcción de catedrales), y la importancia simbólica de la catedral Gótica que representa los principios del Gesamtkunstwerk –obra de arte total- y el trabajo en equipo. Una fotografía de la aguja de Ulm Muenster, que colgó en la oficina de Gropius a lo largo de su vida, ilustra esta premisa básica de la Bauhaus.
La Esfera En color de Ittens para la Orientación
El visitante entra a la exposición por una puerta situada en el vestíbulo histórico de Martin Gropius. Las formas geométricas básicas -el triángulo, el cuadrado y el círculo- resignifican sus funciones en las puertas para la entrada, el paso y la salida de la exposición. El cliché del Modernismo blanco y negro que saluda al visitante es la parte del diseño útilmente colorido de la exposición(muestra) en el vestíbulo de Gropius. En la referencia a la esfera de color de Johannes Itten, los arquitectos de la exposición chezweitz&roseapple delegaron un color a cada una de las etapas del desarrollo de la Bauhaus.
Así, una cinta colorida ata la presentación: comenzando con amarillo para los años de Weimar de la Bauhaus, siguiendo con naranja rojizo y púrpura para el período Dessau y finalizando con azul y verde para la fase de Berlín antes del cierre final.
¡¡Hágalo usted mismo! Bauhaus (DIY –Do It Yourself- Bauhaus)
La instalación realizada por Christine Hill " DIY Bauhaus - construye su propio Bauhaus! " es un comentario contemporáneo artístico dedicado a una leyenda. Christine Hill examina cómo la legendaria escuela de la Bauhaus ha llegado a penetrar en nuestra cultura actual. La idea de Christine Hill era la premisa que para la Bauhaus, la tarea de arte y diseño era incompleta si esta no incluía la dimensión política y social. Así, su punto de partida es la máxima de Hannes Meyer, "Necesidades de la gente, no lujos". Paralelamente a la comercialización de objetos de la Bauhaus como objetos de lujo, las ideas de la Bauhaus se convirtieron en triviales. Aquí es donde Christine Hill, que se hizo conocida con su "Volksboutiquen" (Pequeñas tiendas de moda De la gente) en 1995, comienza su instalación.
Ilka y Andreas Ruby, Bauhaus Infinito, video-instalación, 2009
En su video-instalación, " Bauhaus Infinito ", Ilka y Andreas Ruby entrevistan once figuras contemporáneas acerca de la actual importancia de la Bauhaus. ¿La Bauhaus es una entidad del pasado, o es significativa hoy? ¿Cuáles de sus originales intenciones se han abandonado, y cuál de sus ambiciones podrían ser continuadas hoy? ¿Cuáles ideas de la Bauhaus parecen actualmente irrealizables? ¿Hay allí algo que sinceramente debemos a la Bauhaus? ¿El desafío principal de la Bauhaus -el deseo para la unidad de los poderes creativos del arte, la artesanía, la tecnología y la ciencia- se ha hecho anacrónico hoy - o necesitamos esta clase de objetivos para esta sociedad cada vez más especializada?
Para encontrar las respuestas a estas preguntas, Ilka y Andreas Ruby encontraron varios personajes del diseño relacionados con la Bauhaus de algún modo - arquitectos, artistas, conservadores, diseñadores de comunicación, diseñadores de automóviles, historiadores de arte y empresarios-. Los comentarios de los entrevistados son temáticamente agrupados y montados en una conversación virtual.
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Los ciclistas se ven forzados a bajar la velocidad, gracias a este “hueco”, del tamaño de un cráter, en el medio de un camino.
Pero el “hueco” es solo una ilusión óptica, un dibujo de un cañón en 3D, y es un intento para que los ciclistas más negligentes frenen un poco, en lugar de ir a gran velocidad, y en muchos casos, ignorando a los peatones.
Este arte en el pavimento, es obra de Joe Hill y Max Lowry, quienes se especializan en imágenes tridimensionales y han estado trabajando juntos, con temas de arte en la calle, por unos 5 años. La obra está comisionada por el British Waterways, para ser instalada en un camino de Islington, al norte de Londres.
Mientras los ciclistas desaceleran un poco, para poder evitar el hueco, el personal de British Waterways aprovecha para comentarles sobre la importancia de una conducción prudente con las bicis.
La compañía mantendrá la imagen descubierta, para señalar la semana nacional de las bicis, y así usarla en otras áreas.
Optica, es uno de los primeros proyectos en su género y constituye, al mismo tiempo, una de las manifestaciones artísticas con más impacto mediático dentro del arte contemporáneo.
Esta iniciativa, de la Asociación Cultural Colectivo Interferencias, ofrece al espectador un espacio de interrelación y divulgación que permite la aproximación a la experimentación visual a nivel mundial. Experimentar significa ir en busca de lo desconocido. El videoarte rompe códigos establecidos, dando protagonismo a la esencia del cine: luz, sonido y movimiento, llegando en algunos casos hasta la abstracción absoluta. Es así una de las formas más puras y natural de la cultura audiovisual, en la medida que implica una percepción subjetiva del espacio-tiempo, a través de la tecnología de la imagen electrónica.
Buscamos reacciones en el ámbito personal del espectador, inquietarle sobre sus propias fragilidades. Indagamos sobre la realidad, pero a partir de una recomposición de los elementos que la construyen. Descubriendo cómo construimos nuestros recuerdos, cómo, tanto la fantasía como los modelos establecidos, forman parte de la articulación de los espacios y la arquitectura, cómo "domesticamos" la vida a través de códigos.
Transitar el camino que conduce hacia la videocreación implica indagar por los senderos de la mirada. Una mirada que a lo largo del tiempo se ha transformado para dejarnos al descubierto su complicidad con la historia y su potencialidad discursiva traducida en imagen cultural.
