Será entonces exhibida en 3 países extranjeros, durante 3 meses en cada uno de ellos: empezará en mayo, en el Palacio Real de Madrid, siguiendo en la Gemaeldegalerie de Berlin durante el mes de agosto y terminando en la galería Nacional de Londres durante el mes de noviembre.
En febrero regresará a Cracovia, en donde ha permanecido por más de 100 años. Quedará allí hasta, al menos, el año 2022.

Leonardo pintó el retrato de Cecilia Gallerani en un soporte de madera castaña alrededor del año 1490. Ha permanecido a la familia Czartoryski desde el siglo XIX.

En "Madre Joven Cosiendo" (1900), la niña se inclina en el regazo de su madre fijando su mirada en nosotros, espectadores, con misterio y suspicacia. En "Una mujer y una niña conduciendo" (1881), una adulta joven atentamente conduce un carruaje por un parque, que quizás sea Bois de Boulogne. La niña a su lado observa las ruedas, pero su desenfocada mirada sugiere que su mente está en otro lugar.

El tercer Cassatt, "Pequeña niña en un sillón azul", representa a una joven solitaria, nuevamente con la mente perdida, pero posiblemente aburrida, y considerando llevar a cabo alguna travesura.

El cuarto Cassatt aquí es "Señora en la mesa de té", de 1883-85, que muestra a una imperiosa y crecida mujer, elegante sin vanidad, y en estado de alerta. Pareciera ser, como en el resto de las pinturas, que ella creció pensando en ella misma.

En el Metropolitan, es claro que la representación de niños ha sido correctamente identificada como uno de los grandes logros de Cassatt, lo que no es un dato menor.

“No creo que a nadie se le ocurra la idea de que estamos reconstruyendo el Muro entre el Este y el Oeste de Berlín nuevamente. Pero hubo muchos quienes ridiculizaron esta idea al principio. Se ha visto como una manera maravillosa para simbolizar la caída del Muro”. El Presidente Ruso Dmitry Medvedev, el Presidente de Francia Nicolás Sarkozy, el Primer Ministro Británico Gordon Brown y la Secretaria de Estado de los EE.UU. Hillary Clinton presenciarán las festividades, dijo.

La caída del Muro de Berlín sucedió el 9 de noviembre de 1989 luego de meses de tensión creciente en Alemania del Este. Muchos se precipitaron inmediatamente a pasos de la frontera después de que un líder Comunista de Alemania del Este dijo en una conferencia de prensa que ellos tenían absoluta libertad para viajar al Oeste. El muro de Berlín, un símbolo de la guerra fría que había hendido la ciudad y Alemania, plácidamente fue derrumbado en los meses que siguió. Las dos Alemanias se reunieron 11 meses más tarde en 1990.

Está también el propio Dr. Guillotin, quien, a pesar de no haber sido el inventor de la máquina asesina, fue decisivo en la legalización de la misma como una forma moderna de llevar a cabo las sentencias de muerte. Es su entusiasmo humanitario, Guillotin exclamó, demasiado risueño ante la Asamblea Nacional: “Con mi máquina, caballeros, apenas notarán que perdieron su cabeza!”. Los organizadores insisten en que, no obstante sus 16,000 víctimas, la revolución introdujo muchas cosas buenas. Ellos producen documentos para sostener aquel argumento: la Declaración de los Derechos humanos, la abolición de la esclavitud, la educación estatal y la asistencia pública a los necesitados.

El profesor Ottmar Hörl, de la Academia de Bellas Artes de Nuremberg, testeó las aguas este año al mostrar un gnomo de 40 cm de alto, dispuesto en una pose similar en una galería de arte local. El fiscal se apresuró a actuar después de recibir quejas, pero el profesor Hörl montó una esterlina defensa. “En 1942 los nazis me habrían masacrado por esta pieza de arte”, dijo. “Estoy presentando a la raza superior como gnomos de jardín y esto cae en cualquier definición comprensiva de lo que es una sátira”. El fiscal dio por finalizada la investigación, pero la exposición de Straubing, que ya se inauguró, plantea un desafío muy severo. Es presentada en un espacio público: la Ludwigsplatz, anteriormente conocida como Grossdeutschlandplatz (Plaza de la Gran Alemania), la cual fue alguna vez el sitio de los desfiles nazis. La sinagoga fue saqueada por los nazis y los 42 judíos de la ciudad fueron deportados a campos de concentración.

La particularidad del premio de $100.000 –entregado cada dos años y titulado por la compañía de ropa para hombres alemana que hace de sponsor- es la edad de los finalistas, la cual siempre ha sido de un rango amplio, haciendo diferencia con otros premios para artistas como el Premio Turner o el Preis der Nationalgalerie für Junge Kunst. El ganador –elegido por un jurado compuesto de críticos y curadores internacionales, y presidido por la jefa conservadora del Museo Guggenheim, Nancy Spector- será anunciado en el otoño de 2010, también recibiendo en el premio la realización de una exposición solista en 2011 en el Museo Salomon R. Guggenheim.

Bernardo Bellotto (30 de Enero de 1720 – 17 de Octubre de 1780) era un pintor italiano de paisajes urbanos o vedutista, y grabador en aguafuerte famoso por sus vedutes de ciudades europeas (Dresde, Viena, Turín y Varsovia). Él era alumno y sobrino de Canaletto y a veces usaba su mismo nombre, firmando como Bernardo Canaletto - fraudulentamente, según algunos. Sobre todo en Alemania, las pinturas atribuidas a Canaletto pueden ser en realidad más de Bellotto que de su tío; en Polonia, es simplemente conocido como Canaletto.

El estilo de Bellotto estaba caracterizado por elaboradas representaciones de vistas naturales y arquitecturales, y por la específica calidad de la iluminación de cada lugar. Es plausible que Bellotto y otros maestros venecianos de la veduta, hayan usado la cámara oscura para adquirir una mayor precisión de las vistas urbanas.

Bellotto nació en Venecia, hijo de Lorenzo Antonio Bellotto y Fiorenza Canal, hermana del famoso Canaletto, y estudió en el taller de su tío.

En 1742 se mudó a Roma, en donde produjo vedutas de esa ciudad. En 1744 y 1745 viajó al norte de Italia, nuevamente pintando vedutas de cada ciudad. Entre otros, trabajó para Carlos Emanuel III de Saboya.

Desde 1747 hasta 1758 se mudó a Dresde, aceptando la invitación del Rey Augusto IIIº de Polonia. Creó pinturas de las ciudades de Dresde y Pirna y sus alrededores. Hoy estas pinturas preservan la memoria de la belleza de Dresde, la cual fue destruida durante los bombardeos de la IIª Guerra.

Su reputación internacional creció, y en 1758 aceptó una invitación de la Emperatriz María Teresa para ir a Viena, en donde pintó vistas de los monumentos de la ciudad. Luego de eso trabajó en Munich y nuevamente en Dresde.

Cuando el Rey Augusto IIIº de Polonia, también Elector de Sajonia, quien generalmente vivía en Dresde, falleció en 1763, el trabajo de Bellotto devino menos importante en Dresde. Como consecuencia de esto, se fue del lugar para buscar empleo en San Petersburgo en la corte de Catherina IIª de Rusia. Camino a San Petersburgo, de todas formas, Cellotto aceptó una invitación en 1764 de nuevo Rey electo de Polonia, Stanislao Augusto Poniatowski para convertirse en pintor de la corte de Varsovia.

Allí permaneció unos 16 años, durante el resto de su vida, como pintor de la corte del Rey, para quien pintó numerosas vistas de la capital polaca y sus ambientes para el Castillo Real en Varsovia, complementarias a las grandes pinturas históricas comisionadas por Poniatowski de Marcello Bacciarelli.

Sus pinturas de Varsovia, más tarde fueron trasladadas a Moscú y Leningrado, restauradas por el Gobierno Comunista Polaco y luego utilizados para reconstruir la ciudad luego de su casi-completa destrucción a manos de las tropas alemanas y rusas durante la guerra.

Hay pinturas de Bellotto también en el Museo Czartoryski, en Cracovia, Polonia (museo fundado por Izabela Czartoryska /1743-1835/, con pinturas y trabajos de arte de su estado, Pulawy) y en el Palacio Wilanów, en las afueras de Varsovia, fundado por el 1805 por Stanislao Kostka Potocki, en donde se puede ver un retrato de la nombrada Izabela. Bellotto falleció en Varsovia en el año 1780.

Antes y después de la presentación de Ladyhawke, los artistas pintaron alejados, en áreas delimitadas para actuaciones callejeras, mientras la gente los rodeaba tomando fotos y dándoles charla. Larnach, quien nunca antes había hecho arte en vivo antes del lanzamiento, cree que es una manera para los artistas de ser honestos con el público. ‘Los artistas visuales han sido mimados con el hecho de no ser esperados de presentarse en vivo antes. Significa como artista que no puedes ser todo humo y espejos; debes revelar tus secretos y técnica’, dice ella. ‘Creo que quizás es algo que la audiencia merece ver y les da la oportunidad de entender cómo una obra de arte es creada y quién es el que la está creando’.

Ladyhawke

Mientras hay definitivamente algo fascinante en ver a los artistas trabajando y un dibujo materializado ante nuestros ojos, ¿es este el último escalón de la necesidad de inmediatez de la generación de Twitter o una nueva y excitante forma de arte como performance en vivo? Al atestiguar cada línea mientras es completada en la página, y no sólo simplemente ser conmovido por el resultado final, se trata tanto acerca del acto vivo de pintura o dibujo asó como del arte en sí mismo. El artista se convierte en el performer y el público esperanzadamente encontrará al arte mucho más accesible y espontáneo que en los confinamientos más formales de una típica galería de arte.

Para un artista con base londinense, Kilford, conocido como ‘el pintor músico’, su práctica entera se basa en pintar música, en vivo en grandes conciertos. Kasabian, Paul Weller, Damon Albarn, los Black Eyes Peas y Baaba Maal han tenido todos canciones traducidas al arte por él –y él regularmente también hace ‘bocetos guerrilleros’ entre las multitudes de los festivales. ‘Me veo a mi mismo como un performer así cómo a un artista y siento una especie de comezón cuando pinto en frente de una audiencia’, él explica. ‘No soy la primera persona en pintar imágenes en frente de un público, pero ahora vivir al arte como una forma prominente se está destacando por sobre todas las cosas. Ayuda a acercar a la gente al arte porque logran experimentar el proceso creativo y ser parte de la ecuación’.

Pintura de Kilford, creada en vivo en el gig de Kasabian

Pinturas como las de Kilford, completadas durante la duración de una canción o un set musical, usan diferentes habilidades para esas necesitadas para producir naturalezas muertas detalladas o complejos retratos. Así como la necesidad de trabajar rápidamente, los artistas que pintan o dibujan en vivo necesitan alimentar la atmósfera del público y utilizarla para mejorar su trabajo. Esta manera de trabajar va con algunos –como los artistas de graffiti quienes han trabajado siempre rápido sobre las paredes para no ser atrapados- más que a otros, como Terry Guy, fundador de la agencia de diseño creativo Monorex y las batallas de arte Secret Wars (Guerras Secretas), lo sabe muy bien. Por 3 años, él ha venido organizado las Secret Wars en todo el mundo, en donde le es dada media pared blanca a dos artistas, marcadores negros y 90 minutos para producir el mejor dibujo posible. Así como a los dos jueces, el ganador del torneo –quien generalmente se va con £1,000 de premio- es elegido por una audiencia lectora.

‘No son batallas de graffiti porque los artistas no utilizan pintura en aerosol; yo las llamo batallas de ilustración’, dice Guy. ‘Los artistas pueden ser desde artistas de bellas artes de la Central Saint Martins hasta artistas callejeros y de graffiti; es una plataforma para cualquier artista que quiera asistir y llevar a cabo un freestyle. Hay suficiente talento ahí afuera y necesitan un lugar donde exhibirlo’.

Además de ayudar a incrementar el perfil y la confidencia de artistas poco conocidos, las batallas son muy cargadas y el público está implicada en lo que pasa en vivo. ‘El fin original era relacionarse con el público y ahí radica la belleza de todo esto. Cuando empezamos no me di cuenta de que sería tan popular. Las multitudes les gritaban a los artistas igual que en un partido de futbol’.

El arte en vivo es sólo eso, vivo. Está lleno de energía y excitación y motiva a la gente a comprometerse visualmente. Los dibujos terminados pueden no poder ser comparados con las grandes obras de arte pero no es lo que realmente tratan de hacer; es una forma muy diferente de arte. En vez,el proceso creativo es parte del arte mismo,como performances, son divertidos para ser vistos.

Etiquetas Artísticamente Inspiradas en la Música de Beck (www.becks.co.uk)

Kilford: el pintor de música (www.themusicpainter.com)

Secret Wars: batallas de arte en vivo (www.secretwars.co.uk)

Una gran cantidad de fragmentos de frescos se descubrieron en las colapsadas ruinas de los cuales los excavadores dedujeron que alguna de las paredes de las habitaciones eran tratadas con yeso y decoradas con coloridas pinturas. Los diseños pintados que adornan las paredes de yeso consistían principalmente de motivos geométricos y florales. Su riqueza y organización arquitectónica, particularmente los artefactos que fueron descubiertos entre las ruinas, atestiguan al carácter inequívocamente romano del edificio. Lo más sobresaliente de estos descubrimientos es una estatuilla de mármol que representa un boxeador y un pendiente de oro embutido con piedras preciosas.

Los elementos arquitecturales como columnas y capiteles, así como los mosaicos y las grandes cantidades de fragmentos de frescos que eran utilizados en la segunda planta fueron descubiertos en estas ruinas. Las monedas fueron encontradas entre los restos y los pisos indicaban que las ruinas datan circa 360 d.C. Pareciera ser que tenemos aquí evidencias arqueológicas de los resultados de un terremoto que sucedió en la región en el 363 d.C.

Estatuilla encontrada en las excavaciones.

El Dr. Ben-Ami agrega, ‘no conocemos otros edificios del período romano que hayan sido descubiertos en Israel y que tengan una organización similar al edificio de la Ciudad de David. El edificio contemporáneo más cercano a este tipo de estructura está situado en lugares del siglo II y IV que fueron excavados en Syria. Edificios como estos son ‘mansiones urbanas’ del período romano descubiertos en Antioquía, Apamea y Palmyra. Si este paralelo es correcto, entonces a pesar de su tamaño y opulencia, pareciera ser que esta construcción fue utilizada originalmente como una residencia privada.’

La exposición del edificio romano en la Ciudad de David es una contribución significante a nuestro entendimiento de las construcciones en la ciudad de Roma en los siglos III-IV d.C. Constituye una evidencia arqueológica extremadamente importante en relación con el crecimiento de los asentamientos sobre el final del período romano en los alrededores sureños de la ciudad, y muestra que la suposición predominante entre eruditos según los cuales la colina de la Ciudad de David permaneció fuera del área de establecimiento romano en los momentos de Aelia Capitolina, ya no era válida.

Los oficiales arrestaron al hombre que tenía ‘La Mujer Desnuda’ de Picasso, que se estima en $10 millones de dólares y lleva el sello del Museo Nacional de Kuwait. El sospechoso, declaró haber prestado servicio en las fuerzas de seguridad de Saddam Hussein, y le dijo a la policía que pensaba vender la pintura en $450.000.

Este no es el primer caso que involucra una pintura de Picasso saqueada de Kuwait. La policía turca encontró la misma pintura en un automóvil que provenía de Iraq, durante una búsqueda el 15 de Noviembre del año 2000. El legislador turco Mustapha Bayram fue arrestado 5 meses más tarde cuando trató de vender ‘La Mujer Desnuda’ y ‘El Payaso’, otro trabajo de Picasso. Bayram dijo que él le compro las pinturas a una mujer que las había obtenido de un general Iraquí.

Ciertas tardías evaluaciones comprobaron que las pinturas eran falsificaciones.

Entre sus capítulos recalcitrantes existe una tensión entre la progresiva modernidad y la alteridad de un conocimiento romántico. En esta tensión, concentrándose en los paisajes codificados con nociones místicas de la historia tanto geológicas como mágicas, que la exhibición busca atravesar. El Monarca Oscuro examinará críticamente a la magia como la contraparte al conocimiento liberal de la transparencia moderna y el progreso racional. La muestra se centrará en las formas en las que las formas mágicas de fe y escepticismo, revelación, y el ocultamiento suplementario entre cada uno. Aquí, la magia es designada como un campo conceptual –compartida con las nociones de fetichismo, brujería, lo oculto, el tótem, el mana, y el tabú- que fueron predominantemente creados para definir la antítesis de la modernidad. Es una producción de ilusión y desilusión que fue pensada para retroceder y desaparecer a través de la secularización. Las obras en exhibición confrontarán el sentimentalismo, la poética, o las tendencias voluntarias que fueron excluidas, tendencias que fueron enjaezados por visiones románticas que se convirtieron en fundamentales para los caprichos de la estética de la ruina.

El Monarca Oscuro sostiene que la magia pertenece a la modernidad, revelando las correspondencias y nostalgias por las cuales lo mágica puede venir a atormentar a la modernidad. El Monarca Oscuro reza por ser una constelación que evoca y funde lo real con lo imaginario: dibujo automático, esculturas de cera, collages botánicos, bustos esotéricos, imaginería apropiada, y filmes evocativos son manipulados con efectos de transformación a través de las generaciones del arte británico. La muestra atravesará los puntos históricos en los cuales los artistas disfrutan de degradar lo conocido y lo perverso de una cultura racional. La exposición y los eventos relacionados tejerán juntos los ficciones interconectadas que formar un paisaje de conexiones rotas. La señalización del camino poseerá obras que conspirarán para formar un arrastre entrópico que define un territorio agitado de conocimiento romántico, un conocimiento que busca confrontar a la laguna, la ficción ausente en el corazón de la novela de Berlin.

Realizado desde archivos y trabajos de la colección del Tate por artistas históricos y contemporáneos, así como por un número de préstamos, la exposición realineará la influencia del modernismo temprano, y la reaparición del neo-romanticismo y referencias misteriosas, en un hilo significante de prácticas artísticas internacional actuales.

Lanzado en 2003, el Atlas provee rápido y fácil acceso a una base de datos excepcional de 26.000 trabajos de los 35.000 existentes, los cuales están en exposición permanente en el Museo. Actualmente, 5.500 artistas de disciplinas muy variadas están siendo presentados en este sitio web. Además de las vistas de las galerías, el Atlas también ofrece un ‘Álbum’ virtual, en el cual el visitante puede seleccionar un número de obras de arte y navegar de forma personalizada por el Museo.

La versión en inglés del Atlas ofrecerá 22.000 obras de arte, o lo que es lo mismo, 80% de su base de datos original, mostrando las obras más representativas de la increíble colección del Louvre de París.

Alison Lloyd, Jefe de Artes Visuales y Literatura, del Consejo de Artes de Inglaterra, de East Midlands dice: " Este es un evento obligatorio de ver en Lincolnshire, con artistas internacionalmente renombrados. Esto es solamente el principio de la sociedad del Consejo de Artes con la National Trust y estamos emocionados de que el Este Midlands está entre los primero implicados. "

Linda Florence, cuyo excitante trabajo incluye proyectos para el V&A, producirá un trabajo a gran escala en el césped delante del castillo de Tattershall, implicando cientos de horas de recorte cuidadoso de la hierba. El trabajo se revelará a los visitantes en cuanto ellos suban la escalera de piedra del castillo para ganar el mejor punto de vista de la azotea del castillo, desde el techo de combate del lugar. Los miembros de la escuadrilla de RAF Coningsby, Lincolnshire han comprometido sus ratos libres para ayudar a completar la comisión.

Empapelado diseñado por Linda Florence

Los proyectos recientes de Catalina Bertola incluyen una comisión prestigiosa para el Museo V&A, ' Todo y Nada '. Para Tattershall, ella fue inspirada por los textiles que al principio habrían adornado las paredes del castillo. Está creando un nuevo trabajo específico para el proyecto que incorpora las imágenes de hilado y tejido de la plebe y los cuentos de hadas. Una serie de telarañas doradas hechas por Bertola y colgadas en el castillo, embromarán la rica historia del castillo, e ilustrará la idea del paso del tiempo.

Geraldine Pilgrim se especializa en instalaciones para edificios insólitos, y creó un trabajo sumamente acertado para el Pasillo Belsay de la Herencia Inglesa en 2007. En Tattershall, se sintió inspirada por las imágenes medievales asociadas con torres, incluyendo la leyenda duradera de ' la doncella angustiada’, atrapada en una torrecilla. Pilgrim está creando un trabajo sumamente cargado que usará cajas de embalar y cajas para revelar los mitos del castillo, explorando y exponiendo las historias verdaderas e imaginadas del castillo que habían sido olvidadas a través de los siglos.

Instalación de Geraldine Pilgrim

Los KMA han demostrado el poder de transformar radicalemente espacios icónicos, como su notorio "Lago de Cisnes para peatones " en Trafalgar Square de Londres en 2007. En Tattershall, ellos usarán el cine y el audio para recrear la oscuridad y los sótanos del castillo. La versión actualizada y anárquica de los artistas de 'una guía de turismo' tejerá los hechos y la ficción, en una narrativa que gradualmente se revelará a los visitantes mientras ellos atraviesan los espacios atmosféricos de los viejos sótanos. La guía irá contando la historia de Lord Ralph Cromwell, quien construyó el castillo, y Lord Curzon, quien lo salvó.

Sarah Price creará un jardín salvaje secreto en las tierras del castillo. Price estudió artes visuales pero es también una paisajista muy exitosa. Ella es un medallista del Chelsea Flower Show Silver y será la diseñadora del jardín botánico para el Parque Olímpico 2012. A través de los siglos, el castillo se deterioró y quedó en ruinas, pero fue rescatado y restaurado en 1912. El jardín del Tattershall del Price fue inspirado por el período cuando el castillo fue abandonado.

Rebecca Speight, Directora para la National Trust East Midlands dice: "Esto es el Castillo Tattershall como los visitantes nunca lo han visto antes y es la oportunidad perfecta para disfrutar de lo mejor del arte contemporáneo en un edificio de herencia icónica. Estamos emocionados de que las historias de las personas y la arquitectura de un edificio medieval tan dramático puedan inspirar innovadoras y realmente excitantes piezas de arte contemporáneo."

Los visitantes de Alias Man Ray serán parte de la infinita experimentación del artista con más de 200 trabajos incluyendo fotografías, pinturas, esculturas y objetos, dibujos, películas y una selección de sus escrituras. Como primer espectáculo multimedial de Man Ray en un museo de la Ciudad de Nueva York desde 1974, la exposición presentará muchos trabajos icónicos como las fotografías Le Violon d'Ingres (1924) y Noire et Blanche (1926); la Guerra de pinturas (Año de Cristo. MCMXIV) (1914), el Bailarín de Cuerda Se acompaña con Sus Sombras (1916) y la Fortuna (1938); y la pantalla de madera La Fôret Dorée de Man Ray (1950).

Mejor conocido como fotógrafo, Man Ray de hecho se movió de un medio al otro como desafiando las fronteras estéticas. El espectáculo del Museo judío no se limita a un período de la carrera del artista o un único medio, como la fotografía. Este acercamiento es esencial para ilustrar cómo Man Ray continuamente rompió con la tradición estética y forjó una nueva identidad artística.

Él llegó a la mayoría de edad al principio del siglo XX en el auge del arte abstracto. Man Ray creció en Williamsburg, Brooklyn. Su padre trabajó como sastre y su madre era costurera. Después de su introducción a círculos de arte de Nueva York por el fotógrafo y propietario de galerías, Alfred Stieglitz, él se marchó a París - el centro del arte experimental - y fue absorbido por la vanguardia. El año era 1921 y Man Ray tenía 31 años. En París, él no fue percibido como judío, ni neoyorquino, pero como un americano librepensador que rápidamente ganó atención.

Para poder vivir, él tomó trabajos como fotógrafo de un amplio espectro de figuras literarias y artísticas. Aquel grupo ahora leía como un panteón modernista -André Breton, Jean Cocteau, Marcel Duchamp, James Joyce, Ernest Hemingway, Marcel Proust y Gertrudis Stein, entre otros-. Estos retratos innovadores, todo en exposición en la muestra, proporcionan una crónica del entorno social en el cual Man Ray prosperó.

Man Ray se comprometió en un proceso constante de autoinscripción y borradura, logrando burlar a cualquiera que quisiese etiquetarlo. Como su amigo íntimo y Dadaísta Marcel Duchamp, Man Ray tomó el placer por los juegos y las expectativas que confunden. Con su independencia firme y su necesidad de explorar cada avenida artística, Man Ray forjó una visión que cambió la concepción que se tenía del arte mismo.

Para visitar el Museo Judío: http://www.thejewishmuseum.org/

Rembrandt y Lievens estudiaron juntos en Amsterdam bajo la tutoría de Pieter Lastman. El doctor Wheelock está convencido de que Rembrandt era el modelo para la figura jovial central que lleva una capa azul. La figura es similar al Retrato posterior de Lievens de Rembrandt de 1629 (en préstamo al Rijksmuseum de una colección privada). El autorretrato de Rembrandt más cercano a la imagen de este cuadro es uno de 1629-30, Autoretrato con gorguera (Germanisches Nationalmuseum, Nürnberg). La figura en la pintura de Lievens es un joven garboso, agradando el destino del perdedor en el juego.

Con su tardío trabajo, la teoría de Freud de las pulsiones se centra en la oposición entre la pulsión de muerte (Thanatos) y la pulsión de vida (Eros). Él procuró explicar la diversidad de vida psíquica por la interacción del conflicto entre estas dos pulsiones principales. "Eros y Thanatos" son el primer esfuerzo conjunto de los dos museos, y esto representa una continuación de la cooperación del Museo Sigmund Freud con la Colección Gráfica de la Academia de Bellas Artes de Viena.

Inge Scholz-Strasser, director del Museo Sigmund Freud, aclara: " En esta exposición hemos aunado una polémica teoría psicoanalítica con dos colecciones de arte internacionalmente significativas y de renombre histórico. Esta es la primera cooperación con el Museo Liechtenstein, que ha proporcionado trabajos claves gracias al préstamo al Museo Sigmund Freud."

Johann Kräftner, director del Museo Liechtenstein sigue: " Con esta exposición nos gustaría juntar las energías de los dos museos, proporcionando un nuevo impulso en un distrito que repetidamente era el lugar de nacimiento de grandes logros culturales en Viena. Por la cooperación de dos grandes antípodas, la casa y el lugar de trabajo de Sigmund Freud en Berggasse y el Palacio Liechtenstein, trabajando juntos con la Colección Gráfica de la Academia de Bellas Artes, nuevas realizaciones se han abierto gracias a la integración de una perspectiva transdisciplinaria en la consideración de los temas de los cuales se podría haber pensado que ya no había nada nuevo por conocer."

Francesco del Cairo (1607-1665) Lucrecia. Óleo sobre lienzo. Sammlungen des Fürsten von und zu Liechtenstein.

La exposición ilustra la teoría freudiana de las pulsiones a través de pinturas y gráficas de la antigüedad, el Renacimiento, etc. Durante la vida de Freud, los artistas como Schiele, Klimt y Kokoschka dedicaron gran atención al tema de la sexualidad sin alguna vez haber leído las teorías de Freud sobre el asunto. A la inversa, aunque Freud se sintiera mal entendido por sus adherentes en cuanto a Eros y Thanatos, él también no buscó contactarse con los artistas de su era, en cambio sólo prestó atención a las resonancias de sus teorías revolucionarias en las escrituras del filósofo presocrático Empedocles.

En " Eros y Thanatos " el Museo Sigmund Freud y el Museo Liechtenstein usa los textos de Freud en la exploración de la tensión entre la vida y la muerte, entre la violencia y la pasión con el trabajo de los artistas de varias épocas - de Durero a Giordano a la Secesión de Viena-.

Eros y Thanatos en el trabajo de Sigmund Freud

En Más allá del Principio de Placer (1920) Freud introdujo el concepto de pulsión de vida y de muerte por primera vez, por el cual él declaró que su concepto más temprano de una dualidad entre la pulsión de instinto de conservación y la pulsión sexual era más suficiente. Aunque un número de psicoanalistas expresaran la duda en cuanto a su nueva teoría, Freud dejó a un defensor enérgico de esta teoría para el resto de su vida.

Cristofano Allori (1577-1621) Judith con la Cabeza de Holofernes, 1613. Sammlungen des Fürsten von und zu Liechtenstein, Vaduz-Wien.

Según su ensayo, la pulsión de vida - Eros - se esfuerza de alargar la vida y se conecta con los objetos, mientras la pulsión de muerte - Thanatos - anhela una vuelta a una etapa más temprana de vida, un estado sin tensión y casi sin vida, y no se esfuerza de en establecer relaciones con el objeto. En los años pasados de Freud, sus teorías de Eros y Thanatos encontraron su resonancia creciente en la naturaleza violenta y autodestructiva de acontecimientos políticos y sociales en todo el mundo.

En su carta de 1932 a Albert Einstein, Freud unió a Eros con el gustar y Thanatos con el odiar, al mismo tiempo advirtiendo: " (...) debemos ser prudentes de tomar precipitadamente las nociones de bien y mal. Cada uno de estos instintos es tan indispensable como su contrario, y todos los fenómenos de vida provienen de su actividad. " La exposición "Eros y Thanatos" muestra cómo es continuamente relevante la lucha entre la pulsión externa tormentosa y la pulsión interna, las cuales han permanecido en lucha a lo largo de la historia de la humanidad.

"Bauhaus. Un Modelo Conceptual" relata la historia de esta escuela única. La enseñanza disciplinaria, experimental, el concepto de talleres orientados a la práctica, la búsqueda de respuestas a preguntas sociales, la propagación de estéticas funcionales así como la experimentación con nuevas técnicas y los materiales en la arquitectura y el diseño eran las preocupaciones más importantes de la escuela. Al mismo tiempo, la exposición revela cómo el desarrollo de la Bauhaus fue caracterizado por muchos cambios de concepto. Las discusiones sobre métodos y contenidos influyeron en el trabajo tanto como los ataques políticamente motivados.

El título de la exposición muestra la motivación de la Bauhaus por determinar un modelo común en el diseño. A lo largo de toda su existencia –con variedad de matices- bajo la dirección de sus tres directores Walter Gropius (1919-1928), Hannes Meyer (1928-1930) y Ludwig Mies der Rohe (1930-1933), la Bauhaus asumió la tarea de tipificar un modelo para la creación de los diseños: no sólo con respecto al nuevo tipo de escuela, pero también como su lugar en la vanguardia del arte contemporáneo y la arquitectura, como un laboratorio para el desarrollo de modelos para la industria y como una fuerza de cambio de la sociedad, con su interés en darle humanidad y una nueva forma a la sociedad moderna.

"Bauhaus. Un Modelo Conceptual" extraordinariamente demuestra el papel que los movimientos artísticos más relevantes - el Expresionismo, el Futurismo, el Dadaísmo, Neue Sachlichkeit, el Constructivismo, y el Surrealismo – jugaron en la Bauhaus entre 1910 y 1933, demostrado por los trabajos de Marcks, Muche, Kandinsky, Moholy-Nagy, Albers, Bayer, Breuer, Schlemmer, Feininger, Klee, Meyer, Hilberseimer y la furgoneta Mies der Rohe.

La exposición presenta no sólo los trabajos de los Maestros de la Bauhaus, sino también los de sus estudiantes. Estos ilustran el desarrollo artístico de la escuela y demuestra la impresión del impacto poderoso de la Bauhaus, sobre todo después de su cierre. Muchos estudiantes provenientes de la Bauhaus, ellos mismos más tarde se convirtieron en los artistas más influyentes de su generación, como Wilhelm Wagenfeld, Max Bill, Richard Paulick, Marianne Brandt, Lux Feininger y más muchos.

Para transportar la historia turbulenta y la creatividad diversa de la Bauhaus, la exposición " Bauhaus. Un Modelo Conceptual " escoge la perspectiva de la historia de su desarrollo. Así esto se diferencia de las muestras realizadas hasta el momento, que principalmente fueron orientadas alrededor de los talleres de la Bauhaus. Así, el primer espacio de un total de 18 cuartos de la galería de "Bauhaus. Un Modelo Conceptual " comienza con el concepto más temprano de la Bauhaus, en particular su fascinación con el "Bauhütte" medieval (el alojamiento masónico, en particular para la construcción de catedrales), y la importancia simbólica de la catedral Gótica que representa los principios del Gesamtkunstwerk –obra de arte total- y el trabajo en equipo. Una fotografía de la aguja de Ulm Muenster, que colgó en la oficina de Gropius a lo largo de su vida, ilustra esta premisa básica de la Bauhaus.

La Esfera En color de Ittens para la Orientación

El visitante entra a la exposición por una puerta situada en el vestíbulo histórico de Martin Gropius. Las formas geométricas básicas -el triángulo, el cuadrado y el círculo- resignifican sus funciones en las puertas para la entrada, el paso y la salida de la exposición. El cliché del Modernismo blanco y negro que saluda al visitante es la parte del diseño útilmente colorido de la exposición(muestra) en el vestíbulo de Gropius. En la referencia a la esfera de color de Johannes Itten, los arquitectos de la exposición chezweitz&roseapple delegaron un color a cada una de las etapas del desarrollo de la Bauhaus.

Así, una cinta colorida ata la presentación: comenzando con amarillo para los años de Weimar de la Bauhaus, siguiendo con naranja rojizo y púrpura para el período Dessau y finalizando con azul y verde para la fase de Berlín antes del cierre final.

¡¡Hágalo usted mismo! Bauhaus (DIY –Do It Yourself- Bauhaus)

La instalación realizada por Christine Hill " DIY Bauhaus - construye su propio Bauhaus! " es un comentario contemporáneo artístico dedicado a una leyenda. Christine Hill examina cómo la legendaria escuela de la Bauhaus ha llegado a penetrar en nuestra cultura actual. La idea de Christine Hill era la premisa que para la Bauhaus, la tarea de arte y diseño era incompleta si esta no incluía la dimensión política y social. Así, su punto de partida es la máxima de Hannes Meyer, "Necesidades de la gente, no lujos". Paralelamente a la comercialización de objetos de la Bauhaus como objetos de lujo, las ideas de la Bauhaus se convirtieron en triviales. Aquí es donde Christine Hill, que se hizo conocida con su "Volksboutiquen" (Pequeñas tiendas de moda De la gente) en 1995, comienza su instalación.

Ilka y Andreas Ruby, Bauhaus Infinito, video-instalación, 2009

En su video-instalación, " Bauhaus Infinito ", Ilka y Andreas Ruby entrevistan once figuras contemporáneas acerca de la actual importancia de la Bauhaus. ¿La Bauhaus es una entidad del pasado, o es significativa hoy? ¿Cuáles de sus originales intenciones se han abandonado, y cuál de sus ambiciones podrían ser continuadas hoy? ¿Cuáles ideas de la Bauhaus parecen actualmente irrealizables? ¿Hay allí algo que sinceramente debemos a la Bauhaus? ¿El desafío principal de la Bauhaus -el deseo para la unidad de los poderes creativos del arte, la artesanía, la tecnología y la ciencia- se ha hecho anacrónico hoy - o necesitamos esta clase de objetivos para esta sociedad cada vez más especializada?

Para encontrar las respuestas a estas preguntas, Ilka y Andreas Ruby encontraron varios personajes del diseño relacionados con la Bauhaus de algún modo - arquitectos, artistas, conservadores, diseñadores de comunicación, diseñadores de automóviles, historiadores de arte y empresarios-. Los comentarios de los entrevistados son temáticamente agrupados y montados en una conversación virtual.