Paul se encuentra parado a la izquierda de la cabeza de John Lennon. Pero, como una nueva exposición lo revela, Paul podría no haber estado en esta popular portada. “Beatles y los Transeúntes: los desconocidos de Abbey Road” (‘Beatles and Bystanders: the unknowns at Abbey Road’) será el título de esta muestra en Snap Galleries del espacio Picadilly en el centro de Londres. En ella se descubrirán, por primera vez, aquella docena de personajes que podrían haber estado en el lugar de Paul Cole, si alguna otra toma hubiese sido seleccionada para convertirse en portada del álbum.

El hombre detrás de la cámara fue Iain MacMillan (1938-2006), quien tomó 6 fotografías ese día, quedando seleccionada la quinta toma. Es la que todos conocemos, The Beatles cruzando de izquierda a derecha: Paul McCartney caminando con un cigarrillo en su mano; John y Ringo en trajes Tommy Nutter, con George Harrison a lo última, vestido de denim. Por su parte, Paul Cole se encuentra en el pavimento derecho, mientras que a la izquierda de la fotografía se encuentra el quinto Beetle… el Volkswagen Beetle, patente LMW 281F, el que adquirió un status inigualable luego de ese flash.

“No quiero declaraciones documentales o sociológicas”, escribió en la aplicación para una beca en el Guggenheim, que ganó en 1952, convirtiéndose en el primer fotógrafo negro en hacerlo. Su objetivo, explicó, era en realidad “una expresión creativa, un punto de vista penetrante y comprensivo de los negros, como, entiendo, sólo un fotógrafo negro puede interpretar”. Sus libros, como “El dulce matamoscas de la Vida”, un best-seller de 1955 y sus más famosas fotografías fueron altamente influenciables, preparando el terreno para los jóvenes fotógrafos como Beuford Smith y Carrie Mae Weems. Entre las imágenes más memorables esta aquella de la niña en un prístino vestido de graduación caminando por una calle desolada y sombría; un hombre que asciende fatigosamente del metro; y un retrato en escena de John Coltrane tocando con una mirada furiosa y entrecerrada.

“La gente negra no era retratada de una manera seria y artística”, declaró en 1982.

Peter Galassi, el jefe curador de fotografía del Museo de Arte Moderno, quien organizó una retrospectiva de DeCarava en 1996, dijo: “Tenía realmente un talento natural. Hacía una hermosa imagen seguida de otra. Miraba a la vida cotidiana de Harlem desde su intimidad, no desde una visión política o sociológica. Ningún fotógrafo blanco o negro había mostrado antes la vida común tan perceptiva y tiernamente, tan persuasivamente”.

Antes y después de la presentación de Ladyhawke, los artistas pintaron alejados, en áreas delimitadas para actuaciones callejeras, mientras la gente los rodeaba tomando fotos y dándoles charla. Larnach, quien nunca antes había hecho arte en vivo antes del lanzamiento, cree que es una manera para los artistas de ser honestos con el público. ‘Los artistas visuales han sido mimados con el hecho de no ser esperados de presentarse en vivo antes. Significa como artista que no puedes ser todo humo y espejos; debes revelar tus secretos y técnica’, dice ella. ‘Creo que quizás es algo que la audiencia merece ver y les da la oportunidad de entender cómo una obra de arte es creada y quién es el que la está creando’.

Ladyhawke

Mientras hay definitivamente algo fascinante en ver a los artistas trabajando y un dibujo materializado ante nuestros ojos, ¿es este el último escalón de la necesidad de inmediatez de la generación de Twitter o una nueva y excitante forma de arte como performance en vivo? Al atestiguar cada línea mientras es completada en la página, y no sólo simplemente ser conmovido por el resultado final, se trata tanto acerca del acto vivo de pintura o dibujo asó como del arte en sí mismo. El artista se convierte en el performer y el público esperanzadamente encontrará al arte mucho más accesible y espontáneo que en los confinamientos más formales de una típica galería de arte.

Para un artista con base londinense, Kilford, conocido como ‘el pintor músico’, su práctica entera se basa en pintar música, en vivo en grandes conciertos. Kasabian, Paul Weller, Damon Albarn, los Black Eyes Peas y Baaba Maal han tenido todos canciones traducidas al arte por él –y él regularmente también hace ‘bocetos guerrilleros’ entre las multitudes de los festivales. ‘Me veo a mi mismo como un performer así cómo a un artista y siento una especie de comezón cuando pinto en frente de una audiencia’, él explica. ‘No soy la primera persona en pintar imágenes en frente de un público, pero ahora vivir al arte como una forma prominente se está destacando por sobre todas las cosas. Ayuda a acercar a la gente al arte porque logran experimentar el proceso creativo y ser parte de la ecuación’.

Pintura de Kilford, creada en vivo en el gig de Kasabian

Pinturas como las de Kilford, completadas durante la duración de una canción o un set musical, usan diferentes habilidades para esas necesitadas para producir naturalezas muertas detalladas o complejos retratos. Así como la necesidad de trabajar rápidamente, los artistas que pintan o dibujan en vivo necesitan alimentar la atmósfera del público y utilizarla para mejorar su trabajo. Esta manera de trabajar va con algunos –como los artistas de graffiti quienes han trabajado siempre rápido sobre las paredes para no ser atrapados- más que a otros, como Terry Guy, fundador de la agencia de diseño creativo Monorex y las batallas de arte Secret Wars (Guerras Secretas), lo sabe muy bien. Por 3 años, él ha venido organizado las Secret Wars en todo el mundo, en donde le es dada media pared blanca a dos artistas, marcadores negros y 90 minutos para producir el mejor dibujo posible. Así como a los dos jueces, el ganador del torneo –quien generalmente se va con £1,000 de premio- es elegido por una audiencia lectora.

‘No son batallas de graffiti porque los artistas no utilizan pintura en aerosol; yo las llamo batallas de ilustración’, dice Guy. ‘Los artistas pueden ser desde artistas de bellas artes de la Central Saint Martins hasta artistas callejeros y de graffiti; es una plataforma para cualquier artista que quiera asistir y llevar a cabo un freestyle. Hay suficiente talento ahí afuera y necesitan un lugar donde exhibirlo’.

Además de ayudar a incrementar el perfil y la confidencia de artistas poco conocidos, las batallas son muy cargadas y el público está implicada en lo que pasa en vivo. ‘El fin original era relacionarse con el público y ahí radica la belleza de todo esto. Cuando empezamos no me di cuenta de que sería tan popular. Las multitudes les gritaban a los artistas igual que en un partido de futbol’.

El arte en vivo es sólo eso, vivo. Está lleno de energía y excitación y motiva a la gente a comprometerse visualmente. Los dibujos terminados pueden no poder ser comparados con las grandes obras de arte pero no es lo que realmente tratan de hacer; es una forma muy diferente de arte. En vez,el proceso creativo es parte del arte mismo,como performances, son divertidos para ser vistos.

Etiquetas Artísticamente Inspiradas en la Música de Beck (www.becks.co.uk)

Kilford: el pintor de música (www.themusicpainter.com)

Secret Wars: batallas de arte en vivo (www.secretwars.co.uk)

La muestra está dividida en 6 sectores: imágenes inéditas y reveladoras tomadas detrás de escena; imágenes sensibles de los músicos en los inicios de sus carreras; alegres fotografías de presentaciones en vivo que demuestran la energía, la pasión, el estilo y el sex appeal de las bandas en el escenario; imágenes poderosas de las multitudes y fans que son a menudo evocadores de pinturas históricas; retratos que revelan el alma y la creatividad, más que lo superficial y la popularidad de los músicos; e imágenes conceptuales y portadas de álbumes remarcando los esfuerzos colaborativos entre los realizadores de las imágenes y los músicos.

Tina Turner

¿Quién disparó al Rock & Roll?: Una Historia Fotográfica, 1955 hasta el Presente está organizada por el Museo Brooklyn con el curador invitado Gail Buckland.

Niveles de la Nada fue inspirada por las exploraciones sinestésicas de Vasily Kandinsky, notorias en Der gelbe Klang (Sonido amarillo, 1912), una composición en la cual él propone la unión de los sentidos usando niveles de abstracción. Lozano-Hemmer emplea un micrófono computarizado para analizar la voz en vivo en tiempo real y extraer así información física y lingüística que controla todo un conjunto de luces de un concierto de rock & roll, creando un show de colores tranquilos que rodean al teatro. Isabella Rossellini primeramente activará la instalación a la vez que lee textos filosóficos seminales acerca del escepticismo, la percepción, y el color, incluyendo el tratado de Francisco Sanches ‘Que no se sepa nada’ (1581) y escritos de Kandinsky, Johann Wolfgang von Goethe, y Ludwig Wittgenstein, entre otros. Seguido de la performance, la audiencia será invitada a testear el micrófono generador de color. El compromiso del público es central en la práctica de Lozano-Hemmer, y sus frecuentes instalaciones a gran escala fueron incluidas en exhibiciones y proyectos internacionales como la 25º Exhibición Internacional de Arte de la Bienal de Venecia en 2007, como primer artista en oficialmente representar a México; Parque Pulse en el Madison Square Park de Nueva York en 2008; y los venideros Juegos Olímpicos en Vancouver en 2010.

El Jinete Azul en Performance
Coproducido con el Teatro Miller en la Universidad de Columbia

El seminal Der Blaue Reiter (Almanaque de ‘El Jinete Azul’) de 1912 de Kandinsky amalgamó el arte, la música, y la escritura a partir de movimientos de vanguardia de toda Europa, capturando un breve instante de experimentación internacional que fue abruptamente suspendida por el advenimiento de la Iª Guerra Mundial. Inspirada por el Almanaque de El Jinete Azul, esta producción explora la dinámica interacción entre música, luz e imaginario visual arraigado en las conexiones de Kandinsky con artistas en Rusia y Alemania. La pianista Sarah Rothenberg y la soprano Susan Narucki tocarán música de la era, acompañadas por proyecciones de luz. El cuarteto de cuerdas de Brentano performará el innovador Segundo Cuarteto de cuerdas de Schoenberg, un movimiento mediante el cual seremos devueltos a la vida en una nueva comisión por Armitage Gone. Las presentaciones serán en el Teatro Miller de la Universidad de Columbia el Miércoles 23 de Septiembre y el Viernes 25 de Septiembre a las 20 hs.

Los 6,728 pies cuadrados de las galerías de exhibición permanente incluyen:

Películas: están incluidas 20 películas en la exhibición permanente:

►La Introducción – Un film de ritmo veloz proyectado en una pantalla de 12 pies, que introduce al visitante a los temas y contenidos de la exhibición. La línea de tiempo de los 60’s – una línea de 3 proyectores, que mezcla a la perfección imágenes icónicas y sonidos de la tumultosa década-.

►Cultura Popular de los 60’s – Una colección de 4 cortometrajes acerca de la vida en los 60’s: estilos y modas, radio, televisión y suburbios.

►1968: Un año que sacudió América – Producida por The History Channel, este film de 10 minutos acerca del año 1968 examina los eventos más significantes de este traumático año, desde la Ofensiva TET y las protestas contra la guerra de Vietnam, hasta los asesinatos de Martin Luther King Jr., y Robert Kennedy, siguiendo por las convenciones y elecciones presidenciales y la primera visita del hombre a la Luna.

►Una Revolución Musical – Narrada por Dennis Elsas, cubriendo la dramática pero creativa transformación del rock & roll durante los 60’s.

►Planeando Woodstock – Una colección de 4 cortometrajes que muestran todos los aspectos del nacimiento de Woodstock: La Idea, El Lugar, Los Participantes, y La Película.

►El Bus – Proyectada al revés desde el parabrisas de un bus escolar –ahora transformado en un bus psicodélico- la película representa muchos de los viajes que llevaron a Woodstock atravesando todo el país.

►Experiencias en el Festival – Una colección de 4 cortometrajes que examinan los diversos aspectos de la experiencia Woodstock: la Comuna de la Granja Porcina, el Plan de Seguridad, Historias en el Campo, y los Observadores Locales.

►La Experiencia del Festival – Proyectado en 9 proyectores a lo largo de 4 pantallas que miden 62 pies x 50 pies, altas y mezcladas muy bien con una inmersión de 270 grados, este film de 11 minutos de sonido sorround ubica al espectador en el público del festival. La gente, las historias, la música, los sonidos y las vistas de los 3 días de Woodstock desprendidos al rededor del visitante.

►Woodstock: La Música – Proyectando el metraje de Woodstock por primera vez en un video de 1080 pies de alta definición y con sonido sorround 5.1, este film de 21 minutos captura las mejores performances de la Feria de Arte y Música Woodstock, muchas de las cuales raramente fueron vistas con anterioridad. Proyectada en una pantalla de 22 pies x 13 pies, narrada por el actor William Devane, el film cuenta la historia desde el punto de vista de los músicos, todos veteranos del concierto de 1969 así como muchos artistas jóvenes, contemporáneos y populares, que hablan de las inspiradoras y emocionales performances que podemos ver.

►Woodstock y los 60’s: ¿Qué significan hoy? Famosos y no tan famosos, jóvenes y no tan jóvenes, los individuos hablan en la actualidad de la moda de la continuidad del impacto de los 60 y Woodstock en sus vidas.

Museo en Bethel Woods

Producciones Interactivas:

►El Top 40 – Extractos de las mejores canciones de cada año, desde 1960 hasta 1968, con narraciones interpretativas de cada una en su contexto temporal.

►La Música de 1969 – Secciones de canciones populares por cantantes y bandas de 1969 son seleccionadas por los visitantes del Museo y acompañadas por narraciones que explican por qué el artista tocó o no en Woodstock.

►El Mapa de la Feria de Arte y Música Woodstock – El visitante del Museo puede visitar más de 20 puntos importantes de los 3 días que duró el festival de Woodstock, aprendiendo datos interesantes de cada uno de ellos: Escenario Principal, la Granja Porcina, Campings, Bosques, e incluso el lugar donde estaban localizados los baños!

►Historias Personales – Dos cabinas donde los mismos visitantes pueden compartir una historia personal acerca de Woodstock, los 60’s, o sus experiencias en el Museo de Bethe Woods vía audio, video y /o texto.

►La Música después de Woodstock – Trocitos de las mejores canciones después de Woodstock, las cuales han transmitido la herencia y los temas de esa época. Las narraciones interpretativas ofrecen detalles fascinantes acerca de las canciones y los artistas.

Tecnología: el Museo en Bethel Woods utiliza una arquitectura con distribución de AV centralizado en la cual los contenidos son archivados de forma digital en servidores computarizados en una locación particular, y alimentados por 5.760 pies de fibra óptica y cables Cat 5 de 17 monitores de video proyección de alta definición, y 15 computadoras con touchscreen interactivas a lo largo de la exhibición.

El sistema usa software Watchout y Medialon. Watchout construye y activa los shows, perfectamente mezclando todos los video proyectores. Medialon actúa como control del show, organizando todas las producciones a lo largo del museo. SoundWeb provee la distribución y programación de la red de audio.

Fotografías: Aproximadamente 330 fotografías son impresas en los paneles y murales del Museo. Más de 2.000 elementos fotográficos, musicales y fílmicos están incluidos en las películas y los medios interactivos.

Artefactos: Más de 300 objetos fueron coleccionados a lo largo de muchos años por el staff curatorial del Museo. En exhibición permanente hay únicamente 164. Por otro lado, algunos están en préstamo en el Hall de la Fama del Rock & Roll, y en la Warner Bros. Entertainment.

La muestra permanente ‘Dentro del Antiguo Egipto’ del Museo Field, es una exhibición elaborada y dramática que cuenta la historia del misterioso mundo de los egipcios. Esta muestra deslumbrante, que abrió en 1988, ofrece a sus visitantes la única oportunidad fuera de Egipto para verdaderamente entrar y explorar la tumba mastaba Egipcia de Unis-Ankh, hijo del Rey Faraón Unis, en tamaño real.

Los visitantes primero recorren los niveles superiores de la tumba mastaba y luego descienden a través de un eje de 35 pies hasta llegar a la cámara de entierro subterránea. Después de salir a través del túnel de los ladrones de la tumba, los visitantes pueden encontrar dioramas y escenas de esta avanzada y todavía misteriosa cultura. A lo largo del recorrido los interesados encontrarán al rededor de 30 momias humanas e incontable cantidad de animales momificados.

La colección egipcia del Museo Field combina una presentación magistral de la vida egipcia en configuraciones realistas para crear una experiencia fuerte e inolvidable. Aquí, los visitantes se comprometen activamente tanto con los objetos como con las ideas: explorando una tumba egipcia de 3 historias, caminando a través de una extensión del Valle del Río Nilo, y visitando un mercado antiguo.

Wertheimer tenía total acceso y documentó a Elvis en la gira, entre bastidores, en el concierto, en el estudio de grabación y en su casa en Memphis, Tenn. El coronel Tom Parker", el gerente de Elvis, restringió el contacto justo un tiempo más tarde. Las fotografías documentan un tiempo notable cuando Elvis podía sentarse solo en una barra de droguería.

"Conocían a Henri Cartier-Bresson por fotografiar lo que él llamó ' el momento decisivo, ' ese momento cuando todo se cae en el lugar," dijo Wertheimer. "Pero estuve más interesado en los momentos antes o después del momento decisivo."

Wertheimer estuvo cerca de capturar un encuentro coqueto con una joven entre bastidores en Richmond, Va. Él estaba en el estudio de grabación de la Ciudad de Nueva York durante el día histórico durante el cual Elvis grabó "No Seas Cruel" "y el Perro de Sabueso." Ambas canciones con éxito en el Nº 1 en los charts, el primer y único momento en el cual un disco single alcanzó esta distinción.

Wertheimer también se unió a Elvis después de la sesión de grabación cuando él viajaba a casa a Memphis en tren. Una imagen muestra a Elvis como parte de la muchedumbre que rodea a un vendedor de almuerzos sobre una plataforma del tren durante una parada en medio del viaje de 27 horas. El anonimato que él tuvo durante esta parada fue efímero; al viaje le siguieron algunos meses en los cuales Elvis apareció en los programas de televisión "Stage Show", " El Espectáculo de Milton Berle" y “El Espectáculo de Steve Allen." Las fotografías de un concierto en el Parque de Russwood a su vuelta a Memphis muestran a un joven que ahora debía tener un escolta de policía para pasar a través de la muchedumbre de admiradores entre su coche y el estadio.

El espíritu tribunero de Simmons y Stanley gritaba en un impecable inglés norteamericano ‘louder, louder’.

Las estrellitas de la noche, entendemos: Shout it Out Loud, I was made for loving you, Detroit Rock City, I wanna rock and roll all nite and party every day!!!!!!!!!!!!!!!!

Sin duda, seguimos agitando las cabezas.

Dos pasajes a la noche
(Pedro Aznar)

afuera
se calló la gritería
el pueblo se acurruca temeroso
contra las montañas
a no poder contar la enormidad
de estrellas
de lejos el viento trae música borracha
sacudida en la coctelera
de un galpón
que de día ha de servir de fábrica
de cosas inservibles
más plástico
para que arrastre el río
somos dos en esta habitación
y sobran camas
incómoda presencia
que parece burlarse del peso
de la corporeidad
la altura da un perpetuo
dolor de cabeza
de esos que ni cesan
ni alcanzan para desesperar
como una pregunta sin respuesta
alguien sopla una quena lastimera
a la distancia y todo se detiene
las constelaciones
la harina en las veredas
el olor a comino y a chicha
y tu cara y la mía
mañana cenizas
igual que el carnaval