Irving Penn fue un verdadero maestro para todos. En el retrato publicado por el New York Times para su muerte, leemos: “probablemente él posea su fama gracias a sus fotos de modelos glamourosas y sus retratos de personajes importantes de la cultura, pero podía estar tranquilamente en su casa fotografiando campesinos peruanos.” Un genio contemporáneo de la cámara quien, a través de su arte, dejó una herencia considerablemente extraordinaria para la nueva generación de fotógrafos.

Estos artistas trabajaron en un período tanto de cambios políticos gigantescos como de una actividad artística muy rica. Su trabajo refleja las problemáticas posrevolucionarias de la agitación política y social mexicana. Los posters políticos, folletos, libros y anuncios políticos fueron creados para ilustrar el estilo fuerte y directo del TGP así como su compromiso y respuesta a la agenda de las reformas políticas que fueron parte del gobierno Cardenista en el México de ese momento.

Esta muestra acompaña el intento de su catálogo de avanzar en el creciente interés y las becas de los artistas del Taller de Gráfica Popular, ofreciendo su interpretación de la dignidad de la condición humana en el contexto social de los movimientos reformistas de ese momento. Sus pinturas y representaciones de los obreros y campesinos, y las luchas sociales del pueblo marcan al Taller de Gráfica Popular como un agente revolucionario importante por mano propia.

Cuando Steichen tomó el trabajo de Condé Nast por primera vez, en seguida se transformó en un furor. Ya era una figura bien establecida en las artes de los movimientos de la fotografía a finales del siglo XIX y principios del XX y cuando se pasó al mundo de las revistas, este cambio fue visto como una traición. Igualmente, Steichen creía que las fotografías constituían una nueva forma poderosa de comunicación –y las páginas de Vogue y Vanity Fair constituyeron una plataforma irresistible.

“Steichen hacía posar a sus figuras en asombrosos ambientes, con luces dramáticas y tomaban de ellas una vitalidad que las fotografías apenas parecen capaces de contener”, explicó Sophie Hackett, Asistente de Curaduría de Fotografía AGO. “Sus fotografías son lastimeras, lánguidas, ingeniosas y llenas de gracias. Él promovió un nuevo lenguaje visual del glamour, profundamente formando la visión de las celebridades y la moda hasta hoy”.

“Edward Steichen se dispuso hacer de Vogue un Louvre”, dijo Matthew Teitelbaum, director de Michael y Sonja Koerner AGO y CEO. “Y con esta muestra de sus fotografías glamourosas y los retreatos de celebridades, reconocemos su trabajo innovador”.

“Los voluntarios de AGO disfrutan de promover el arte y compartir su conocimiento y tiempo con los visitantes”, dijo la Presidente Voluntaria de AGO Anne Marie Smith. “Estamos orgullosos de ser los sponsors de la exhibición de Edward Steichen con los fondos del Trust de la Dotación de Voluntarios. El glamour y la elegancia de las fotografías hacen del trabajo de Steichen algo fácil de compartir”.

En exposición desde el 26 de Septiembre de 2009 hasta el 3 de Enero de 2010, Edward Steichen: en Alta Moda, los últimos Años de Condé Nast, 1923-1937 es una atípica oportunidad para ver el trabajo de un hombre que sabía que la fotografía podía provocarnos un desmayo.

"Bauhaus. Un Modelo Conceptual" relata la historia de esta escuela única. La enseñanza disciplinaria, experimental, el concepto de talleres orientados a la práctica, la búsqueda de respuestas a preguntas sociales, la propagación de estéticas funcionales así como la experimentación con nuevas técnicas y los materiales en la arquitectura y el diseño eran las preocupaciones más importantes de la escuela. Al mismo tiempo, la exposición revela cómo el desarrollo de la Bauhaus fue caracterizado por muchos cambios de concepto. Las discusiones sobre métodos y contenidos influyeron en el trabajo tanto como los ataques políticamente motivados.

El título de la exposición muestra la motivación de la Bauhaus por determinar un modelo común en el diseño. A lo largo de toda su existencia –con variedad de matices- bajo la dirección de sus tres directores Walter Gropius (1919-1928), Hannes Meyer (1928-1930) y Ludwig Mies der Rohe (1930-1933), la Bauhaus asumió la tarea de tipificar un modelo para la creación de los diseños: no sólo con respecto al nuevo tipo de escuela, pero también como su lugar en la vanguardia del arte contemporáneo y la arquitectura, como un laboratorio para el desarrollo de modelos para la industria y como una fuerza de cambio de la sociedad, con su interés en darle humanidad y una nueva forma a la sociedad moderna.

"Bauhaus. Un Modelo Conceptual" extraordinariamente demuestra el papel que los movimientos artísticos más relevantes - el Expresionismo, el Futurismo, el Dadaísmo, Neue Sachlichkeit, el Constructivismo, y el Surrealismo – jugaron en la Bauhaus entre 1910 y 1933, demostrado por los trabajos de Marcks, Muche, Kandinsky, Moholy-Nagy, Albers, Bayer, Breuer, Schlemmer, Feininger, Klee, Meyer, Hilberseimer y la furgoneta Mies der Rohe.

La exposición presenta no sólo los trabajos de los Maestros de la Bauhaus, sino también los de sus estudiantes. Estos ilustran el desarrollo artístico de la escuela y demuestra la impresión del impacto poderoso de la Bauhaus, sobre todo después de su cierre. Muchos estudiantes provenientes de la Bauhaus, ellos mismos más tarde se convirtieron en los artistas más influyentes de su generación, como Wilhelm Wagenfeld, Max Bill, Richard Paulick, Marianne Brandt, Lux Feininger y más muchos.

Para transportar la historia turbulenta y la creatividad diversa de la Bauhaus, la exposición " Bauhaus. Un Modelo Conceptual " escoge la perspectiva de la historia de su desarrollo. Así esto se diferencia de las muestras realizadas hasta el momento, que principalmente fueron orientadas alrededor de los talleres de la Bauhaus. Así, el primer espacio de un total de 18 cuartos de la galería de "Bauhaus. Un Modelo Conceptual " comienza con el concepto más temprano de la Bauhaus, en particular su fascinación con el "Bauhütte" medieval (el alojamiento masónico, en particular para la construcción de catedrales), y la importancia simbólica de la catedral Gótica que representa los principios del Gesamtkunstwerk –obra de arte total- y el trabajo en equipo. Una fotografía de la aguja de Ulm Muenster, que colgó en la oficina de Gropius a lo largo de su vida, ilustra esta premisa básica de la Bauhaus.

La Esfera En color de Ittens para la Orientación

El visitante entra a la exposición por una puerta situada en el vestíbulo histórico de Martin Gropius. Las formas geométricas básicas -el triángulo, el cuadrado y el círculo- resignifican sus funciones en las puertas para la entrada, el paso y la salida de la exposición. El cliché del Modernismo blanco y negro que saluda al visitante es la parte del diseño útilmente colorido de la exposición(muestra) en el vestíbulo de Gropius. En la referencia a la esfera de color de Johannes Itten, los arquitectos de la exposición chezweitz&roseapple delegaron un color a cada una de las etapas del desarrollo de la Bauhaus.

Así, una cinta colorida ata la presentación: comenzando con amarillo para los años de Weimar de la Bauhaus, siguiendo con naranja rojizo y púrpura para el período Dessau y finalizando con azul y verde para la fase de Berlín antes del cierre final.

¡¡Hágalo usted mismo! Bauhaus (DIY –Do It Yourself- Bauhaus)

La instalación realizada por Christine Hill " DIY Bauhaus - construye su propio Bauhaus! " es un comentario contemporáneo artístico dedicado a una leyenda. Christine Hill examina cómo la legendaria escuela de la Bauhaus ha llegado a penetrar en nuestra cultura actual. La idea de Christine Hill era la premisa que para la Bauhaus, la tarea de arte y diseño era incompleta si esta no incluía la dimensión política y social. Así, su punto de partida es la máxima de Hannes Meyer, "Necesidades de la gente, no lujos". Paralelamente a la comercialización de objetos de la Bauhaus como objetos de lujo, las ideas de la Bauhaus se convirtieron en triviales. Aquí es donde Christine Hill, que se hizo conocida con su "Volksboutiquen" (Pequeñas tiendas de moda De la gente) en 1995, comienza su instalación.

Ilka y Andreas Ruby, Bauhaus Infinito, video-instalación, 2009

En su video-instalación, " Bauhaus Infinito ", Ilka y Andreas Ruby entrevistan once figuras contemporáneas acerca de la actual importancia de la Bauhaus. ¿La Bauhaus es una entidad del pasado, o es significativa hoy? ¿Cuáles de sus originales intenciones se han abandonado, y cuál de sus ambiciones podrían ser continuadas hoy? ¿Cuáles ideas de la Bauhaus parecen actualmente irrealizables? ¿Hay allí algo que sinceramente debemos a la Bauhaus? ¿El desafío principal de la Bauhaus -el deseo para la unidad de los poderes creativos del arte, la artesanía, la tecnología y la ciencia- se ha hecho anacrónico hoy - o necesitamos esta clase de objetivos para esta sociedad cada vez más especializada?

Para encontrar las respuestas a estas preguntas, Ilka y Andreas Ruby encontraron varios personajes del diseño relacionados con la Bauhaus de algún modo - arquitectos, artistas, conservadores, diseñadores de comunicación, diseñadores de automóviles, historiadores de arte y empresarios-. Los comentarios de los entrevistados son temáticamente agrupados y montados en una conversación virtual.