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Las últimas exposiciones nacionales e internacionales

La Mona Lisa parlante

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Por siglos, la Mona Lisa de Leonardo Da Vinci y su enigmática sonrisa ha inspirado tanto especulación como admiración. Ahora, ella está lista para responder estas preguntas: en Mandarín.

 

Una versión digital, interactiva de la renombrada pintura del siglo XVI, es una de las 61 réplicas de tecnología de avanzada que toma toman vida en clásicas y antiguas obras de arte en la ‘Exposición Clásica Interactiva de Artes’, la cual comenzó esta semana en Beijing.

 

La Mona Lisa parlante

 

Estas recreaciones de obras de viejos maestros y renombrados artistas modernos fueron trabajadas por una galería de Corea del Sur. El organizador de la exposición, Wang Hui, dijo que llevó dos años de preparación y una fuerte inversión llevar los trabajos a China.

 

‘Lo que es especial de esta exposición es que es la primera vez que la tecnología 3d, la tecnología holográfica y la tecnología de reconocimiento de vez se fusionan es un única exhibición’, dijo Wang a la Reuters. Como es el caso de la Mona Lisa original en el Louvre de Paris, la Mona Lisa digital es la atracción estrella de la muestra. Ella habla y saluda a los espectadores, quienes le preguntan su edad y acerca de su vida.

 

‘Hola, soy la Mona Lisa. Es un gusto conocerte’, dice ella en mandarín.

‘La Última Cena’ es otra pintura de Da Vinci digitalmente traída a la vida, en la cual Jesús habla a los apóstoles y se mueve a lo largo de la tela.

 

La exposición también incluye replicas multimediales en tamaño real de estatuas de los antiguos griegos y romanos de dioses y diosas, quienes se jactan de sus virtudes y belleza posando.

 

‘Estudié bellas artes en la universidad. En los estudios todas las obras son estáticas, pero aquí están vivas y se mueven. Es sorprendente y vivaz’, dice un espectador, Zhao Yuanzhi.

 

Así como la muestra trata de revelar el arte desde una luz diferente, también intenta responder una de las preguntas constantes del mundo: ¿qué hay detrás de la sonrisa de la Mona Lisa?

 

Cuando se pregunta, el retrato digital está programado para hablar acerca de cómo ella quedó embarazada luego del fallecimiento de un niño y acerca del dolor y la felicidad en su vida. Ella también reconoce que muchas personas encuentran su risa misteriosa.

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La Casa de los 5 murales de Rivera

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Las autoridades mexicanas están analizando la compra de una casa con vistas al mar de Acapulco, la cual pertenece a los herederos de la coleccionista Dolores Olmedo. La casa tiene paredes en las cuales Diego Rivera pintó 5 murales. ‘Es una casa situada en un sitio extraordinario de Acapulco, con maravillosos murales, realizados por Diego Rivera, los cuales fueron restaurados por expertos del Centro de Restauración del Museo de Bellas Artes’, dice Fernando Serrano Migallón de CONACULTA a la agencia de noticias EFE.

 

Serrano Migallón considera que la casa tiene un ‘notable valor artístico’, debido a los murales y la actividad artística que se desarrolló en ella antes de la muerte de Diego Rivera. Serrano piensa que viable comprar la casa y convertirla en un centro cultural, con actividades didácticas, entretenimiento y conciertos.

 

‘Para empezar a hablar seriamente con los dueños de la casa, 3 factores tienen que ser considerados: la ciudad de Acapulco, el Estado de Guerrero y la CONACULTA’, explica.

 

La propiedad, construida en la década de 1940, conocida como Exekatlkalli o La Casa de los Vientos, tiene 3.000 mts2 y 544 de estos metros están construidos.

 

 

Diego Rivera fue un mundialmente conocido pintor muralista mexicano, activista comunista, y marido de Frida Kahlo, 1929-1939 y 1940-1954 (muerte de Frida). El trabajo mural más grande de Rivera en fresco lo ayudó a establecer el Renacimiento Muralista Mexicano. Entre 1922 y 1953, Rivera pintó murales en la Ciudad de México, Chapingo, Cuernavaca, San Francisco, Detroit, y Nueva York. Su exposición retrospectiva se realizó en 1931 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

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Ted Kennedy por Andy Warhol

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La Galería Nacional del Retrato de Smithsonian expuso un retrato del Senador Edward Kennedy realizado por Andy Warhol. Se expuso cuando el museo abrió al público a las 11:30 de la mañana en el primer piso de la galería, que está designado para el homenaje a los individuos recientemente fallecidos representados en la colección de la galería. El retrato hecho por Warhol en serigrafía mecánica de Kennedy fue hecho en 1980 para generar fondos para la campaña presidencial democrática de Kennedy. Una característica especial de la impresión es el uso que Warhol hace del color en la bandera norteamericana y el polvo de diamante. La Galería del Retrato adquirió el retrato en el 2000.

 

 

Elegido Senador de los Estados Unidos en 1962, Edward Kennedy alcanzó su temprano éxito gracias a su cercana identificación con sus hermanos menores, el Presidente John F. Kennedy, quien completó su período en el Senado, y el Ministro de Justicia Robert F. Kennedy. Elogiando su compromiso con el servicio público, él reconoció, ‘estoy muy orgulloso de aquella asociación’.

 

El Kennedy construyó esta herencia cuando alcanzó la presidencia en 1980. La serigrafía mecánica de Andy Warhol, creada como recaudadora de fondos para la campaña, simula los colores de la bandera norteamericana y sugiere el glamour de la política mediante la mejora de los rasgos del candidato con líneas delgadas rojas y azules y polvo de diamante.

 

A pesar de que Kennedy perdió la nominación Democrática en 1980 contra Jimmy Carter, a quien Warhol había retratado 4 años antes, el senador se convirtió en un líder influyente de su partido.

 

Kennedy fue electo para un período de 6 años en 1964, y fue reelecto 7 veces más. Su reputación fue denigrada por el incidente en 1969 de Chappaquiddick, el cual terminó en la muerte de la conductora de un auto, Mary Jo Kopechne; Kennedy se declaró culpable en la salida de la escena del crimen. A pesar de que no perjudicó su estadía en el Senado, el incidente dañó significantemente su popular nacionalidad, y nunca más apareció en la boleta de su partido presidencial.

 

Conocido por sus habilidades en oratoria, el elogio en 1968 de Kennedy para su hermano Robert y su Convención Nacional Democrática en 1980 llamando al liberalismo norteamericano estaban entre sus más conocidos discursos. Él se hizo conocido como ‘León del Senado’, durante su larga estadía e influencia. Más de 300 proyectos de ley propuestos por Kennedy y su staff fueron promulgados por la ley. Él era conocido por trabajar con los Republicanos y encontrar compromisos entre los senadores con opiniones dispares. Kennedy jugó un rol importante en muchas de las leyes, incluyendo leyes relaciones con la inmigración, la investigación del cáncer, los seguros de salud, el apartheid, la discriminación, la prevención del SIDA, los derechos civiles, los beneficios para la salud mental, los seguros de salud de los niños, la educación y el trabajo social. En el 2000, él condujo varios esfuerzos de reforma de inmigración que fracasaron. En el momento de su muerte, seguía trabajando en la legislación de asistencia médica universal, que es a menudo descrita como su ‘trabajo de la vida’.

 

En Mayo de 2008, a Kennedy le diagnosticaron un tumor cerebral maligno que limitó sus apariciones en el Senado. Murió el 25 de Agosto de 2009 en su casa de Hyannis Port, Massachusetts.

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Exposición de manuscritos medievales

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¿Han alguna vez deseado aprender cómo se realizaban los manuscritos? ¿Quiénes eran los escribas y los artistas detrás de las páginas iluminadas? En El Scriptorium Medieval, los chicos –y los adultos- pueden responder este tipo de preguntas para sí mismos mientras aprenden cómo era ser una iluminador de manuscritos en los talleres medievales. Maite Álvarez, especialista en proyectos de educación y co-curadora de la exposición, agrega, ‘esta exposición para niños los motivará a ellos y a sus familiar a ingresar al mundo medieval y participar en actividades que son tanto educaciones como entretenidas’.

 

Anónimo, La Virgen y el Niño con los Arcángeles Miguel y Gabriel, entre 1504 – 1505. Témpera en papiro.

 

En exhibición en el Museo J. Paul Getty en el Centro Getty desde el 24 de Noviembre de 2009 hasta el 14 de Febrero de 2010, El Scriptorium Medieval mira de cerca el funcionamiento interno de un scriptorium, explorando la forma en que los libros eran físicamente construidos, las decisiones artísticas realizadas por los iluminadores y escribas, y cómo los manuscritos eran entendidos y utilizados por la gente y las culturas que los producían. La instalación de la muestra ofrecerá una variedad de actividades para niños y textos para apelar tanto a niños como a padres.

 

Un Scriptorium (palabra latina que significa ‘lugar para escribir’) durante el período medieval era una sitio en donde los libros eran escritos e iluminados. En los días anteriores a la tecnología esto hizo posible imprimir muchas copias de un mismo libro, haciendo los escribas y los artistas cada libro a mano. La muestra motiva a los chicos a participar en el trabajo de un iluminador medieval, diseñando su propia hoja de manuscrito. Una estación central de dibujo será el punto central de la exposición y un lugar en done los chicos podrán aprender a través de actividades de dibujo cómo los libros eran copiados e iluminados. La estación incluye instrucciones y materiales.

 

El Scriptorium Medieval también incluye una sección acerca de la copia vs. la invención que explora las maneras a través de las cuales los copistas se salían de sus modelos para crear nuevas imágenes. Como los manuscritos generalmente contaban todos las mismas historias, los artistas solían copiar las ilustraciones para esas historias de un libro a otro con pocas modificaciones. De todas formas, debido a que los bordes de las hojas se usaban para decoración, los artistas expresaban su individualidad en estos espacios y los pintaban con decoraciones como creaturas fantásticas y frutas reconocibles. Esta sección también resalta cómo los artistas inventaban nuevas composiciones que tenían fines específicos como por ejemplo ilustrativos, didácticos y decorativos.

 

 

La sección final de la muestra presenta manuscritos de diferentes partes del mundo e invita a los visitantes a comparar las ilustraciones. A pesar de que los manuscritos fueron creados a miles de kilómetros y hace cientos de años atrás, las ilustraciones de los artistas generalmente tenían muchas similitudes, sugiriendo que a pesar de las grandes distancias y los limitados modos de transporte, los libros viajaban a través del mundo e influenciaban a los artistas. Los manuscritos exhibidos en esta sección incluyen la más reciente adquisición del Museo Getty, el libro Ethiopian Gospel así como libros Armenios y Griegos Gospel y un Koran.

 

‘Ante todo quisimos que los jóvenes apreciaran el arte. Las actividades de dibujo les enseñan el trabajo de un scriptorium medieval pero también requiere su compromiso activo con los manuscritos que estarán en exposición’, dice Kristen Collins, curadora asociada de los manuscritos y co-curadora de la muestra.

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El Dalí dedicado a los Hermanos Marx

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La Fundación Gala-Salvador Dalí presentó su última adquisición del pintor Surrealista: un dibujo realizado en carbón y pasteles titulado ‘El Piano Surrealista’, el cual puede ser visto en Púbol (Girona) hasta el 30 de Septiembre.

 

Desde 1991, la Fundación Dalí ha emprendido un extenso programa de adquisiciones, que ha añadido más de 300 obras de arte a la colección. La cantidad de adquisiciones se elevan a los 30 millones de Euros y este dinero fue generado de sus propias operaciones.

 

 

La Fundación Gala-Salvador Dalí adquirió el trabajo en una subasta realizada en el Christie’s de Londres el 23 de Junio de 2009. La obra había pertenecido previamente a los Hermanos Marx y su precio final fue de 310.000 Euros.

 

Cuando Dalí retornó a los Estados Unidos en 1936, lo hizo para participar en la exhibición antológica de ‘Arte Fantástico Dadá y Surrealismo’, organizado por el Museo de Arte Moderno de Nueva York así como para su exposición individual en la Galería Julien Levy. En sus declaraciones, Dalí no esconde la fascinación que siente por los trabajos de los Hermanos Marx, y más concretamente, por la figura de Harpo Marx, a quien quiere pintar. Harpo Marx invitó a Dalí a pintarlo, como puede ser leído en este mensaje telegráfico que envió al pintor el 31 de Enero de 1937:

 

‘Querido Salvador Dalí: he recibido un telegrama de Jo Forrestal diciendo que estás interesado en mí como una víctima. Fascinado con la idea. La película que estoy filmando fue finalizada hace seis semanas. Si vienes al Oeste, estaría feliz de ser pintado por ti. Tengo una contrapropuesta: ¿Posarías para mí mientras yo poso para ti? Feliz año nuevo de un gran admirador de La Persistencia de la Memoria’.

 

Así fue como, en Enero de 1937, Dalí viajó a la Costa Oeste. Previamente, él le había enviado al actor un arpa, y fue de esta manera que ambos aparecieron –uno tocando el arpa y el otro tomando notas- en el Examiner de Los Ángeles en Febrero de 1937. Durante los recreos de la filmación de ‘Un día en las Carreras’ de los Hermanos Marx, escribió con Dalí el guión de una película que duraría 30 minutos, y de la cual hay ciertas notas, una sinopsis tipeada y varios bocetos. ‘El Piano Surrealista’, el trabajo presentado recientemente es uno de ellos.

 

‘El Piano Surrealista’ incorpora varios temas típicos dalineanos, desde el árbol ciprés fálico evocador de la Isla de los Muertos de Böcklin estallando a través de un piano, hasta la figura de una mujer desnuda con la cara de un reloj. El escenario que describe la imagen es el abrazo de la ‘Mujer Surrealista’ fotografiada desde atrás, o en circunstancias en las cuales la cara está escondida, con el fin de incrementar la atmósfera enigmática de su personalidad por el personaje principal de la película, ‘Jimmy’ (Salvador Dalí, ‘La Mujer Surrealista’: escenario no publicado de los Hemanos Marx, 1937, reproducido en R. Descharnes, Salvador Dalí, Nueva York, 1984, p. 158). Para Jimmy, así como para Dalí, la Mujer Surrealista personifica un ‘mundo de fantasía, sueños e imaginación’; sus amigos son Harpo, Groucho y Chico Marx. En El Piano Surrealista, la Mujer Surrealista está abrazada al piano que simultáneamente sirve una primavera sagrada llenando un lago, mientras en lo alto de la imagen, en una escena que anticipa el tardío trabajo de Dalí en la película de Hitchcock Spellbound, un paisaje en el cual una figura solitaria y sombras largas y misteriosas se extienden abruptamente hacia un horizonte.

 

 

Recordando pinturas más tempranas como 3 Jóvenes Mujeres Surrealistas Sosteniendo en sus Brazos las Pieles de una Orquesta de 1936 y Fuente Necrofílica que Fluye de un Piano de cola de 1933, El Piano Surrealista, con su abrazada pareja encontrándose en el unto de un pool en forma de violoncelo y un piano de cola que se disuelve, son ambos un típico paisaje de ensueño dalineano, y un raro testamento a la breve pero fascinante colaboración entre dos de las más imaginativas imaginaciones surrealistas del siglo XX.

 

‘Y en la Quinta Avenida Harpo Marx ha alumbrado un fusible que proyecta desde atrás de una multitud de caras jirafas rellenas de dinamita. Corren en todas las direcciones, sembrando el pánico y obligando a todos a buscar refugio sin ton ni son en los negocios. Todas las alarmas de incendio de la ciudad fueron encendidas, pero ya es tarde. Boom! Boom! Las saludos jirafas explosivas de Nueva York y a todos ustedes precursores de lo irracional - Mack Sennett, Harry Langdon, y a ti también, inolvidable Buster Keaton, trágico y delirante como mis monos podridos y místicos, rosas desiertas de España’ (Salvador Dalí, ‘Párrafo extraído de ‘Jirafas en Ensalada de Caballo’, en La Vida Secreta de Salvador Dalí, Nueva York, 1942, p.332).

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Mesa Redonda para Monte Alban

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‘Monte Alban en una Encrucijada Regional y Disciplinaria’, es el eje temático de la quinta edición de la mesa redonda dedicada a la antigua ciudad Zapoteca, desde el 2 de Septiembre de 2009, la cual se llevará a cabo en la ciudad de Oaxaca, para presentar los resultados de las investigaciones arqueológicas más recientes, conducidas en diferentes regiones del estado, desde los Valles Centrales hasta Isthmus, y desde Mixteca hasta la Costa.

 

 

Los arqueólogos, antropólogos físicos, historiadores étnicos, arquitectos, y otros especialistas presentarán 30 temas en la conferencia como: Orígenes; Monte Alban durante su auge, su vida y su declive; Transformación; Arqueología e historia, entre otros, en la reunión organizada por el Instituto Nacional de Antropología e Historia de México (INAH), a lo largo de la zona arqueológica de Monte Alban.

 

En la conferencia de prensa organizada en el Museo Nacional de Antropología (MDA), el Dr. Nelly Robles García, director de la Zona Arqueológica de Monte Alban, explicó que el tema principal de la Quinta Mesa Redonda se había decidido a partir de un consenso entre el comité científico de la mesa redonda.

 

‘Para empezar, los estudios de Monte Alban se encuentran en una encrucijada; tanto si los continuamos porque sí, o porque los ampliamos para entender más en términos de calidad y cantidad de la información y los conceptos, sobrepasando la perspectiva arqueológica’.

 

‘Con respecto a la ubicación, deberíamos enfocar la investigación en los Valles Central o abrirla hacia otras regiones de Oaxaca y áreas de Mesoamérica, con el objetivo de entender el fenómeno que permitió el desarrollo de Monte Alban (500-850 d.C.) como un estado controlador de la cultura, la religión y la política’, expresó el coordinador general de la mesa redonda.

 

 

Este dilema se verá reflejado en las conferencias del encuentro; algunas de ellas están relacionadas con lugares que nunca han sido investigados: Santa María Atzompa (en el norte de Monte Alban, que corresponde a su última fase, entre el 700 y el 850 d.C.); Copalita, en Huatulco, y otros sitios en Mixe y Isthmus; y la relación entre los asentamientos en Veracruz.

 

Iván Rivera, el coordinador académico, anunció otro caso a ser debatido: Cerro Palmillo, un sitio arqueológico cerca de Santa Cruz Tepenixtlahuaca, en la región de Chatina, donde fue descubierta una estela con Iconografía de la Alta Meseta.

 

El arqueólogo Nelly Robles, comentó que estos trabajos contribuirán para completar el Atlas Arqueológico de Oaxaca, ‘para saber cuáles sitios y de qué naturaleza están distribuidos en el estado. Necesitamos continuar el estudio en la Mixteca, porque es el segundo grupo etnográfico en cantidad, e investigar en el área de Mixe, sobre todo en Sierra Juárez, que fue relegada debido a su orografía inaccesible’.

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Encuentran otro Picasso robado

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Una pintura de Pablo Picasso que se creía había sido robada en 1990 durante la invasión Iraquí en Kuwait fue encontrada entre las pertenencias de un hombre Iraquí en Babel, al sur de Bagdad, informó el periódico Al Sabah.

 

 

La policía envío una racia a Yebla, un área de la provincia de Babel, luego de que los servicios de inteligencia detectaron que la pintura estaba siendo retenida por alguien en el área, informó también el periódico sin citar nombres.

 

Los oficiales arrestaron al hombre que tenía ‘La Mujer Desnuda’ de Picasso, que se estima en $10 millones de dólares y lleva el sello del Museo Nacional de Kuwait. El sospechoso, declaró haber prestado servicio en las fuerzas de seguridad de Saddam Hussein, y le dijo a la policía que pensaba vender la pintura en $450.000.

 

 

Este no es el primer caso que involucra una pintura de Picasso saqueada de Kuwait. La policía turca encontró la misma pintura en un automóvil que provenía de Iraq, durante una búsqueda el 15 de Noviembre del año 2000. El legislador turco Mustapha Bayram fue arrestado 5 meses más tarde cuando trató de vender ‘La Mujer Desnuda’ y ‘El Payaso’, otro trabajo de Picasso. Bayram dijo que él le compro las pinturas a una mujer que las había obtenido de un general Iraquí.

 

Ciertas tardías evaluaciones comprobaron que las pinturas eran falsificaciones.

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La noticia se dio a conocer en los últimos días gracias a los diarios internacionales. La Galería Nacional del Retrato en Londres (The National Portrait Gallery (NPG) in London) ha presentado acciones legales contra Wikipedia, luego de que 3.300 imágenes tomadas de su sitio fueron subidas a la enciclopedia online. De acuerdo a reportes de la BBC, la galería considera responsable del hecho a un hombre llamado Derrick Coetzee, un hombre que frecuentemente ofrece su contribución a Wikipedia enriqueciendo con noticias e imágenes la popular enciclopedia online.

 

 

Ahora se disputa si el acto del Sr. Coetzee es ilegal o no bajo las leyes de derecho e autor Británicas, al enviar imágenes de la colección de la galería inglesa a Wikipedia. De todas formas, aparentemente las fotos de obras de arte están protegidas de una manera diferente mediante el copyright en los Estados Unidos, sitio donde están los permisos de ambos –Coetzee y Wikipedia-. Entonces, ¿de acuerdo a qué criterio deberían estar protegidas las imágenes: el americano o el inglés? ¿Quién está en lo correcto: la galería o el divulgador de las imágenes? Es sin duda un caso difícil de resolver, que enfrenta dos sistemas judiciales diferentes. La galería de Londres demandó que la violación de los derechos sobre sus imágenes dinamita su proyecto de un millón de libras dedicado a la digitalización de su maravillosa colección. Hasta ahora, el NPG ha añadido a su sitio 60,000 fotos de alta resolución de sus pinturas, para permitir la consulta del público.

 

Entre las imágenes subidas a Wikipedia por Coetzee e impugnadas por la galería a la cual pertenecen las pinturas, hay también otros dos trabajos importantes como ‘Retrato de la Duquesa de Devonshire Georgiana hija’ pintado por Sir Joshua Reynolds y el retro de la famosa fotógrafa victoriana Julia Margaret Cameron. Margaret Arnott, socia de la firma judicial Mathys & Squire, demandó que la foto de una obra de arte no está protegida por copyright en Gran Bretaña. El museo de Londres contestó con la siguiente declaración: “La Galería está muy preocupada acerca de que una potencial pérdida de ingresos causada por la autorización del uso de archivos en alta resolución amenaza su habilidad de reinvertir en su programa de digitalización y así ofrecer más imágenes en el futuro’. Es uno de los mayores propósitos de la Galería habilitar la mayor parte de la colección para el público que la visita. Y agregó: ‘La digitalización involucra inmensos costos, incluyendo la investigación, la catalogación, la preservación y la utilización de fotos de muy alta calidad. Por esto, las imágenes necesitar estar disponibles en la página web de la galería para ser parte de una base de datos estructurado y con autoridad’. Antes de levantar acciones legales, la Galería le pidió a Wikipedia que sacara las imágenes, pero aparentemente no recibieron ninguna respuesta. En realidad, la galería esperaba no tener que levantar un proceso.

 

Por este motivo, expresan su enojo con Coetzee, quien en vez de utilizar imágenes de baja resolución para subir a la enciclopedia, prefirió encontrar la manera de explorar el software del Museo Británico y descargar las imágenes de alta resolución sin permiso. Aparentemente, Coetzee declaró a través de Wikipedia que ‘ya no era posible obtener imágenes de alta resolución en la NPG’ de la manera que él lo hizo. Pero el divulgador de las imágenes ha ido más lejos: también publicó la carta legal de la NPG, enviada por Farrar & Co. en Londres a Wikipedia, admitiendo que él cargó las imágenes al popular sitio web, para informar al público acerca del problema, y concluyó diciendo que él se había buscado un representante legal. Coetzee, a quien la BBC le dio la oportunidad de contar su historia, prefirió no hacer declaraciones.

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Las fotos del Rock & Roll

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Del 30 de Octubre de 2009 al 31 de Enero de 2010

Who Shot Rock & Roll es la primera gran exhibición de rock & roll en un museo que pone en primer plano el papel de los fotógrafos, reconociendo su creatividad y colaboración en la historia del rock. Desde sus tempranos días, el rock & roll fue capturado en fotografías que personalizaban, y frecuentemente erotizaban, a los músicos, creando una identidad visual propia del género. Los fotógrafos fueron criados en medio de la revolución del rock & roll, y sus imágenes comunicaban las transformaciones sociales y culturales que el rock había promovido desde la década de 1950.

 

 

Mick Jagger

La muestra está dividida en 6 sectores: imágenes inéditas y reveladoras tomadas detrás de escena; imágenes sensibles de los músicos en los inicios de sus carreras; alegres fotografías de presentaciones en vivo que demuestran la energía, la pasión, el estilo y el sex appeal de las bandas en el escenario; imágenes poderosas de las multitudes y fans que son a menudo evocadores de pinturas históricas; retratos que revelan el alma y la creatividad, más que lo superficial y la popularidad de los músicos; e imágenes conceptuales y portadas de álbumes remarcando los esfuerzos colaborativos entre los realizadores de las imágenes y los músicos.

 

Tina Turner

¿Quién disparó al Rock & Roll?: Una Historia Fotográfica, 1955 hasta el Presente está organizada por el Museo Brooklyn con el curador invitado Gail Buckland.

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Si Hitler hubiese sido artista…

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La muestra ‘Si Hitler hubiera sida un Hippy qué Felices que Hubiésemos Sido’ (If Hitler Had Been a Hippy How Happy Would We Be) se encuentra actualmente en exposición en la Galería White Cube. La misma se hace la pregunta, si Hitler se hubiese convertido en un pintor exitoso, ¿sería el mundo un mejor lugar?

 

   

 

Hitler copiaba escenas de postales y vendía sus pinturas a marchantes y turistas. Se estima que en vida vendió más de 1000 pinturas a precios baratos, con el fin subsistir.

 

 

Luego de ser rechazado por segunda vez por la Academia de Bellas Artes, Hitler se quedó sin dinero. En 1909 vivió en un refugio para gente sin hogar. En 1910, ya se había asentado en una casa para obreros pobres.

 

 

De los artistas que exponen, Jake Chapman nació en 1966 en Cheltenham, Dinos Chapman en 1962 en Londres.Vivieron y trabajaron en Londres. Expusieron en variedad de lugares, incluyendo muestras solistas en Tate Liverpool (2006), Kunsthaus Bregenz (2005), Museum Kunst Palast Düsseldorf (2003) y Modern Art Oxford (2003).

 

 

Estos artistas simplemente compran las obras de Hitler para añadirles arcoíris y sonrisas a las imágenes.

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Hitler, ¿el artista?

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A partir de la disposición de una casa de subastas de vender 3 acuarelas pertenecientes a Adolfo Hitler, nuevas evidencias sugirieron que el líder Nazi permanecía convencido de que él era un genio artístico y estaba a menudo irritantemente obsesionado con el arte a pesar de su fracaso como pintor. Las 3 pinturas son demostraciones kitsch de 3 casitas de campo, molinos e iglesias nucleadas en paisajes rurales, las cuales fueron pintadas en 1910 y 1911 en Viena. En ese momento Hitler estaba luchando por comenzar su carrera como artista y a su vez, se encontraba desarrollando muchas de las teorías anti-semitas que luego serían el eje central del irracional holocausto judío.

 

 

Los trabajos se pondrán a la venta en una casa de subastas de Nuremberg el próximo mes, y se espera que alcancen los €15,000 (£13,000) cada uno. Los expertos en las pinturas de Hitler tasaron una de las acuarelas, titulada ‘Iglesia Blanca en el Wachau’, como una de sus obras maestras. Herbet Weidler, el presidente de la casa de subastas, dijo que las pinturas eran parte de una colección perteneciente a una familia Austríaca-Judía que coleccionaba trabajos de artistas jóvenes vieneses en el cambio del último siglo.

 

‘La gente que comprará estas pinturas son académicos y empresarios’, dijo Mr Weidler, cuya casa de subastas vendió otras 2 de las 723 pinturas estimadas de Hitler el mes pasado. ‘Las ventas no atraen gente con borceguís y cortes de pelo skinhead’.

 

Las pinturas ayudan a explicar por qué Hitler nunca se convirtió en artista y por qué sus intentos de ingresar en la Academia de Bellas Artes de Viena fracasaron dos veces. De todas formas, nuevas investigaciones llevadas a cabo por un historiador del arte austríaco concluyen en que, a pesar de estos rechazos, Hitler permaneció obsesionado con el arte durante el resto de su vida, convencido de que él era un genio artístico en medio de los valores morales ordinarios.

 

 

En su libro Ilusiones de un Genio: Hitler y el Arte, Birgit Schwarz declara que el líder Nazi permaneció convencido de su extraordinario talento hasta que cometió su suicidio en su búnker de Berlín en 1945. ‘El grado en el cual Hitler se consideraba a sí mismo un artista genio fue subestimado’, dice la Sra. Schwarz en una entrevista con la revista Der Spiegel. ‘Muchas de sus acciones fueron motorizadas por su auto percepción y su recalentado ego. Su amor por el arte lo guió hacia el corazón del mal.’ Schwarz ilustra la obsesión de Hitler con el arte mediante la cita del historiador de arte Ranuncio Bandinelli, a quien le fue otorgado el trabajo de escoltar al líder Nazi en un tour por galerías de arte durante su visita oficial a Italia en 1938.

 

Bandinelli recordó en su periódico que Hitler pasó sus últimas horas admirando las pinturas al punto de que su anfitrión italiano, el dictador fascista Benito Mussolini, se irritó visiblemente. El rechazamiento de Hitler por parte de la escuela de arte incrementó su auto percepción como un genio en vez de disminuirla, insiste Schwarz. Ella dice que él incluso coleccionaba obras de artistas menos famosos que él como resultado de esto.

 

 

De todas formas, ella discute que, luego de este rechazo, él comenzó a pensar que su genio podría ser mejor expresado en arquitectura más que en pintura. Hitler viajó a Munich luego de estar en Viena, y, de acuerdo a Schwarz, su nueva obsesión con la arquitectura está reflejada en los planes que ideó en el momento de la competencia para diseñar una nueva ópera en Berlín. Hitler nunca presentó ninguna propuesta, pero, Schwarz sostiene: ‘Él pensaba que él igualaba el nivel de los más famosos arquitectos del momento’.

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Moca-Lisa: La Mona Lisa de Café

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Esta increíble recreación de la Mona Lisa fue realizada con la asombrosa cantidad de 3.604 tazas de café y 564 gotas de leche.


Los diferentes colores fueron creados añadiendo diferentes cantidades de leche a cada taza de café negro. Mide 6.096 mts por 3.9624 m – aproximadamente 10 veces el tamaño de la obra maestra original de Leonardo Da Vinci – y fue realizada por un grupo de 8 personas trabajando 3 horas seguidas hasta terminarla.


Fue creada para el Festival The Rocks Aroma en Sydney, Australia, y fue vista por 130.000 personas que atendieron el evento de los amantes del café.

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Falsificando a Modigliani

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25 años después de la extraordinaria travesura realizada por tres estudiantes, la ciudad de Livorno decidió honrar con una exposición permanente a las tres cabezas falsas de Amedeo Modigliani, tiempo atrás ‘abandonadas’ en una depósito propiedad del consejo local.

 

 

Era el verano de 1984, cuando Michele Gherarducci, Pierfrancesco Ferrucci y Pietro Luridiana, en ese momento estudiantes universitarios, en conjunto con el escultor Angelo Froglia, imitaron el primitivismo típico del escultor Toscano. Con herramientas de construcción simples realizaron los ojos, la nariz y una boca con tres piedras, la tiraron dentro del Fosso Reale y conmocionaron al país entero, engañando a críticos de arte influyentes, quienes garantizaban que realmente esas eran esculturas de Modì.

 

Esta famosa broma de 1984 causó una gran conmoción. Durante ese año, en ocasión de una muestra por el centenario del nacimiento de Modigliani y dedicada a sus esculturas, se decidió verificar si una leyenda popular local era verdadera, la leyenda según la cual el maestro de Livorno habría tirado al Fosso Reale algunas de sus esculturas. De acuerdo con esta creencia, el artista retornó temporalmente a Livorno en 1909, decidiendo realizar algunas esculturas las cuales exhibió luego en el Caffé Bardi a artistas amigos, quienes se burlaron de él sugiriéndole que las lanzara al canal.

 

Explorando el canal cercana a Piazza Cavour, fueron encontradas en 1984 tres esculturas, las cuales representaban 3 cabezas, atribuidas rápidamente por muchos críticos a Modigliani. Después de algunos día, el grupo de los 3 estudiantes de Livorno confesaron que una de las esculturas era en realidad de su autoría. Incluso mostraron una foto que los retrataba con la escultura.

 

Luego de eso, incluso el autor de las otras 2 cabezas reveló su identidad; era Angelo Froglia, un pintor de Livorno que declaró que lo que había hecho no buscaba ser una burla, sino una ‘operación estética-artística’ para verificar ‘en qué medida la gente, los críticos y los medios de comunicación crean mitos’.

 

Un chiste colosal, que todavía hoy causa debates en Livorno. Los 3 trabajos fueron expuestos por primera vez en Lugano, en 1999, y en segundo lugar en Livorno, 6 años más tarde, en una muestra visitada por 40 mil personas en 10 días. Un éxito inesperado. Aún, algunas personas están pensando en realizar una muestra permanente. ‘Por el momento, una exposición permanente de las 3 esculturas es sólo una idea en la que estamos trabajando –declara Mario Tredici, canciller responsable de cultura en la Ciudad de Livorno- a pesar de que no está entre las prioridades de la cancillería. De todas formas, estamos convencidos que no es una decisión a ser tomada por una sola persona, sino con el compromiso del sector de expertos’.

 

 

Incluso Vittorio Sgarbi intervino en la situación: ‘mostraría esos trabajos, como provocación, en el Museo de Arte Contemporáneo de la Ciudad. Si el alcalde Toscano decide mantenerlas bajo llave, como alcalde de Salemi, pediré tenerlos en préstamo y organizar un evento espectacular en su honor’.

 

Siempre refiriéndose a la iniciativa de organizar una exposición en Salemi mostrando los ‘falsos Modiglianis’, Sgarbi explica ‘la exposición en cuestión podría llamarse Il grande inganno (El gran engaño), o dado que recuerdo muy bien las opiniones de los críticos podría ser I vestiti dell’imperatore (El ropaje del Emperador). Pondría las 3 cabezas en la mitad del salón y elevadas, para indicar las opiniones expresadas por los principales expertos luego de que fueron encontradas’. Incluso el acalde de Livorno, Alessandro Cosimi, intervino en el debate sobre las 3 cabezas en forma de broma, declarando: ‘Me gustaría vender las tres cabezas falsas de Modigliani, y comprar algo, un trabajo de Modì –y agregó- la idea de una exposición permanente no me parece una buena idea. Nos arriesgaríamos a caer en un provincialismo negativo. En 2004 mostramos las 3 cabezas falsas y fue un triunfo con el público. De todas formas, no me gustaría que Livorno recuerde a Modigliani por las bromas. En cambio, me gustaría venderlas para tener el dinero con el fin de adquirir un dibujo, un trabajo auténtico del gran artista de Livorno’. De todas maneras, ‘la mofa de 25 años atrás fue muy buena –dijo el alcalde de Livorno sonriendo- allí hubo ironía en cómo el poder fue burlado de una manera muy graciosa’.

 

A quien le gustaría una muestra permanente es a uno de los 3 autores de la broma, Pietro Luridiana: ‘Hay 3 copias falsas, es verdad, pero ¿cómo podemos no definirlas como arte? Él se pregunta – lo que importa es la idea, el ingenio del acto, más que la reproductibilidad. Inclusive, si coincidimos en el valor artístico de una obra, puede ser arte. Entonces, ¿por qué debería ser la gente privada de la posibilidad de ver nuestras falsificaciones? Es un misterio que nos amarga, también porque no comprendemos el motivo. Quizás hay todavía alguna aversión hacia nosotros’.

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Calder y su Circo en Canadá

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La mayoría de los artistas pasan sus años de formación en los estudios, perfeccionando su técnica y encontrando su estilo, esperando que alguien en algún lugar note su trabajo. Pero NO Alexander Calder. El escultor más influenciable y celebrado del siglo XX pasó sus años de formación pegando fuerte en las calles de París, con una creación que debe ser vista para ser creída: un mágico circo en miniatura. Esta temporada, ese circo llega a Canadá por primera vez como la obra central de una exposición especial en la Galería de Arte de Ontario llamada Alexander Calder: Los Años en París 1926-1933.

 

Alexander Calder, El Circo de Calder (León y Jaula), 1926 1931(DETALLE) Mixed media: cables, madera, metal, tela, hilo, papel, cartón, cuero, soga, tuberías de goma, corchos, botones, piedras falsas, limpiadores de tubo, y botellas. Tamaño: 54 x 94 1/4 x 94 1/4in. (137.2 x 239.4 x 239.4cm) Museo Whitney de Arte Americano.

Desde el 3 de Octubre de 2009 hasta el 10 de Enero de 2010, la muestra expondrá más de 80 trabajos para contar la historia de la trayectoria artística de Calder –desde sus tempranos bocetos de gente en el circo en Nueva York y las pequeñas esculturas cableadas que creó en Paris, hasta nuevos ejemplos de sus móviles-. El punto focal de la muestra es el Circo de Calder, un circo tridimensional en miniatura que Calder creó entre 1926 y 1931 y realizándolo luego internacionalmente durante décadas, captando la atención de la escena artística parisiense e introduciéndolo a artistas cuya amistad e influencia cambiarían su vida y obra para siempre, incluyendo a Mondrian, Miró y Man Ray.

 

 

‘Es realmente una exposición acerca de un joven artista desarrollando su propio vocabulario y respondiendo a lo que lo rodea’, dice Joan Simon, curadora en el Museo Whitney de Arte Americano, quien organizó el show con Brigitte Leal del Centro Pompidou de París. ‘Cuando Calder llegó a París en 1926, él aspiraba a ser pintor; cuando se fue en 1933, él ya había evolucionado hacia el artista que conocemos hoy: una figura internacional y fuerza definida de la escultura del siglo XX’.

 

‘El maravilloso sentido caprichoso y exuberante de Calder hacen de este show terrorífico algo para toda la familia’, dice el director ejecutivo Matthew Teitelbaum. ‘El Circo de Calder es un trabajo tan encantador. Es emocionante tener la posibilidad de compartirlo con la audiencia canadiense por primera vez junto a los trabajos que hicieron de Calder un artista famoso: los móviles mágicos’.

 

 

Los visitantes podrán observar muchas de las increíbles esculturas mecánicas que Calder creó y operó mientras performaba su Circo: un león que ruge antes de poner la cabeza d su domador en su boca; artistas en trapecios que cierran los brazos, vuelan por el aire y luego caen a una red; una bailarina, desnuda y estratégicamente posicionada, seductoramente torciéndose y girando. Dándole el contexto a estas esculturas está el film de Jean Painlevé de 1955, Le Gran Cirque Calder 1927, una grabación visual de la realización del Circo de Calder sólo como él podría hacerlo.

 

Alexander Calder: los Años de París 1926-1933 incluye 56 esculturas, 6 pinturas y 34 trabajos en papel y fue organizada por el Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York y el Centro Pompidou de Paris.

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Inma Guerra


Michael Haneke es el estandarte del cine que desconcierta y genera controversia. Ese que no te deja el sabor de la placidez anestésica de una película convencional, si no que desentierra en cada una de sus escenas los sentimientos y pulsiones inconscientes del espectador.

Nace en Múnich en 1942, pero pronto se traslada al pueblo natal de su madre Wiener Neustadt (Viena). Tras intentos fallidos en el mundo de la interpretación y la música, cursa estudios de filosofía, psicología y drama en la Universidad de Viena. Finalizada la carrera, hace sus pinitos como crítico de cine y dirige producciones teatrales y televisivas en Alemania.


Su debut como director llega en 1989 con El séptimo continente, el preludio de un estilo transgresor que teñiría su filmografía posterior. Partiendo de una noticia publicada en los medios, cuenta la historia de una familia que opta por el suicidio colectivo como única vía para escapar de una vida de alienación social.


Las estructuras narrativas convencionales se fragmentan para dar paso a un distanciamiento intencionado, un poder revulsivo que perturba al público. La incomunicación y aislamiento como fruto de una excesiva industrialización o la actitud crítica con los medios masivos, son algunos de sus temáticas más recurrentes. Sin duda, la impronta de Michelangelo Antonioni ocupa un lugar privilegiado entre sus principales influencias.



La música es una pieza clave en su filmografía como vehículo emocional de la trama. Como señala en una de sus entrevistas, para Haneke no existen géneros musicales menores, por lo que no le tiembla el pulso al incluir una composición caótica del saxofonista John Zorn (escena inicial de Funny Games) o el Winterreise de Schubert como tema central de su obra más aclamada por la crítica, La Pianista.


En la década de los noventa, rodará sus películas más perturbadoras: El vídeo de Benny, 71 Fragmentos de una cronología del azar y Funny Games. Todas ellas impregnadas de la brutal crudeza de sus personajes, que en el caso de Funny Games llega a rozar la parodia, sugestionados por la deshumanización de los medios de comunicación. La gran aceptación de Funny Games haría que en el 2007 se rodase el correspodiente remake producido y protagonizado por la actriz americana Naomi Watts.


El reconocimiento académico a su carrera llega con Caché, galardonada con el premio al mejor director en el Festival de Cannes y premio a la mejor película y mejor director de los Premios de Cine Europeo 2005. Este año, se alzó con la Palma de Oro del Festival de Cannes gracias a su último trabajo, The White Ribbon, que desbancó a la gran favorita del público, Un prophète de Jacques Audiard.

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Falsificando a Frida Kahlo

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Una colección de pinturas al óleo de Frida Kahlo, diarios y demás material de archivo que es el tema de un libro a ser publicado por el Princeton Architectural Press el 1 de Noviembre, fue denunciado por estudiosos de ser parte de una serie de falsificaciones. ‘Finding Frida Kahlo’ (Encontrando a Frida Kahlo) incluye reproducciones de pinturas, dibujos y letras a mano alzada, diarios, notas, baratijas y otras efemérides atribuidas a la artista. Todo esto pertenece a Carlos Noyola y Leticia Fernández, una pareja dueña de un local de antigüedades llamado ‘La Buhardilla Antiquarios’ en San Miguel de Allende, México. El editor lo describe como ‘un increíble archivo perdido de una de las artistas más reverenciadas del siglo XX... llena de deseos ardientes, furia y humor’.

 

Del ‘archivo perdido’ de Frida Kahlo, reproducido en ‘Finding Frida Kahlo’ (Encontrando a Frida Kahlo), a ser publicado por el Princeton Architectural Press el 1º de Noviembre.

 

De acuerdo a una entrevista acerca del venidero libro, y a correos electrónicos de Noyola a ‘The Art Newspaper’, la pareja adquirió los objetos incrementalmente entre 2004 y 2007 de un abogado que en su momento los había adquirido de un grabador quien, según se dice, los recibió directo de la artista. Noyola cuenta a The Art Newspaper que tiene más de 1200 objetos de Frida. No reveló cuánto pagó por ellos, pero dice: ‘Hemos adquirido la colección con la creencia y algún trabajo preliminar hecho para probar que de verdad es auténtico y así pagado en consecuencia’. Él declara que la colección no está en venta ni lo estará en el futuro.

 

La autora del libro de 256 páginas ilustradas es Barbara Levine, la antigua directora de exposiciones del Museo de Arte Moderno de San Francisco, quien opera una compañía de servicios curatoriales llamada Proyecto b. Ella incluyó como autor secundario a Stephen Jaycox de San Francisco, con quien había trabajado en muestras de archivos y bibliotecas.

 

En un correo electrónico a The Art Newspaper, Levine dijo que ella ‘no está trabajando para los Noyola y los Noyola no financiaron ninguna parte del libro’. Ella describe a ‘Finding Frida Kahlo’ como ‘mi encuentro personal con los materiales’, y dice que el estudio es ‘acerca de las pertenencias de un ícono, no desde el punto de vista de contar su historia o contribuir a su espacio en la historia del arte, sino desde una perspectiva de nuestra propia necesidad humana de acumular talismanes, mantener restos para el recuerdo, rastrear el tiempo y dejar una herencia’.

 

De ‘El Laberinto de Frida Kahlo: Muerte, Dolor y Ambivalencia’, por Jennifer Church y Daniel Friedman, publicado por el Centro de Investigación de Arte Mexicano (CIAM), Octubre de 2008

 

‘Si hubiese hecho un libro de historia del arte acerca de Kahlo o hubiera probado la autenticidad de la colección Noyola, hubiera sido apropiado de mi parte consultar con expertos en Frida Kahlo’, dice ella, agregando que el rechazo hacia la colección por parte de los expertos es entendible, porque ‘las falsificaciones en el arte son comunes y los descubrimientos históricos son difíciles de creer cuando ocurren fuera de un contexto institucional’. Ella agrega: ‘Tengo el mayor respeto y apreciación por las autoridades sobre Frida Kahlo y entiendo que debe de llevar años evaluar plenamente cada pieza de la colección Noyola con el fin de reconciliar totalmente la autenticidad, el hecho y la ficción’.

 

‘En mi opinión, los editores han sido víctimas de una gran broma pesada’, dice la marchante de arte (distribuidora en Latinoamérica con base en Nueva York) Mary-Anne Martin, quien ha comprado y vendido numerosos trabajos de Kahlo (1907-1954). ‘Los autores han construido todas estas cartas, poemas, dibujos y recetas, utilizando la biografía de Frida y sus letras publicadas como mapa-guía. Los dibujos están mal realizados, los escritos son infantiles, el contenido es crudo; los dibujos de anatomía parecen sacados de un libro de instrucciones de una carnicería. Las pinturas son ‘pastiches’, composiciones basadas en obras publicadas. La procedencia proporcionada es incomprobable y sin sentido. No hay nada que me gustaría más que descubrir un grupo de obras inéditas de Frida Kahlo, pero no hay manera en el mundo de que cualquiera de estas obras pueda ser aceptada en Sotheby, Christie’s, o mi galería. Estoy asombrada de que esto haya llegado a donde llegó’.

 

De acuerdo con la declaración del Princeton Architectural Press: ‘Estas dudas son exploradas directamente en el libro, incluyendo una larga entrevista con los dueños del local y de la colección, la familia Noyola, quienes creen, basados en análisis de un ingeniero químico y grafólogo, así como de entrevistas con miembros de la familia Kahlo y algunos de sus seguidores y estudiantes, que los materiales en estos casos son legítimos’.

 

El supuesto hallazgo ha sido conocido desde Diciembre de 2005, cuando una pintura de un ciervo con la cabeza de Frida (basado en un conocido trabajo de la artista) y cuatro otras presuntas pinturas de Kahlo fueron ‘descubiertas’ en México, y se dijo que estaban entre 283 otros objetos relacionados. Muchos historiadores de arte y coleccionistas mexicanos declararon que los trabajos son falsos: Raquel Tibol dijo a la prensa cuando esto ocurrió en Inglaterra, que quien haya realizado las falsificaciones, las haya vendido o a quien hayan pertenecido sería sujeto a procesamiento.

 

 

En Octubre de 2008, al rededor de 75 ítems de la colección Noyola fueron reproducidos en un catálogo publicado por el Centro de Investigación de Arte Mexicano (CIAM) en Guanajuato. El Laberinto de Frida Kahlo incluye un comentario de Jennifer Church, una profesora de filosofía en el Vassar College, y reportes que apoyan la autenticidad del material de Kahlo –pinturas, escritos, procedencia, etc-. Los análisis químicos fueron organizados por el marido de Church, Daniel Friedman, un ‘diagnóstico de construcción y elocuencia microscópica’ según su resumen, el cual no cataloga ningún estudio previo de las obras de arte. ‘Nuestro libro no incluye ninguna declaración de nuestra opinión acerca de la autenticidad de la colección; no somos expertos en arte’, la pareja escribió en un e-mail a The Art Newspaper. ‘Nuestra correspondencia con algunas de las autoridades fue muy frustrante’, agregaron, ‘en la medida en que ninguno de ellos citó ningún motivo específico en apoyo de su escepticismo, no podemos menos de preguntarnos si hay detrás conflictos de interés que previenen a estos expertos de en realidad mirar el material y exponer su propio razonamiento al escrutinio público’.

 

En Junio, el New York Times anunciará el descubrimiento de la poco conocida colección Noyola así como del venidero libro del Princeton Architectural Press.

 

Pero tempranamente este mes, en vísperas de la nueva publicación, un grupo de estudiosos líderes de Kahlo emitió una carta para la prensa de México y sus oficiales culturales, declarando que ‘todos los documentos y trabajos de la colección son falsos’. Tomando en cuenta que Kahlo fue nombrada Patrimonio Artístico de la Nación Mexicana, ellos apelan al Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (CONACULTA), al Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), y a los protectores de los derechos morales de Frida Kahlo ‘para ponerle fin a este tipo de fraudes y así aclarar la situación’.

 

La carta fue firmada por el coautor del catálogo de Kahlo, Salomon Grimberg; la marchante de arte latinoamericana y experta en Kahlo Mary-Anne Martin; Sandra Weisenthal; la historiadora de arte Irene Herner; el nieto de Diego Rivera, Pedro Diego Alvarado; la historiadora del arte, y antigua directora del Museo de Arte Moderno de México, Teresa del Conde; las dueñas de la Galería de Arte Mexicano Alejandra Reygadas de Yturbe y Mariana Pérez Amor; el estudioso e investigador de Kahlo, James Oles; y la biógrafa de Kahlo, Hayden Herrera.

 

Los expertos notan que los Noyola excluyeron a los expertos en la intervención para la aprobación de las obras. Levine, la autora del libro, escribe: ‘No soy una estudiosa de Kahlo; no tengo credenciales para soportar opiniones que puedo haber tenido acerca de la autenticidad o importancia del material... mi español es limitado’. Los Noyola dicen que ellos mostraron los trabajos a la nieta de Diego Rivera, Ruth Alvarado Rivera, quien ya no vive, y a los alumnos de Frida. ‘Además de todos los contactos que conocemos, Arturo García Bustos y Arturo Estrada son los expertos vivos que pasaron la mayor cantidad de tiempo con ella y quienes conocían bien su personalidad. Así que me gustaría resaltar que SI hemos implicado a los más conocidos expertos en el trabajo de Frida en nuestra opinión’, dice Noyola. ‘Ninguno de los estudiosos notan que los antiguos amigos de Frida, los llamados ‘Fridos’, son artistas y no estudiosos de su obra’.

 

Carlos Phillips Olmedo, director del Museo Frida Kahlo y miembro del comité ejecutivo del trust que supervisa los derechos de autor de la artista, dijo que el trust Diego Rivera – Frida Kahlo no reconoce a la colección Noyola como auténtica. El coautor del catálogo Grimberg, hablando con la prensa el mes pasado, declaró: ‘Llevo alrededor de 40 años observando las obras de Frida y puedo decir que esto es grotesco y vulgar’.

 

 

James Oles, un historiador de arte de la Ciudad de México, quien ha realizado un vasto trabajo sobre los archivos sobrevivientes de la obra de Kahlo, dice: ‘Es la calidad formal del dibujo y la escritura que parecen estar completamente mal para mí. El problema de la materia está al lado del punto’. Él dice que los trabajos falsos atribuidos a Kahlo, Siqueiros, Tamayo, Gerszo, Merida y otros artistas latinoamericanos son comunes. ‘Hay más demanda que oferta en el mercado latinoamericano del arte moderno –y el mercado académico también- por lo tanto muchas cosas pasan igual. Algo como esto nunca habría pasado con Picasso’-.

 

Noyola no descarta la posibilidad de que los trabajos sean falsificaciones. ‘Apuntamos a presentar este material y la información recopilada en nuestra investigación sin hacer ninguna aserción,’ él dice. ‘Después de todo, la autenticidad nunca es certera. Actualmente, podemos decir que creemos que esta colección contiene artículos auténticos que pertenecieron a Frida Kahlo’.

 

Pero muchos son ultrajados de que los artefactos dudosos están siendo publicados. ‘Esto es una perversión de Frida Kahlo’, dice Oles. ‘Es igual que con 'los diarios de Hitler’ que amenazan con cambiar la historia. Y es pernicioso porque ella era compleja y había todas estas ficciones que circulaban alrededor de ella. Los eruditos tratan de ponerse detrás de todas estas trabas, y un libro como este enturbia las aguas’.

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El ícono Bardot

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Coincidiendo con el 75º Aniversario De Brigitte Bardot el 28 de Septiembre de 2009, la Galería James Hyman presenta una exposición de 75 fotografías vintage realizados por algunos de los más famosos fotógrafos paparazzi. En exhibición al mismo tiempo que la London Fashion Week (18-22 Septiembre), Brigitte Bardot y los Paparazzi Originales (Brigitte Bardot and the Original Paparazzi) se centra en uno de los íconos más grandiosos de la moda del siglo XX. La muestra incluye imágenes icónicas así como trabajos inéditos que nunca antes fueron exhibidos o publicados.

 

 

Coincidiendo también con el 50º Aniversario del nacimiento del paparazzi, la muestra rastrea el desarrollo de todo un nuevo género y toda una nueva aesthética de la fotografía. Motorizadas por una obsesión internacional con las celebridades, estas fotografías inéditas ilustran la creación de una imagen más íntima, sincera y reveladora de la juventud que rápidamente sustituyó las imágenes de estudio más controladas y planteadas de las máquinas publicitarias de los estudios fílmicos. Muestra cómo Bardot y los paparazzi crearon toda una nueva imagen de la feminidad, la sexualidad femenina y la moda juvenil.

 

Incluye impresiones originales vintage inéditas realizados por los dos fotógrafos paparazzi más famosos, Tazio Secchiaroli (1925-1998) – la base del personaje de Fellini, Paparazzo en la película seminal La Dolce Vita, 1960 - y Marcello Geppetti. Asimismo presenta trabajos vintage de un grupo variado de fotógrafos incluyendo a Roger Corbeau, Loomis Dean, Walter Limot, David Magnus, Patrick Morin y Claude Schwartz.

 

Brigitte Bardot y los Paparazzi Originales fue curada a partir de una serie de conceptos que concentran el rango de alcances fotográficos en temas como la complicidad y el intruso, la toma en pose en un momento de arrebato, lo público y lo privado, el estudio y la calle.

 

La muestra comienza con la casa de los paparazzi, Italia. Luego explora las imágenes de Bardot tanto dentro como fuera del set fílmico, desde los aeropuertos y las calles del mundo, hasta su vida privada en San Tropez.

 

 

Los temas principales de la muestra incluyen:
La Dolce Vita. Las fotografías de Marcello Geppetti y Patrick Morin
Le Mepris: Las fotografías de Tazio Secchiaroli
Detrás de escena
Vida y Muerte: Agency Wire Photographs
Bardot como Chaplin
Dos semanas en Septiembre. Bardot en London
La Creación de un Ícono. Las fotografías de Sam Levin
Le BB Special. El Especial Televisivo de Bardot
Barcos y Lentillas Largas. Bardot en San Tropez


La Galería James Hyman se especializa en Arte Contemporáneo Internacional y Arte Británico Moderno. La galería trabaja con un número selecto de artistas. En años recientes su programa de exposiciones incluía pinturas, dibujos, esculturas, impresiones, fotografías, instalaciones y videos.

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Los deseos líquidos de Dalí

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Salvador Dalí: Deseo Líquido es la primera y más comprensiva retrospectiva del trabajo de Salvador Dalí como jamás antes se vio en Australia. La exposición se realizó a partir de las obras pertenecientes a dos de las más grandes colecciones del mundo de Dalí: -la Fundación Gala- Salvador Dalí en Figueres, España; y el Museo Salvador Dalí en San Petersburgo, Florida, EE.UU. La muestra abrió el 13 de Junio y estará hasta el 4 de Octubre de este año en la Galería Nacional de Victoria (NGV). Este año, las series de las Obras Maestras de Invierno de Melbourne incluirán a Salvador Dalí: Deseo Líquido en la Galería Nacional de Victoria y Un Día en Pompeii en el Museo de Melbourne.

 

Desde su nacimiento en 1904 hasta su muerte en 1989 a la edad de 85 años, la vida de Salvador Dalí atravesó casi un siglo de dramáticos cambios artísticos y sociales. Como retrospectiva absoluta, la muestra comprenderá más de 200 trabajos hechos con todos los tipos de medios, incluyendo pinturas, dibujos, acuarelas, aguafuertes, esculturas, moda, cine y fotografías. Esto nos remontará al Dalí de sus tempranos años como un pintor Impresionista de 14 años, hasta sus pinturas finales, direccionadas hacia la ciencia y la física, cuando el artista estaba en sus 70.

 

La imaginación artística de Dalí estaba constantemente alimentada por los paisajes rudamente románticos de su nativa Cataluña, los enormes llanos azotados por el viento Empordà, y el ‘otro mundo’ rocoso de Cap de Creus. Estos paisajes, mezclados con su imaginación única, informaron las ahora clásicas pinturas Surrealistas con las cuales Dalí impresionó al mundo parisino del arte en la temprana década de 1930. Un fuerte grupo de pinturas del período surrealista de Dalí en París estará incluido en la muestra.

 

 

La muestra se mueve a través de la experimentación de Dalí con el Cubismo, la Abstracción, el Neoclasicismo y la Nueva Abstracción durante sus años de estudio y liderazgo en el movimiento surrealista en París en la década de 1930. Salvador Dalí: Deseo Líquido también incluirá la más significante producción de Dalí de una colección australiana, el Teléfono de Langosta de la Galería Nacional de Australia, posiblemente una de las esculturas más famosas del siglo XX.

 

Algo a remarcar de la muestra será el regreso a Australia de la pintura de 1932 del artista llamada Memoria de una Niña-Mujer. Esta fue la primer pintura de Dalí que se exhibió en Australia en 1939 lo que causó mucha controversia.

 

La relación de Dalí con España fue severamente resquebrajada con el advenimiento de la Guerra Civil Española en 1936 y con la llegada de la Segunda Guerra Mundial, Salvador y su esposa Gala migraron de París a Estados Unidos (donde residieron desde 1940 hasta 1948). Durante su estadía en Norteamérica Dalí se comprometió activamente con el mundo de la moda, el teatro, la publicidad y la industria fílmica. Con la posguerra, su arte se relacionó con la era atómica y la teoría nuclead, así como con la exploración de un misticismo religioso único y personal.

 

 

Salvador Dalí: Deseo Líquido es una exposición caleidoscópica y panorámica que sorprenderá y placerá a los visitantes que exploren la vida y el arte de una de las figuras más coloridas e influenciables del siglo XX. Para más información visitar http://www.ngv.vic.gov.au/.

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El Taller de Gráfica Popular (Popular Graphic Arts Workshop), o TGP, un importante grupo de grabadores fundado en la Ciudad de México en 1937, creó impresiones y posters políticos diseñados para galvanizar las audiencias tanto de México como de todo el mundo. Como este país emergió de la Revolución Mexicana, una guerra civil sangrienta que había empobrecido severamente a los trabajadores en contrapartida de los ricos terratenientes, estos artistas produjeron y pusieron en circulación miles de imágenes que expresan la urgente necesidad de una reforma política y social para los mexicanos oprimidos.

 

 

 

El extremadamente exitoso arte público del TGP resaltó el trato injusto del los agricultores y campesinos y satirizó los abusos y excesos políticos, reforzando la reforma que los movimientos iniciaron desde el gobierno durante y después de la revolución. En México, las impresiones históricamente sirvieron como una herramienta crítica en la lucha por la justicia social. El Taller continuó con esta tradición de usar el arte gráfico como un agente de cambio, creando una conciencia pública acerca del estado político y social del país.


Estos artistas trabajaron en un período tanto de cambios políticos gigantescos como de una actividad artística muy rica. Su trabajo refleja las problemáticas posrevolucionarias de la agitación política y social mexicana. Los posters políticos, folletos, libros y anuncios políticos fueron creados para ilustrar el estilo fuerte y directo del TGP así como su compromiso y respuesta a la agenda de las reformas políticas que fueron parte del gobierno Cardenista en el México de ese momento.

 


Esta muestra acompaña el intento de su catálogo de avanzar en el creciente interés y las becas de los artistas del Taller de Gráfica Popular, ofreciendo su interpretación de la dignidad de la condición humana en el contexto social de los movimientos reformistas de ese momento. Sus pinturas y representaciones de los obreros y campesinos, y las luchas sociales del pueblo marcan al Taller de Gráfica Popular como un agente revolucionario importante por mano propia.

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Contra el robo del arte

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La Interpol ha habilitado el acceso directo online para usuarios autorizados vía un sitio web seguro a su base de datos internacional de obras de arte robadas, como parte de su lucha contra el mercado ilegal y el robo de la propiedad cultural.

 

 

El acceso online no se limitará a la comunidad relacionada con la ley, sino que estará disponible para todos aquellos usuarios interesados en ingresar por primera vez a esta base de datos, la cual contiene la última información acerca de 34.000 obras de arte que fueron robadas en todo el mundo. Aquellos interesados que desean ingresar a la base de datos tendrán que completar un formulario para obtener un password individual que será su llave personal a la información.

 

Con el acceso directo al database, el cual estará continuamente actualizado siempre y cuando la oficina central del Secretariado General de la Interpol en Lyon reciba nueva información acerca de obras robadas en el mundo, los usuarios autorizados obtendrán un acceso en tiempo real a la última información recibida. La información disponible no incluirá información nominal, sino lo estrictamente relacionado con el objeto como descripciones y fotografías de los bienes culturales hurtados.

 

El coordinador del Departamento de Obras de Arte de la INTERPOL (WOA), Karl Heinz Kind, dijo que la contribución y el acceso a la base de datos representaba ‘una herramienta importante para contar el tráfico en la propiedad cultural’. Dijo que el incremento de los reportes de las actividades de los 187 miembros mundiales de la Interpol se esperaba para que todos los miembros de cada país pudieran sacar toda la ventaja de los beneficios de compartir la información, conjuntamente con todo tipo de reportes criminales.

 

“La accesibilidad a la información de arte robada es una contribución vital para generar conciencia pública acera de la protección de la propiedad cultural”, dijo el Sr. Kind.

 

“La inclusión de propiedades culturales hurtadas a la base de datos de obras de arte robadas de la Interpol, y el acceso extensivo online a la misma, representa una barrera importante al contrabando ilícito de un objeto cultural robado dificultando su venta”, agregó Kind.

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La multifacética Juliette Binoche

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Actriz, bailarina, poeta, pintora... la actriz ganadora del Academy Award® Juliette Binoche (El Paciente Inglés), tiene más de un truco bajo su manga. En Septiembre de 2009, varios de sus talentos convergerán en Nueva York y Brooklyn en “En - yo y Jubilaciones”, una serie de un mes de eventos artísticos que incluyen performances de danza (“In-I” de Akram Khan en la Academia de Música de Brooklyn), una retrospectiva fílmica, libros cantados (de su libro de arte Retratos En-Ojos), un nuevo estreno de un film (Paris de Cédric Klapisch), un documental sobre Juliette Binoche producido por su hermana Marion Stalens (Juliette Binoche: Skteches para un Retrato en el Instituto Francés Alliance Française) y una exposición de sus retratos y poesías en los Servicios Culturales de la Embajada Francesa. Esta muestra, “In-Eyes”, incluirá 85 tintas al agua sobre papel así como poemas, todos creados y seleccionados por Juliette Binoche. Será su primera exposición en suelo norteamericano y ofrecerá una oportunidad única para descubrir una nueva faceta de esta artista francesa multi-talento.

 

Le voyage du ballon rouge –El vuelo del globo rojo-

 

Desde que recibió una comisión de los Cahiers du Cinéma para una serie de retratos en Julio de 2007, la Sra. Binoche no ha parado de pintar durante el rodaje de sus películas. Pero ya había comenzado a incursionar en las artes plásticas mucho antes que esto, y expuso por primera vez en la década de 1990 (en 1991 sus obras fueron presentadas en la película ‘Los Amantes en el Puente’, en la cual ella caracterizaba a una pintora, y en 1993 exhibió una serie de trabajos realizados en colaboración con el artista francés Christian Fenouillat).

 

Favoreciendo a los retratos, Binoche no sólo ha representado a muchos de los directores para los cuales trabajó pero también a personajes que ella misma interpretó, en lo que significa una vuelta bastante única en la tradición del autorretrato. "In-Eyes” expondrá 29 trípticos, cada uno incluyendo uno de estos autorretratos “de-personajes”, un retrato del director de una película, y un poema dedicado a este director. Estos trabajos ofrecen una mirada personal, llena de emoción, de los encuentros clave que han influido en la carrera cinematográfica de Juliette Binoche.

 


Hablando acerca de su arte, Juliette explica, “El calor y la emoción a generar, como la resistencia física suministrada, son parte de la vida de un actor. Independientemente de lo que es abandonado, independientemente de lo que se logra, e independientemente de lo que yo había esperado, asiento todo en papel. Ninguno de ellos es definitivo; esto es solamente una percepción –un registro breve y subjetivo- de un momento en la vida. La técnica simplemente vino con el deseo de pintar, sin preconcepciones."

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Henri Matisse y sus Grabados

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El Museo de Arte de Baltimore presenta la primera exposición de grabados del gran artista francés Henri Matisse. En exhibición desde el 25 de Octubre de 2009 hasta el 3 de Enero de 2010, Matisse como Grabador une la extraordinaria colección del BMA de grabados de Matisse con una muestra itinerante organizada por la Federación Americana de Artes, una organización artística sin fines de lucro, y la Fundación Matisse de Pierre y Tana. La exhibición del BMA expondrá aproximadamente 170 trabajos que traviesan al rededor de 50 años de la carrera de Matisse. La misma incluye más de 150 grabados, así como una selección de pinturas, esculturas, dibujos y libros, ofreciendo una evidencia clara del importante rol que el grabado cumplió en la evolución de las ideas visuales de Matisse.

 

 

‘Matisse como Grabador’ distendidamente presenta la cronología de la carrera de Matisse, desde el más temprano grabado del artista en 1900 hasta el último en 1951. La muestra incluye ejemplos de cada técnica de grabado utilizada por Matisse –aguafuertes, monotipos, litografías, grabados en lino, aguatintas, grabados en madera y grabados en color-. Casi todos los grabados envuelven la imaginería del artista, mostrando el desarrollo de una pose reclinada o asentada, la integración de modelos en interiores, el estudio de las expresiones faciales, y la transformación de un concepto concreto en una representación de algo más abstracto. Los libros ilustrados como Poésies de Stéphane Mallarmé (c. 1932), Pasiphaë (1944), y Jazz (1947), demuestran las brillantes innovaciones de Matisse en la representación de una imaginería serial. La amplia experimentación del artista con el grabado en color está representada con 3 impresiones de la aguatinta coloreada Marie-Jose en robe jaune (1950) y el grabado titulado La Dance (1935), los cuales capturan la composición de su primera versión del mural para Albert Barnes.


La muestra comprende 63 grabados de la colección de la Fundación Matisse de Pierre y Tana, con obras de arte legadas por el mismo Henri Matisse a su hijo menor Pierre (1900-1989), un marchante eminente del arte moderno. Estos grabados se complementan con una selección de trabajos de la renombrada Colección Cone del BMA, creada por las hermanas de Baltimore Claribel y Etta Cone. Adicionalmente, muchas de las últimas impresiones en la muestra son del reciente regalo realizado por la Fundación Matisse de Pierre y Tana al BMA, y serán exhibidas por primera vez. Todo eso hace de ‘Matisse como Grabador’ la más importante muestra del artista en toda Norteamérica. Estos trabajos raramente son presentados al público debido a su sensibilidad a la luz.

 


La exposición fue curada por Jay Fisher, el Director del BMA para los Asuntos Curatoriales y Conservador de Grabados, Dibujos y Fotografías.

 

Matisse y el Grabado


Reconocido mayoritariamente como pintor y escultor, Henri Matisse (1869-1954) estuvo también profundamente comprometido a lo largo de su carrera con la experimentación de otros medios y las posibilidades únicas que ofrecían para la expresión creativa. Matisse veía al grabado como una extensión del dibujo, el cual se integraba a su arte. Como escribe Jay Fisher en el catálogo de la exhibición, -el grabado fue la primer forma para Matisse de demostrar a su audiencia el proceso de su trabajo, el carácter de su visión, y el modo en el cual su dibujo transformaba lo que observaba-. El compromiso de Matisse con el grabado fue tanto intenso como innovador, mientras se movía de una técnica a otra, adoptando nuevos métodos que reflejaban la evolución de sus ideas artísticas. Para Matisse, el grabado capturaba los pasos en el proceso de su visión artística.

 

 

El grabado era también un medio práctico de diseminar el arte de Matisse entre muchos de los ávidos coleccionistas de su trabajo. A pesar de su extensa distribución, los grabados de Matisse son notables por el aura de intimidad e inmediatez que comunican. La facilidad con la cual los grabados podían ser realizados permitían a Matisse trabajar libre y espontáneamente, usualmente creando retratos casuales de miembros de su familia y amigos en su estudio, en donde había instalado su propia prensa de grabado. Además de sus libros ilustrados, Matisse era fiel a la tradición de grabados en blanco y negro, pero en sus últimos años realizó dos grabados en color, ambos incluidos en la muestra. A lo largo de su carrera, produjo más de 800 imágenes en ediciones de 25 o 50. Esta gran profusión de grabados expandieron la riqueza de su arte y lo ayudaron a cementar su posición como uno de los artistas preeminentes del siglo XX.

 

La Colección Cone


En los comienzos del siglo XX, las hermanas de Baltimore Claribel y Etta Cone visitaron los estudios de Matisse y Picasso en Paris y comenzaron a generar una de las increíbles colecciones del mundo. A lo largo de casi 50 años, lograron una excepcional colección de aproximadamente 3.000 objetos, los cuales están en exposición en los apartamentos de Baltimore. Lo mejor es un grupo de 500 trabajos de Matisse, considerados los mejores y más significantes del mundo. Etta Cone conoció a Matisse en 1906, y su compra inicial de muchos de sus dibujos marcaron el comienzo de una pasión duradera por su arte que continuó a lo largo de toda su carrera.

 

 

Con obras maestras como el Blue Nude (1907) y Large Reclining Nude (1935), la competencia entre los museos por le Colección Cone comenzó en 1940, pero Claribel insistió en que fuera al Museo de Arte de Baltimore. A pesar de que lo consiguió, la colección se transfirió al BMA luego de la muerte de Etta Cone en 1949, y ha estado en exposición desde 1957. La colección ha sido sujeta a prestigiosas exposiciones en museos de todo el mundo. Hoy en día, la colección del BMA incluye más de 700 trabajos de Matisse, con más de 400 grabados, 42 pinturas al óleo, 22 esculturas, 42 dibujos, 19 libros, 2 textiles, 1 vasija de cerámica, y 220 dibujos, grabados y platos de cobre del primer libro ilustrado del artista, Poésies de Stéphane Mallarmé.

 

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Blake en Nueva York

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El visionario e inconformista William Blake (1757-1827) es una figura singular en la historia de la literatura y el arte del Oeste: poeta, pintor, y grabador. Creativamente ambicioso, Blake tenía un profundo interés por la filosofía y la teología, las cuales durante la edad de la revolución, lo inspiraron en investigaciones originales y personales acerca del estado del hombre y su alma. Durante su vida, Blake fue conocido por sus grabados; tardíamente fue reconocido por sus innovaciones en otras disciplinas. El Mundo de William Blake: “Un Nuevo Cielo Está Comenzando” –el subtítulo de una frase de Blake en referencia con el significado de su fecha de nacimiento- estará en exposición desde el 11 de Septiembre de 2009 hasta el 3 de Enero de 2010 en La Librería y Museo Morgan de Nueva York.

 

Fuego

 

En la primera exposición realizada en dos décadas en la Morgan dedicada exclusivamente a Blake, el director Charles Ryskamp y las curadoras Anna Lou Ashby y Cara Denison han reunido muchos grabados, acuarelas y libros iluminados de poesía de la más espectacular producción de Blake, para dramáticamente subrayar su genialidad e influencia.

 

La exposición incluye más de 100 trabajos y entre los mejores están las dos mejores series de acuarelas, raramente expuestas en su totalidad. Las 21 acuarelas para las ilustraciones seminales de Blake en el “Libro de Trabajo” –considerado uno de los más grandiosos trabajos que revelan su compromiso personal con los textos bíblicos- fueron creadas entre 1805 y 1810. También se muestran 12 dibujos que ilustran los poemas de John Milton ‘L’Allegro’ e ‘Il Penseroso’, realizados entre 1816 y 1820. Ambas series fueron realizadas para su principal patrón, Thomas Butts.

 

 

Behemoth y Leviathan

 

“El nombre William Blake significa diferentes cosas para diferentes personas”, dijo William M. Griswold, director de la Morgan. “Grabador, pintor, poeta, visionario –todos se aplican a Blake con exactitud-. La Morgan es muy afortunada de tener una de las más importantes colecciones del material de Blake en el mundo, y esta muestra ofrece una oportunidad para ver su extraordinaria creatividad en todas estas disciplinas”.

 

William Blake


Hijo de un mercero y una disidente religiosa londinenses, Blake estudió la Biblia privadamente con su familia. Fue educado en su casa y leía como un adulto. Esta curiosidad intelectual se mezclaba con una hermosa percepción del mundo político y social, encontrando expresión en su independencia artística así como en la mitología compleja que él mismo había construido en respuesta a la era revolucionaria en la cual vivía.

 

Blake fue entrenado como grabador. Su habilidad la utilizaba frecuentemente para reproducir diseños de sus compañeros y profesores de la Academia Royal. Blake grababa sus propios trabajos también, y pintaba para los shows de la Academia, escribía poesía, y grababa ilustraciones para libros publicados por el editor radical Joseph Johnson. Él era también un miembro activo de la Comunidad Artística del Soho/Covent Garden. A pesar de que Blake exploró muchas disciplinas artísticas, él continuó trabajando a lo largo de su vida en lo que había sido entrenado, el grabado.

 

Como resultado de una conversación en un sueño con su hermano muerto Robert en 1787, Blake desarrolló un nuevo método de grabado de platos livianos. Utilizando una capa especial para platos de cobre, él lograba combinar escrituras inversas con detalles ilustrativos. Con esta técnica innovadora, creó ‘Canciones de Inocencia’ en 1789, y emprendió un período de producción mayor con la creación de ‘El Casamiento de el Cielo y el Infierno’ (1790), ‘Visiones de la Hija de Albion’ (1793), ‘Profecías Continentales: América’ (1793), ‘Europa’ (1794), y ‘La Canción de Los’ (1795). Durante su estadía en Lambeth en la década de 1790 –cruzando el río pero aún cerca del centro artístico y literario de Londres- creó pequeñas series de los libros iluminados, las cuales fueron impresas especulando o simplemente para unos pocos patrones.

 

El Sol en su Puerta Oriental

Highlights de la Exposición

 
Además de la superlativa serie de acuarelas, hay en exposición dibujos importantes, incluyendo ‘Fuego’ (1805), el cual trata acerca de la guerra. Las Profecías Continentales más expresivas, una serie de 3 libros iluminados, muestran claramente el talento de Blake como un artista visual y su pasional interés en la política.

 

La fama de Blake como poeta es vista en su copia fiel de la baladas conocidas como ‘El Manuscrito Pickering’, nombrado así por su editor. El que le da la voz al famoso poema de Blake ‘Augurios de Inocencia’, encontrado en el manuscrito, es el actor Jeremy Irons, quien ha también grabado otro poema más corto, ‘Tigre’. Estos pueden ser escuchados en una galería de la Morgan y en su sitio web.

 

Blake sobrevivía con sus grabados, y una selección de sus impresiones –muchas de ellas extremadamente rareas- documentan la importancia de este aspecto de su producción. Un ejemplo magnifico de la más grande impresión de Blake, con un toque de acuarela dada por el autor, representa ‘Los Peregrinos de Canterbury’ de Chaucer. Con este trabajo, Blake esperaba un éxito comercial, lo cual no pudo asegurar durante su vida.


Entre los logros supremos de Blake como artista visual y poeta están sus libros iluminados, como ‘Canciones de Inocencia y de Experiencia: Mostrando los dos lados contrarios del alma humana’ (1794). Estos trabajos, los cuales demuestran sus habilidad excepcionales, reflejan rasgos de un manuscrito medieval iluminado y la interrelación entre el mundo y la imagen.
Para mayor información visitar : http://www.themorgan.org/

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