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Las últimas exposiciones nacionales e internacionales

Buenos Aires POP

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Las obras de Andy Warhol que actualmente están rondando por Milwaukee, Wisconsin hasta Atenas y Grecia, llegarán a América del Sur.

 

Andy Warhol: Mr. América en el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA), entre el 23 de Octubre de 2009 hasta el 9 de Febrero de 2010.

 

La primera gran exposición de las obras de Warhol en Argentina, ha sido organizada para Sudamérica en conjunto con el Museo Warhol de Pittsburgh y el Museo de Arte del Banco de la República de Bogotá, Colombia.

 

La exposición exhibe 140 obras del período de La Factory (1961-1968), cuando el artista pop creó las imágenes icónicas de América, como las latas de sopa Campbell, las botellas de Coca-Cola, y los retratos de celebridades que van desde Marilyn Monroe hasta Elizabeth Taylor, produciendo impresiones con un método serigráfico.

 

Las 26 pinturas, las 57 serigrafías, las 39 fotografías, 2 instalaciones (Nubes de Plata y Empapelado de Vaca), y 14 films, incluyendo Las Chicas de Chelsea, Cowboys Solitarios y pruebas de actores en pantalla incluyendo a Dennis Hopper y Edie Sedgwick, viajará luego a la Pinacoteca en San Pablo, Brasil, entre el 15 de Mayo y el 18 de Julio de 2010.

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Mary Cassatt llega al Metropolitan

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Hay mucho para ver y pensar en "Historias americanas: Pinturas de la vida cotidiana, 1765-1915", en el Museo Metropolitano de Arte. Todos somos curadores en esta muestra que yuxtapone trabajos, y agrupa obras que forman pequeños espectáculos.

 

Por ejemplo: Mary Cassatt es una de las artistas que se roba el show. Los 4 Cassatts, que dominan el 6º salón de la galería, demuestran la excelencia de la artista para pintar niños.

 

Estas 4 obras fueron realizadas luego de que Cassatt se instaló en París en 1874, y de que se convirtiera en amiga cercana de Degas. En 3 de las obras se puede ver a la artista tomando notas de él así como de Manet y Renoir, para pintar niñas pequeñas en complejidad, y adultos independientes con una sutileza que pocos de sus contemporáneos, franceses o americanos, pudieron lograr.

 

En "Madre Joven Cosiendo" (1900), la niña se inclina en el regazo de su madre fijando su mirada en nosotros, espectadores, con misterio y suspicacia. En "Una mujer y una niña conduciendo" (1881), una adulta joven atentamente conduce un carruaje por un parque, que quizás sea Bois de Boulogne. La niña a su lado observa las ruedas, pero su desenfocada mirada sugiere que su mente está en otro lugar.

 

El tercer Cassatt, "Pequeña niña en un sillón azul", representa a una joven solitaria, nuevamente con la mente perdida, pero posiblemente aburrida, y considerando llevar a cabo alguna travesura.

 

El cuarto Cassatt aquí es "Señora en la mesa de té", de 1883-85, que muestra a una imperiosa y crecida mujer, elegante sin vanidad, y en estado de alerta. Pareciera ser, como en el resto de las pinturas, que ella creció pensando en ella misma.

 

En el Metropolitan, es claro que la representación de niños ha sido correctamente identificada como uno de los grandes logros de Cassatt, lo que no es un dato menor.

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Efecto dominó para el Muro de Berlín

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El muro de Berlín volverá para brevemente dividir nuevamente a la capital alemana el próximo mes - pero con gigantes e intensamente coloreados dominós antes que losas de cemento. Como actividad resaltada de una celebración de 5 millones de euros que celebrará el 20o aniversario de la caída del muro de Berlín el 9 de noviembre, un segmento del muro de 1.5 Km de largo será levantado por dos días juntamente con la ruta original en frente de la Puerta de Brandemburgo.

 

La fila de 1.000 piezas de dominó (20 Kgs.) separadas por 1.5 metros entre cada una –pintadas en colores brillantes por jóvenes estudiantes, y las cuales alcanzan 2.5 metros de alto- serán derribadas al final de una ceremonia de gala como un tributo simbólico al derrumbamiento del Muro 20 años atrás.

 

Es sólo una atracción temporaria”, dijo el alcalde de Berlín Klaus Wowereit, resaltando los planes para el festival de dos días conmemorando la caída de lo que el Este comunista había categorizado como “Barrera de Protección Anti-Fascista” para evitar la agresión desde el Oeste.

 

No creo que a nadie se le ocurra la idea de que estamos reconstruyendo el Muro entre el Este y el Oeste de Berlín nuevamente. Pero hubo muchos quienes ridiculizaron esta idea al principio. Se ha visto como una manera maravillosa para simbolizar la caída del Muro”. El Presidente Ruso Dmitry Medvedev, el Presidente de Francia Nicolás Sarkozy, el Primer Ministro Británico Gordon Brown y la Secretaria de Estado de los EE.UU. Hillary Clinton presenciarán las festividades, dijo.

 

La caída del Muro de Berlín sucedió el 9 de noviembre de 1989 luego de meses de tensión creciente en Alemania del Este. Muchos se precipitaron inmediatamente a pasos de la frontera después de que un líder Comunista de Alemania del Este dijo en una conferencia de prensa que ellos tenían absoluta libertad para viajar al Oeste. El muro de Berlín, un símbolo de la guerra fría que había hendido la ciudad y Alemania, plácidamente fue derrumbado en los meses que siguió. Las dos Alemanias se reunieron 11 meses más tarde en 1990.

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Arte antes de morir

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La exposición que abrirá en el Museo de Arte Moderno de París se dedicará a los trabajos tardíos de 12 artistas internacionales quienes, consientes de que su muerte era inminente, trajeron a sus obras un sentido de urgencia y auto-trascendencia. Desde la publicación en 1970 de Admirable Tiempo de Temblores (Admirable tremblement du temps) de Gaëtan Picon y la muestra La última obra (L'œuvre ultime) en la Fundación Maeght en 1989, la cuestión de las últimas obras de los artistas raramente fue explorada.

 

El advenimiento de la inevitable muerte condiciona nuestras relaciones con la existencia. En particular, la aparición del HIV-Sida a finales del siglo XX cambió radicalmente nuestra percepción de la vida. La 'Deadline' (fecha límite) mira a varios artistas que fallecieron en los últimos 20 años: muchos de ellos conscientes de su inminente muerte por edad avanzada o enfermedades, llenaron sus trabajos –pinturas, fotografías, instalaciones, esculturas, videos- con una intensidad fresca que a veces resulta en una inesperada plenitud.

 

Algunos de estos artistas llevaron a cabo líneas de investigación ya comenzadas: Absalon (1964-1993) continuó sus experimentos con "células" en videos en los que él mismo es el violento protagonista. Joan Mitchell (1926-1992) hizo hincapié en el aspecto lírico de su pintura, utilizando deliberadamente medios limitados y simplificaciones formales para producir ramos de flores de colores. Willem de Kooning (1904-1997) trabajó en soledad al minimalismo libremente y realizó pinturas que trajeron una nueva economía de medios en comparación con el vocabulario de su período anterior.

 

Otro grupo lidió directamente con la realidad trágica de estar enfermo: con la ayuda de asistentes, J?rg Immendorff (1945-2005) encontró en la pintura Renacentista una forma de continuar su obra. Sufriendo de una enfermedad incurable, Chen Zhen (1955-2000) abarcó al cuerpo como un paisaje, invitando al espectador a examinar sus órganos y los ciclos de la vida en relación con las diferentes formas de la medicina.

 

Otro grupo hizo visible la muerte: haciendo referencia a la escultura y la vanitas –bodegones-, Robert Mapplethorpe (1946-1989) fotografió bustos y calaveras. Citando a Géricault, Martin Kippenberger (1953-1997) se autorretrató en la pose de los sobrevivientes de la Balsa de la Medusa. James Lee Byars (1932-1997) evocó un ideal de la eternidad en una puesta en escena de su propia muerte.

 

Artistas que participan: Absalon, Gilles Aillaud, James Lee Byars, Chen Zhen, Willem de Kooning, Felix Gonzalez-Torres, Hans Hartung, J?rg Immendorff, Martin Kippenberger, Robert Mapplethorpe, Joan Mitchell, y Hannah Villiger.

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Los franceses tienden a ser conservadores, a pesar de que se niegan rotundamente a escuchar frases en contra de su revolución. Su actitud pareciera ser: Viva la Revolución – no provocó ningún cambio. No asombra que el Museo Carnavalet apunte a atraer muchedumbres a su nueva exposición, “Tesoros Escondidos de la Revolución Francesa”. El Museo Carnavalet es un palacio pintoresco en el corazón del distrito francés de La Marisma, el cual presenta la historia de París hasta la Belle Epoquè.

 

Contiene la más extensa colección de objetos pertenecientes a los días agitados entre la Toma de la Bastilla en 1789 y el final del Reinado del Terror en 1794. A partir de los 25.000 objetos, los organizadores escogieron 250, en su mayoría dibujos, impresiones y documentos demasiado delicados para estar permanentemente expuestos a la luz. Entre ellos, se pueden encontrar retratos de personajes líderes del drama histórico como Georges Danton en su camino a la guillotina.

 

Está también el propio Dr. Guillotin, quien, a pesar de no haber sido el inventor de la máquina asesina, fue decisivo en la legalización de la misma como una forma moderna de llevar a cabo las sentencias de muerte. Es su entusiasmo humanitario, Guillotin exclamó, demasiado risueño ante la Asamblea Nacional: “Con mi máquina, caballeros, apenas notarán que perdieron su cabeza!”. Los organizadores insisten en que, no obstante sus 16,000 víctimas, la revolución introdujo muchas cosas buenas. Ellos producen documentos para sostener aquel argumento: la Declaración de los Derechos humanos, la abolición de la esclavitud, la educación estatal y la asistencia pública a los necesitados.

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Gnomos nazis

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Nadie espera mucho de un gnomo alemán de jardín: típicamente, tiene las mejillas rosadas, una barba blanca y un bonete, y está sentado en un tronco de plástico situado al lado de un estanque, también de plástico. Pero: una nueva raza ha aparecido, sin embargo, en la localidad bávara de Straubing -1.250 de ellos, todos con un brazo levantado con el saludo de Hitler.

 

Para los humanos, el gesto puede conllevar una pena de tres años de cárcel. Mostrar la esvástica, colocar una copia del Mein Kampf –Mi Lucha- en un escaparate, firmar una carta o un e-mail con las palabras “Heil Hitler” o glorificar al antiguo dirigente nazi son acciones inaceptables, así que los gnomos provocadores, obra del artista Ottmar Hörl, se encontraron inmediatamente en el centro de la controversia.

 

El profesor Ottmar Hörl, de la Academia de Bellas Artes de Nuremberg, testeó las aguas este año al mostrar un gnomo de 40 cm de alto, dispuesto en una pose similar en una galería de arte local. El fiscal se apresuró a actuar después de recibir quejas, pero el profesor Hörl montó una esterlina defensa. “En 1942 los nazis me habrían masacrado por esta pieza de arte”, dijo. “Estoy presentando a la raza superior como gnomos de jardín y esto cae en cualquier definición comprensiva de lo que es una sátira”. El fiscal dio por finalizada la investigación, pero la exposición de Straubing, que ya se inauguró, plantea un desafío muy severo. Es presentada en un espacio público: la Ludwigsplatz, anteriormente conocida como Grossdeutschlandplatz (Plaza de la Gran Alemania), la cual fue alguna vez el sitio de los desfiles nazis. La sinagoga fue saqueada por los nazis y los 42 judíos de la ciudad fueron deportados a campos de concentración.

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Premio Hugo Boss

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Luego de la victoria de Emily Jacir, es tiempo nuevamente del Premio Hugo Boss. Los nominados de este año son: Cao Fei, Hans-Peter Feldmann, Natascha Sadr Haghighnian, Roman Ondák, Walid Raad y Apichatpong Weerasethakul.

 

En contraste con ediciones anteriores –en las cuales la selección estaba liderada por artistas europeos y americanos- la breve lista de este año parece relativamente global con artistas de China (Fei), Pakistan (Raad), Slovakia (Ondák) y Tailandia (Weerasethakul).

 

La particularidad del premio de $100.000 –entregado cada dos años y titulado por la compañía de ropa para hombres alemana que hace de sponsor- es la edad de los finalistas, la cual siempre ha sido de un rango amplio, haciendo diferencia con otros premios para artistas como el Premio Turner o el Preis der Nationalgalerie für Junge Kunst. El ganador –elegido por un jurado compuesto de críticos y curadores internacionales, y presidido por la jefa conservadora del Museo Guggenheim, Nancy Spector- será anunciado en el otoño de 2010, también recibiendo en el premio la realización de una exposición solista en 2011 en el Museo Salomon R. Guggenheim.

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Que reine la paz

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Hay paz entre París y el Cairo. Nicolás Sarkozy le ha dicho a su colega egipcio Hosni Mubarak que el Louvre le devolverá a Egipto sus preciados tesoros reclamados en estos últimos días. Cinco fragmentos arqueológicos egipcios, que retratan el viaje de un noble en el otro mundo, comprado por y expuesto en el Louvre en los últimos años, volverán a su patria. Zahi Hawass, un renombrado experto en egiptología y presidente del Consejo Supremo de Antigüedades desde el 2002, subrayó la sustancial cantidad de trabajos robados o tomados de Egipto y exhibidos en museos de todo el mundo, e hizo una lista de todos aquellos que debían ser devueltos.

 

Hawass le dio una particular prioridad a cinco frescos en relieve robados en los años ochenta de la tumba del noble Tetaki -localizada cerca de la ciudad-templo de Luxor- y adquiridos en buena fe por el Louvre entre el 2000 y el 2003. En los últimos días el estado Africano reclamó sus pertenencias y amenazó con romper sus lazos con el museo del Louvre, si los artefactos robados no eran legítimamente devueltos. Las negociaciones estuvieron en curso por un tiempo, y el Louvre declaró que estaban dispuestos a colaborar. De todas formas, la decisión definitiva, de acuerdo a los presidentes del museo francés, la haría un grupo de expertos. La oficina de prensa del museo declaró que un comité nacional, compuesto por especialistas del museo y otros profesionales, se juntarían para analizar la cuestión y evaluar su solución, con la aprobación del Ministerio de Cultura francés. Si la Comisión estaría a favor de la restitución de las piezas a Egipto, la oficina de Frédéric Mitterrand, ministro de Cultura y sobrino del ex presidente François Mitterrand, prometió que estarían “listos para inmediatamente devolver los frescos a las autoridades egipcias”.

 

Mientras tanto, pareciera ser que el pedido arqueológico, al menos por unos días, perjudicó la relación entre el museo francés y el Cairo, ya que impidió algunas iniciativas: el país suspendió una excavación apoyada por el Louvre en la imponente necrópolis de Saqqara y canceló una conferencia, en territorio egipcio, de un ex-curador del Louvre. Igualmente, luego de la declaración de un intento de reconciliación a partir del comité, pareció ser que el diálogo fue reabierto y volvía la esperanza de que los objetos fueran devueltos.

Y así fue, el caso tuvo un final feliz: el Ministro de Cultura del Cairo, Faruk Hosni, declaró estar satisfecho y contento con la decisión hecha por el Ministro de Cultura francés, Frédéric Mitterrand, con quien continuará la cooperación. Por el contrario, con los museos que continúan en posesión de objetos robados de Egipto, Hosni mantendrá una conducta más severa denegando cualquier pedido de colaboración. De hecho, a pesar de la disputa con el Louvre, Zahi Hawass está luchando por la repatriación de otras reliquias egipcias expuestas en museos del mundo: en el top de la lista está el busto de Nefertiti, esposa del famoso Faraón monoteísta Akhenaton, el cual está en el Museo Egipcio de Berlín, y la Piedra Rosetta, una losa de basalto con una inscripción que fue la llave para poder descifrar los jeroglíficos egipcios, la cual está en el Museo Británico.

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La obra tocada por Da Vinci

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Una marca de una huella digital no es generalmente algo que a uno le guste encontrar en las grandes obras maestras de arte –a menos que esta huella haya sido dejada por Leonardo Da Vinci-. Un historiador de arte y un experto forense de arte están entre aquellos que dicen que la huella digital descubierta en un retrato hecho en pergamino pertenece a Leonardo Da Vinci, por lo que dicha obra sería de su autoría y no una obra alemana del siglo XIX como fue previamente categorizada.

 

El trabajo –un retrato sobre pergamino hecho con tiza, pluma y tinta- fue vendido en el 2007 por aproximadamente 19,000 Dólares a un colecionista que lo compró para Martin Kemp, un profesor emérito de historia del arte en la Universidad Oxford.

Kemp, con la ayuda del analista forense Peter Paul Biro, encontró una huella digital cerca del borde del trabajo que dicen es "sumamente comparable" a otra encontrada en la pintura de Da Vinci de San Jerome en el Vaticano. Una impresión de tiza de una palma en el cuello del sujeto del retrato, que se cree es la hija de un duque Milanés del siglo XV, es otro pedazo de evidencia que los expertos dicen apoya el argumento de que el trabajo fue hecho por Leonardo Da Vinci.

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Obama y su colección de arte

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La familia Obama reveló el arte que eligieron colgar en las paredes de la Casa Blanca.

 

Este arte incluye una pintura de Mark Rothko, un plomo liviano, '0 A trevés de 9' de Jasper Johns, esculturas de bronce de Degas y pinturas de naturalezas muertas hechas por Giorgio Morandi. Otras obras de arte contemporáneo incluyen ‘Negro como Yo Nº 2’ (1992) de Glenn Ligon, una pintura ‘pegada’ sobre tela de 1992, y ‘Creo que voy a...’ de Ed Ruscha, la representación de una puesta de sol brillante roja en la cual pintó en contraposición frases como "Tal vez... Sí ..." y “Tal vez... No..." y “Pensándolo bien".

 

Los trabajos fueron prestados por el Museo de Arte Americano Smithsonian, el Museo Nacional de Arte y el Museo y Jardín de Esculturas Hirschhorn, y estos préstamos fueron supervisados por Michael Smith, el decorador de Obama, junto a Michelle Obama y el curador de la Casa Blanca, William Allman.

También se incluye entre la colección ‘Mariposa’ de Susan Rothenberg, que muestra un caballo con una X que lo atraviesa; y ‘Berkeley Nº 52’ de Richard Diebenkorn, una pintura sobre tela abstracta en colores pasteles, basada en el paisaje de Berkeley, California.

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Poe se merecía un entierro como este

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Algunos fanáticos y admiradores se juntaron el domingo para ver a Edgar Allan Poe ser enterrado por segunda (y tercera) vez en su funeral original. Las ceremonias llevadas a cabo se realizaron para resaltar el 200º Aniversario del nacimiento de Poe, el morboso hombre de las letras, vendiendo 700 tickets a ingresantes, contando también con la presencia de muchos otros observadores curiosos, algunos vestidos en trajes de la época y otros en remeras que leen "Eternamente! " (en comparación, se estima que al entierro real en 1849 asistieron menos de 10 personas).

 

El diario Sun divulgó que el ataúd de Poe fue llevado hasta el Hall de Westminster con un carruaje tirado por caballos, donde Poe fue conmemorado por conferenciantes invitados así como por actores que retratan a sus contemporáneos. El actor y el autor Michael N. Langford, que habló en los servicios, dijo al Sol, "pienso que Edgar Allan Poe hubiera estado desconcertado por ello, impresionado por ello. Pero pienso que es lo que él mereció."

Para leer la necrología original de Poe hacer click aquí (publicada luego del día de su muerte y entierro).

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El Arken Museum ha inaugurado su exposición Chinamania, una interesante retrospectiva del arte contemporáneo chino, a lo largo de la producción artística pictórica de 11 artistas de esta nacionalidad.

 

La muestra se compone de 24 pinturas de 11 artistas chinos contemporáneos, empezando por los artistas de la década de 1990 hasta los más novatos al día de hoy. Se podrá vislumbrar un cierto sesgo de arte clásico en la producción contemporánea china. Estos artistas hacen una mixtura de elementos propagandísticos y de realismo socialista clásico chino del siglo XX en asombrosas pinceladas. Los estilos son dispares entre sí, pero se asimilan en cuanto a su gusto por el figurativismo y las temáticas del existencialismo. La exposición se llevará a cabo en el Arken – Museo de Arte Moderno, en Skovvej 100 de Ishøj (noroeste de la isla de Selandia). Abierto al público hasta el 27 de septiembre del próximo año.

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La Gioconda ‘hamburguesada’

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La cultura francesa y la conveniencia norteamericana se juntarán en diciembre –gracias a los planes de la cadena de restaurantes McDonald’s de depositar su fast-food a la sombra del Museo del Louvre. McDonald’s está encantado con la perspectiva de alimentar a los hambrientos buitres culturales. Pero no todos están felices con la mezcla del Gran Arte y la comida rápida/chatarra. McDonald’s se instalará en el campo de los alimentos de la calle peatonal subterránea que linda con el museo, conocida como el Carrousel del Louvre, debido a que la cadena de fast food cumple su 30º aniversario en Francia.

 

El par podría servir a los intereses de ambos. El Louvre es el museo líder y el más visitado del mundo; Francia es el mayor mercado de McDonald’s fuera de los Estados Unidos. En Francia y en otros lugares, McDonald’s es el emblema de la globalización conducida por EE.UU. y la homogeneización de culturas. Sin embargo, el presidente de la cadena de comidas rápidas, Jim Skinner, dijo en una entrevista publicada el lunes que la razón por la cual McDonald’s es tan exitoso en Francia, donde tiene más de 1,000 sucursales, es que "somos percibidos como una empresa francesa”. El McDonald’s que está situado en la Avenida Champs-Elysees es la que más ganancias obtiene en el mundo. El Louvre se rehusó a comentar acerca de la venida de su nuevo vecino. La portavoz Aggy Lerolle dijo únicamente que no está en manos del museo la llegada de McDonald’s ya que el Carrusel es administrado por una compañía privada más que por el museo estatal. Sin embargo, algunos franceses están indignados acerca de mezclar papas fritas con tesoros artísticos en el patio trasero del antiguo palacio del Rey Sol, Louis XIV.

 

El sitio Web www.louvrepourtous.fr, que apunta a mantener informados a sus visitantes, está entre aquellos furiosos por esta causa, aún en un tribunal de alimentos donde está presente una variedad de restaurantes que ofrecen las cocinas del mundo entero. "Cita en Diciembre con Mona Lisa Extra Valor Menú" escribió, afirmando que el Louvre debería imponerse.

 

Algunos vieron venir el gusto de McDonald’s por el arte desde hace tiempo. En enero de 2007, el ala de cultura de la gran unión CFDT censuró lo que decían era la "Disleylandización" de la cultura francesa, reclamando que el estado busca convertir a los museos en parques temáticos. Citaron proyectos para el llamado desierto del Louvre, el cual abriría en 2013 en los Emiratos Árabes Unidos, y la llegada de una cafetería Starbucks cerca del Louvre. "¿Cuándo abrirá McDonald’s su tienda?" preguntó la unión, quizás más proféticamente que lo que realmente pretendían. McDonald’s dice que no tienen todavía una fecha estipulada para su apertura en el Carrousel del Louvre.

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La fragilidad de una gran obra

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Muchos de los trabajos de Wim Botha –incluyendo piezas arquitecturales y esculturas, aguafuertes, grandes copias en lino y dibujos- están configurados en instalaciones que simultáneamente recuerdan e interrumpen las concepciones tradicionales de los espacios domésticos y públicos, y las respectivas jerarquías de poder. Él ve su trabajo actual como parte de un proyecto general, provisional e irónicamente titulado ‘Autorretrato como una Obra Maestra’. Las obras se manifiestan como variaciones de los retratos tradicionales, los estudios anatómicos, y la escultura decorativa, las cuales se juntan en contraste con la idea de retrato –u obra maestra- como entidad única y auto-contenida. Algunos de los fragmentos toman la forma de relicarios, o al menos sugieren esto al ser distorsionados y moldeados de acuerdo a principios geométricos. Estas son presentadas como entidades opositoras en un conflicto indefinido, en parte dado por la educación de Botha en Sudáfrica.

 

Otros objetos retienen aspectos del retrato tradicional, utilizando yeso y cera como materiales para asociarlos con el estudio de la práctica tradicional o el trabajo preparatorio. Para los estudios de retratos tallados en papel –como el detalle de la instalación Vanitas Toilette- Botha utiliza Biblias escritas en varias lenguas sudafricanas o diccionarios afro-ingleses, atados con barras de acero y suspendidos sobre cables de acero. Estos bustos superficialmente recuerdan a la piedra tallada aunque su materialidad asegura que están fragmentados y son frágiles, recordando el arquetípico busto-retrato con sus asociaciones con el narcisismo y el poder. Aún Botha juguetonamente subvierte la forma - en este caso, en la cabeza de un proto-humano - y el contenido, con el texto de los libros tallados que añaden otro matiz y el más amplio contexto. Mientras los trabajos deliberadamente están lejos de proporcionar respuestas importantes, sí revelan el proceso de formular preguntas. El resultado es una constelación de signos vagamente familiares orbitando un corazón cambiante.

 

Botha ganó el premio Stándard Bank Sudáfrica para el Artista Joven en 2005. Su trabajo ha figurado en varias exposiciones internacionales en los últimos años, incluyendo África Remix (2004-2007). Inauguró un espectáculo solista en Michael Stevenson, Ciudad del Cabo, en septiembre de 2009, y en 2010 participará en 11o Triennale für Kleinplastik (trienal de escultura en pequeña escala) en Fellbach, Alemania, seguida de un espectáculo solista en la Galerie Jette Rudolph en Berlín.

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Autobiografía de un marchante de arte

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Presentamos aquí un libro fuera de lo común para los amantes del arte, pues el mercado del arte ha llegado hace tiempo también a la literatura. Un “smootherboy” (la auto-denominación adoptada por el público educado y graduados del Oxbridge que son parte del staff de Sotheby’s), Richard Day ingresó al mundo del arte luego de juntar una exposición de pequeños impresos en la Calle Cork, con los £50 que le quedaban de los ahorros. Como un joven hombre evidentemente encantador y sociable, prontamente fue bienvenido al equipo de Sotheby’s, en donde se convirtió en director del departamento de Impresos y Dibujos de los Viejos Maestros terminando siendo socio a la edad de 30.

 

Dejó Sotheby’s en 1971 para ingresar a otra compañía como marchante, con su amigo más cercano y cuñado, John Baskett. Juntos llevaron a cabo exposiciones en el espacio-galería de la Calle Bond de Baskett. Bien conectados como estaban, en seguida encontraron coleccionistas para quienes trabajar, muchos de los cuales –por ejemplo Paul Mellon, Frits Lugt y Jean Bonna- terminaron siendo grandes amigos.

 

Artful Tales” (‘Cuentos Ingeniosos’) es el atrapante anecdotario de la carrera de Day, relatando divertidos incidentes con gran ingenio y carácter perceptivo. No cuenta tanto las inevitables dificultades del negocio a lo largo de 40 años, sino que presenta su caso exitoso, muy seguro de sí mismo, con vistas al mundo del arte.

Mientras él escribe francamente acerca de la naturaleza competitiva e inmoral del mercado del arte, convence al lector de que su esencia es "la búsqueda para poseer y apreciar algo de belleza única e invaluable". Su perspectiva acerca del arte y la vida es simpática, y su anticipación optimista de nuevos descubrimientos artísticos y acontecimientos es un contraste feliz para lo que a veces puede parecer un negocio cínico y sucio.

Richard Day, Cuentos Ingeniosos: el Diario Improbable e Inverosímil de un Marchante de arte (Day y Faber), 448 páginas, £30.

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Ocultados en colecciones privadas durante décadas, los diseños de interiores de Bacon escaparon a las tentativas del artista de destruir estos tempranos materiales gráficos que creía eran inferiores a sus obras maestras posteriores.

Los expertos demandan que los pedazos dan una idea vital de cómo sus trabajos de diseño de interiores influyeron en sus trabajos más famosos. Marcar el centenario del nacimiento de Bacon el 28 de octubre, Francis Bacon: Trabajos Tempranos en Tate Britain incluirá tres mantas y una pantalla pintada que data de 1929 cuando el entonces artista de 20 años decoraba casas en Londres.

 

Gracias al préstamo de dicha colección privada, estas piezas serán expuestas junto con algunas de sus pinturas más tempranas, incluyendo la Composición 1933, que repite el modelo en sus diseños de mantas, y su increíble trabajo de 1944, Tres Estudios para Figuras en la Base de una Crucifixión.

 

A partir de 1928 hasta 1930, Francis Bacon trabajó en Londres, París y Berlín, diseñando esquemas de interiores completos junto con muebles individuales.

Comenzó a incorporar algunos de sus trabajos de interiores en sus primeras pinturas, como en Acuarela (1929), su primera pintura que parece haber derivado de sus diseños de carpetas.

A los 19 años, su estudio de South Kensington apareció en una revista de diseño de interiores, titulada “El estilo de 1930 en la Decoración Británica”.

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Fallece Irving Penn

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Irving Penn, uno de los fotógrafos más famosos del siglo XX, falleció a la edad de 92 años en su casa de Manhattan. La noticia fue informada por su amigo y manager Peter Macgill, juntamente con su hermano, el cineasta Arthur Penn.

 

Inicialmente, el gigante de la fotografía norteamericana se dedicaba a la pintura. Cuando tenía 25 años, viajó a México en donde comenzó sus estudios como pintor, pero un año más tarde se dio cuenta que nunca se volvería famoso como pintor y, de vuelta en Nueva York, comenzó a trabajar como asistente de Alexander Liberman, director de arte de Vogue. Y de la mano de la revista de moda más glamurosa del mundo, Penn comenzó su extraordinaria carrera.

 

Luego de la Segunda Guerra Mundial, el fotógrafo norteamericano trabajó ininterrumpidamente para la revista realizando retratos, fotos fashion y naturalezas muertas con las cuales definió un nuevo “estilo visual” creando la estética del “menos es más”, significando que cuanto más uno saca de la fotografía, esta más sugiere.

 

Irving Penn fue un verdadero maestro para todos. En el retrato publicado por el New York Times para su muerte, leemos: “probablemente él posea su fama gracias a sus fotos de modelos glamourosas y sus retratos de personajes importantes de la cultura, pero podía estar tranquilamente en su casa fotografiando campesinos peruanos.” Un genio contemporáneo de la cámara quien, a través de su arte, dejó una herencia considerablemente extraordinaria para la nueva generación de fotógrafos.

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Lucas y Spielberg unidos por Rockwell

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Los cineastas Steven Spielberg y George Lucas están combinando sus colecciones personales del trabajo del artista norteamericano Norman Rockwell para una exposición en Washington. Más de 50 pinturas y dibujos de Rockwell se expondrán en el Museo de Arte Americano Smithsonian a partir de Julio del próximo año. Las ilustraciones estarán acompañadas por un metraje de vídeo de Spielberg y Lucas hablando acerca del artista, quien murió en 1978. Virginia Mecklenburg, curadora de la muestra, dijo que los cuadros de Rockwell destacan las "cuestiones tópicas" y señaló las semejanzas entre los dos directores de cine y el ilustrador.

 

"Lucas, Spielberg y Rockwell perpetúan ideas acerca del amor por el país, el honor personal y el valor de la familia en sus trabajos" dijo Mecklenburg. “Con humor y pathos, han transformado las experiencias cotidianas en historias que revelan las aspiraciones y valores que han sustentado a los norteamericanos durante los buenos y los malos tiempos”. Rockwell nació en la ciudad de Nueva York en 1894, y sirvió como artista militar durante la 1ª Guerra Mundial. Pintó su primera portada para el Saturday Evening Post en 1916, e ilustró otras 321 portadas para la revista a lo largo de 47 años.

 

Gran parte del trabajo de Rockwell fue perdido en un incendio que destruyó su estudio en 1943, y lo que sobrevivió se cree que está en colecciones privadas. Lucas contribuirá a la pintura más vieja de la muestra, tomada de la portada de la revista Life de 1917.

 

Contando Historias: Norman Rockwell desde las Colecciones de George Lucas y Steven Spielberg, abre en Julio de 2010 y estará abierta hasta el 2 de Enero de 2011.

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Un museo para Walt

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Los parientes de Walt Disney saludaron a la primera ola de visitantes con un nuevo museo diseñado para mostrarle al mundo el escaparate personal del animador legendario.

 

“Walt Disney llegaba a la gente porque era un cuentista mágico”, dijo el nieto de Disney, Walter E.D. Miller, cuando abrió el museo. “Ahora es nuestro turno de contar la historia de Walt”. El Museo Familiar de Walt Disney de $110 millones de dólares fue co-fundado con Miller y su madre, Diane Disney Miller. La Compañía Walt Disney colaboró con el proyecto, pero el museo es una empresa idnependiente totalmente fundada por la Fundación de la Familia de Walt Disney. Los miembros de esta familia dijeron que fueron motivados por recuperar las opiniones que se tenían de la concepción del mundo de Disney.

 

Las exposiciones van de la infancia de Disney hasta sus fracasos tratando de establecerse como artista y su tardío éxito, con el ‘gol’, de acuerdo a su nieto Miller, de narrar la vida de “alguien cuyo nombre generalmente es confundido con una marca y presentarlo simplemente como un humano con una extraordinaria visión”.

 

Los momentos oscuros no son evitados. Una de las secciones muestra una amargada huelga en los Estudios Disney y otra presenta cintas de audio de los testimonios de Disney ante los Representantes del Comité de la Casa de Actividades Anti-Norteamericanas. Los fracasos en sus negocios también están documentados. ¡No todo es color de rosa en Disneylandia!

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Damien de vuelta al estudio

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Damien Hirst está salpicado con pintura desde sus botas hasta su pelo. Se parece a un Jackson Pollock en las sombras de Prada.

Durante los últimos 3 años el arte se ha convertido en un negocio sucio para el hombre que por lo general consigue que otra gente haga el trabajo sucio por él. Aquí en su estudio - una sala de espera de ferrocarril transformada en taller en las tierras rodantes de su estado de Devon- uno de las artistas vivos más famosos del mundo trabaja en soledad.

 

Varias mandíbulas de tiburón cuelgan de las paredes, junto con cuervos muertos y un cráneo humano. Un enorme oso relleno se encabrita en una esquina rodeada por docenas de Hirst originales, apoyados contra cada pared de madera.

 

Pero estas no son las pinturas importantes y famosas, esas obras de marca registrada fabricadas en serie en las fábricas propias de Hirst, realizadas por equipos de ayudantes.

 

Estas son pinturas figurativistas, hechas en óleo sobre tela. Y todo realizado con sus propias manos.

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La nueva edición de las cartas de Van Gogh representan un logro magnífico. Se publicarán 6 volúmenes el 7 de Octubre, con textos que contienen casi 1 millón de palabras, con casi 4.000 ilustraciones. Es la culminación de un proyecto que lleva casi 15 años en el Museo de Van Gogh en Amsterdam.

 

"Vincent Van Gogh: Las Cartas" transforman nuestro conocimiento del artista. A pesar de que hubo ediciones tempranas de estas correspondencias (sobre todo en 1958), esta presenta todas las cartas que quedaron, en una debida secuencia cronológica (algunas fueron reeditadas y en otras se descubrieron nuevos elementos), y está basada en una transcripción revisada de los textos, con traducciones más apropiadas y anotaciones detalladas.

 

Esta edición actuará como el antídoto a la percepción de “El Loco de Pelo Rojo” (Lust For Life) de Van Gogh, que se ha adoptado tan profundamente, como resultado de la novela de Irving Stone (1934) y la película de Kirk Douglas (1956). A pesar de que la fuente principal de Stone fueron las cartas, él utilizó una edición temprana publicada en la década de 1920, y admitió que había añadido “una extensión ocasional de pura ficción”. En “El Loco de Pelo Rojo”, Van Gogh es presentado escribiendo cartas nerviosamente, volcando las palabras en el papel con excesiva emoción. Esto sí ocurrió, pero sólo ocasionalmente, sobre todo cuando estaba la familia involucrada. En contraste, al leer las 2.180 páginas de la nueva edición de las cartas, se verá que el artista estaba muy enfocado en lo suyo. Es verdad que en un sentido era muy obsesivo, en su dedicación por convertirse en artista, pero las cartas generalmente están cuidadosamente escritas (y a veces hermosamente), por lo general con un objetivo claro en mente.

 

Las cartas también nos recuerdan que Van Gogh logró su estilo en una manera similar. No tiraba la pintura sobre la tela en un momento de emoción brutal, sino que consideraba detenidamente los efectos que buscaba obtener. Esto nos llega claramente en la corriente de comentarios que le hizo a su hermano Theo y a sus amigos, durante la descripción de los cuadros que iba completando. La nueva edición de las cartas está traducida de acuerdo a los recursos literarios de las citas propias de Van Gogh. A pesar de que su educación formal fue breve (con sólo 18 meses en el colegio secundario), obtuvo un hábito de lectura muy importante. Algunas de las 800 fuentes literarias (de 150 autores), están tanto citadas como discutidas en las cartas. Por ejemplo, hay 54 cartas que se refieren a Dickens.

 

Van Gogh era también talentoso en las lenguas. Su francés era tan bueno como su holandés (y desde 1887 le escribió a Theo en francés), hablaba un inglés razonable (las cartas incluyen correspondencias con el artista británico Horace Livens y el australiano John Russell), así como un poco de alemán. Van Gogh no estaba loco como se piensa frecuentemente, más bien era un genio bajo todo punto de vista.

 

 

Exposición: “Las Cartas de Van Gogh: el Artista Habla”, Museo Van Gogh, Amsterdam (9 de octubre-3 de enero 2010). www.vangoghmuseum.nl. Otra selección de sus cartas será exhibida en "El verdadero Van Gogh: el Artista y sus Cartas", Real Academia de Londres (enero 23 2010-abril 18 2010).

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Renoir en el siglo XX… y XXI

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Renoir sufría de una artritis reumatoidea tan severa a su mayoría de edad que ni siquiera podía sostener un pincel; tenía que ser atado a su tullida mano. El Grand Palais en Paris está exhibiendo 100 pinturas, dibujos y esculturas de ese período.

 

El título: “Renoir en el Siglo XX”, es engañoso. La exposición comienza en la década de 1880, cuando su estilo cambió. Hasta qué punto aquel cambio fue debido a su enfermedad es un asunto aún por resolver. Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) fue uno de los padres fundadores del Impresionismo. A pesar de que nunca se distanció de sus orígenes, sintió en 1883, luego de 9 años de la primera exposición impresionista, que estaba en un impasse: “He llegado a la conclusión”, le dijo a su marchante Ambroise Vollard, “que no puedo ni pintar ni dibujar”. Ese mismo año, produjo 2 grandes canvas que abren la muestra de Paris (“Danza en la Ciudad” y “Danza en el Campo”). El clasicismo de las parejas de baile es diferente a su obras maestras tempranas como “La Fiesta en el Molino de la Galette” o “El Swing”, con sus pinceladas sueltas y efectos de luz.

 

Durante la Comuna de París en 1870-71, Renoir siguió pintando sobre los bancos del Sena, indiferente acerca de la rebelión, lo que casi lo tira al río, ahogado por revolucionarios furiosos que lo tomaron por espía. A partir de la década de 1880 en adelante, prefirió trabajar en su casa -primero en París, luego en Cagnes-sur-Mer sobre el Cote d'Azur cuyo clima caliente alivió su dolor. Perdió el interés en nuevas temáticas; lo que lo obsesionaba ahora eran las muchachas jóvenes, cuanto más desnudas mejor. No le gustaban las posturas trilladas de modelos profesionales, lo que le hizo buscar su modelo en su propia casa: Gabriela Renard, su criada, posó para él al menos 200 veces. Ya en los ‘90, Renoir era famoso. Él amaba viajar e inspirarse en los museos italianos, españoles y holandeses. Los viejos maestros -no la naturaleza- se convirtió en el criterio por el cual él deseaba ser estudiado.

 

"Renoir en el Siglo XX" abre el 4 de enero de 2010. Luego viajará a Los Angeles (14 de Febrero - 9 de Mayo, 2010) y Filadelfia (12 de Junio – 5 de Septiembre, 2010). Para más información y reservas, visitar www.rmn.fr o llamar al +33-1-4413-1717.

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Bienvenidos a Egipto

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El Mundo de los Faraones: Tesoros Revelados de Egipto, es el nombre de una muestra que se llevará a cabo desde el 25 de Septiembre de 2009 hasta el 5 de Julio de 2010 en el Arkansas Arts Center.

El Mundo de los Faraones explora el mucho tiempo desaparecido antiguo mundo egipcio a través de las artes y los artefactos que atravesaron casi 3.000 años de historia dinástica. Más de 200 magníficos objetos, incluyendo momias, un majestuoso coloso de Ramses el Grande, arte egipcio, joyas, estatuas, esculturas y artefactos funerarios, que ilustran la vida y el arte del antiguo Egipto. ‘El Mundo de los Faraones será la mayor exposición que se haya hecho en Arkansas en relación con Egipto’, dijo el director ejecutivo del centro, Nan Plummer.

 

La muestra se centra especialmente en el material excavado durante la Edad de las Pirámides, también denominada el Antiguo Imperio (2675-2130 a.C.), usualmente conocida como el momento de esplendor de la civilización. Los artefactos incluyen un decreto real tallado en piedra caliza (Decreto de Neferirkare), la puerta falsa de Inty, una Sacerdotisa de Inty y una escena espiritual de la tumba de Qar e Idu.

 

Entre los objetos funerarios hay una tapa de sarcófago Ptolemaico, una selección de stelae y varios shawabits de funcionarios

 

La exposición es presentada por el Centro de Artes de Arkansas y organizada por el Museo de Bellas Artes de Boston. La colección egipcia del Museo de Bellas Artes es una de las más extensas del mundo. Hoy por hoy es bien conocida por las excavaciones realizadas desde 1905 a 1947 por la Universidad de Harvard. Para el que viva cerca, o este de paso, ¡a no perderse esta colección de reliquias!

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Restauran murales del Empire State

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Todos los días, la gente entra a la Gran Terminal Central y alza la vista hacia el techo sobre la confluencia principal, con sus constelaciones de estrellas y signos del zodíaco.

 

Esto ayudó a hacer de la estación ‘una entrada triunfante a Nueva York’, en palabras de una de sus arquitectas, Whitney Warren. La gente que ingresaba al Edificio Empire State estiran sus cuellos para ver la cima, a 1.250 pies de altura desde la calle.

 

Mientras caminan mirando el deck del observatorio, poco importa que se acuerden del vestíbulo parecido a una catedral. Ahora sí hay algo que mirar. El techo del lobby está siendo modificado gracias a una restauración de $12.5 millones de dólares, la cual ha recuperado dos brillantes murales de Art Deco que habían desaparecido en la década de 1960.

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¿Racismo en el Tate?

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La Galería Tate de Arte Moderno, recreará una exposición que fue mundialmente condenada como ‘Racista’ por críticos, cuando fue puesta en escena en Nueva York.

 

Cuando el dúo artístico, Rob Pruitt y Jack Early abrieron la muestra ‘Red, Black, Green, Red, White, and Blue’ (‘Rojo, Negro, Verde, Rojo, Blanco y Azul’), que consistía de carteles comprados en tiendas de estrellas negras del pop, personalidades deportivas y activistas, ellos lo que quisieron hacer fue tanto un homenaje a los afroamericanos, así como una crítica.

Pero el trabajo en la galería de Leo Castelli en 1992 llevó a una respuesta explosiva por parte de los críticos de arte, virtualmente ‘finalizando’ con la carrera de Early, y suspendiendo a Pruitt por 7 años, ya que las galerías se rehusaban a exponer sus trabajos. Early vive ahora en un hotel de media renta y trabaja en un catering. El dúo se había primeramente juntado en la década de 1920, cuando estudiaban arte en la Escuela Corcoran de Washington DC.

 

La Galería Tate promulgará nuevamente el espectáculo en un espacio entero de su exposición principal, ‘Vida Pop: Arte en un Mundo Material’, abriendo el 1 de octubre, la cual explora la escena de las artes en Nueva York y sus eslabones en relación con el YBAS.

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Boceto de Picasso: £20,000

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Esperan que un simple garabato de Pablo Picasso se venda en más de £ 20,000 en una subasta. El bosquejo consiste de un caballo hecho con un rotulador el cual no debe haber tomado no más que pocos segundos en ser producido. Este aparece en una página de un libro de fotografías del gran artista español.

 

La casa de subastas Duke, ubicada en Dorchester en Dorset, será la que subastará el garabato, propiedad de un coleccionista privado de Gran Bretaña. El subastador Guy Schwinge dijo: “Muchos coleccionistas tienen una ambición con respecto a poseer una obra de Picasso, uno de los más grandes artistas del siglo XX. Este es un fuerte dibujo inmediatamente atractivo y es seguro que irá a alguien apasionado de los caballos y fanático de Picasso”.

 

El dibujo viene junto con una carta original de la hija de Picasso, Maya Widmaier. Picasso dibujó caballos a lo largo de toda su carrera, de los cuales quizás sea el más memorable el caballo que aparece en Guernica. El garabato que está siendo subastado es más gentil que el del Guernica.

 

El caballo está parado estáticamente con sus patas traseras cruzadas. Apareció en una página de un libro de fotografías de Picasso realizadas por el fotógrafo norteamericano David Douglas Duncan, publicado en 1959. La subasta se realizará el 1º de Octubre en Duke y asistirán coleccionistas de todo el mundo. Otras obras que se venderán en la subasta incluyen producciones de Damien Hirst y Turner.

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‘Enviar al arte a sus extremos, otorgándole no sólo la forma, sino la substancia de la vida:

carne y sangre’.

 

Este es el pensamiento de Marc Quinn acerca de su última obra: una cabeza hecha de sangre congelada, escultura que fue comprada por 300.000 libras en la Galería Nacional del Retrato de Londres y que ahora se encuentra en exposición.

 

El escultor recreó meticulosamente su cara utilizando su propia sangre congelada y utilizada con propósitos artísticos en el año 2006.

 

La escultura pertenece a una larga serie de retratos que Marc ha venido realizando cada 5 años desde 1991. Este es el único ejemplo accesible, mientras el resto pertenece a colecciones privadas.

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La Galería Nacional de Arte Moderno de Escocia adquirió una increíble instalación contemporánea llamada ‘We Are Pro Choice’, realizada por Cathy Wilkes. La adquisición de esta obra de £44,000 fue posible gracias a un préstamo de £19,000 otorgado por la fundación independiente The Art Fund.

 

We Are Pro Choice es una obra provocadora y reflexiva, que comenta los límites convencionales de la mujer en el ámbito doméstico. Un maniquí femenino se encuentra sentado sobre un inodoro con campanas decorativas yuxtapuestas sobre dos latas de bebida que cuelgan de un cable al rededor de su cabeza. El maniquí está rodeado de efemeras domésticos incluyendo una escalera, un reloj roto, una raqueta de plástico de niños, y una tela pintada al óleo. La obra ofrece una meditación secreta y deliberada de las cuestiones pertinentes a la vida de la mujer como madre, como ama de casa, a lo largo del paso del tiempo.

 

Andrew Macdonald, Director Artístico de The Art Fund, dijo: ‘A través de la ubicación estratégica de los objetos comúnes y corrientes, Cathy Wilkes dibuja un ambiente familiar pero en un sentido inusual.’

 

Simon Groom, Director del sector de Arte Moderno y Contemporáneo de las Galerías Nacionales de Escocia, dijo: ‘We are Pro Choice es uno de los mejores trabajos de la artista. El apoyo de The Art Fund ha contribuido a llenar un gran vacío en nuestra colección’.

Wilkes nació en Belfast en 1966, y se mudó a Glasgow a los 19 años, lugar donde atendió a la Escuela de Arte de Glasgow. Wilkes es una de las artistas actuales más prometedoras de Escocia y fue nominada por el prestigioso Premio Turner en 2008. También representó a su país en la Bienal de Venecia en el 2005.

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