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Las últimas exposiciones nacionales e internacionales

Desde el 26 de Septiembre de 2009 hasta el 3 de Enero de 2010, la Galería de Arte de Ontario exhibirá una muestra que demuestra que el glamour nunca pierde su estilo. Edward Steichen: en Alta Moda, los últimos Años de Condé Nast, 1923-1937 presentará 200 fotografías en blanco y negro –derivadas de negativos- hermosamente preservadas, de la revista Vogue y el Archivo de Vanity Fair Condé, las cuales serán llevadas a Canadá por primera vez.

 

 

Las imágenes blanco y negro de Edward Steichen de celebridades de la moda, definieron el glamour en los años 20 y 30, y todavía lo hacen hoy. Como el director de fotografía de Vogue y Vanity Fair, Steichen llenó las páginas de la revista Condé Nast, con imágenes brillantes e inolvidables, transformando la moda en un arte al fotografiar las colecciones de las casas líderes como Poiret, Chanel, Lanvin, Grès y Schiaparelli. Inmortalizó millones de iluminados, desde escritores hasta artistas, políticos y actores, incluyendo George Bernard Shaw, Noel Coward, Martha Graham, Amelia Earhart, Charlie Chaplin, Gary Cooper y Joan Crawford.

 

Cuando Steichen tomó el trabajo de Condé Nast por primera vez, en seguida se transformó en un furor. Ya era una figura bien establecida en las artes de los movimientos de la fotografía a finales del siglo XIX y principios del XX y cuando se pasó al mundo de las revistas, este cambio fue visto como una traición. Igualmente, Steichen creía que las fotografías constituían una nueva forma poderosa de comunicación –y las páginas de Vogue y Vanity Fair constituyeron una plataforma irresistible.

 


“Steichen hacía posar a sus figuras en asombrosos ambientes, con luces dramáticas y tomaban de ellas una vitalidad que las fotografías apenas parecen capaces de contener”, explicó Sophie Hackett, Asistente de Curaduría de Fotografía AGO. “Sus fotografías son lastimeras, lánguidas, ingeniosas y llenas de gracias. Él promovió un nuevo lenguaje visual del glamour, profundamente formando la visión de las celebridades y la moda hasta hoy”.


“Edward Steichen se dispuso hacer de Vogue un Louvre”, dijo Matthew Teitelbaum, director de Michael y Sonja Koerner AGO y CEO. “Y con esta muestra de sus fotografías glamourosas y los retreatos de celebridades, reconocemos su trabajo innovador”.

 


“Los voluntarios de AGO disfrutan de promover el arte y compartir su conocimiento y tiempo con los visitantes”, dijo la Presidente Voluntaria de AGO Anne Marie Smith. “Estamos orgullosos de ser los sponsors de la exhibición de Edward Steichen con los fondos del Trust de la Dotación de Voluntarios. El glamour y la elegancia de las fotografías hacen del trabajo de Steichen algo fácil de compartir”.

 

En exposición desde el 26 de Septiembre de 2009 hasta el 3 de Enero de 2010, Edward Steichen: en Alta Moda, los últimos Años de Condé Nast, 1923-1937 es una atípica oportunidad para ver el trabajo de un hombre que sabía que la fotografía podía provocarnos un desmayo.

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HEMOS CREADO VIDA (a los tristes dioses)

Publicado por Patricio H. Agüed 2 comentarios
Hoy les acerco un breve poema, en honor a las computadoras y a los tristes dioses, los seres humanos.

HEMOS CREADO VIDA (a los tristes dioses)

Pobre computadora que llenamos su memoria
con tanta basura.
No nos da vergüenza
abrir carpetas y carpetas
en la conciencia de la pobre computadora.

Cuando está triste,
le pasamos fríamente el antivirus.
Mientras con la indiferencia de los dioses
nos tomamos un café con leche y medialunas.

La vestimos con fondos de pantalla ridículos
y le hacemos cosquillas todo el día en su teclado.

Pobre computadora que cuando está enferma
la abandonamos en manos grasurientas
de semidioses técnicos.

La hago cantar todo el día
a mi pobre computadora.
Y sus horas de sueño son menores que las mías.

Seamos justos
y pensemos (de una vez, pensemos)
en que nosotros, el glorioso ser humano,
está en la misma condición que ella.
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Colección del Louvre en Inglés

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El Museo del Louvre anunció que lanzará una versión en Inglés de la base de datos online de su colección, Atlas, hoy 30 de Julio de 2009. Esta herramienta de búsqueda interactiva, permitirá a los visitantes acceder a la información de 22.000 obras de arte del Louvre, ver imágenes de las obras en alta resolución, y localizar las obras expuestas y las galerías dentro del Museo. Actualmente disponible sólo en francés, se puede acceder gratis al Atlas a través de la web del Louvre, www.louvre.fr, la cual recibe más de 10 millones de visitas al año.

 


El lanzamiento de la versión en lengua inglesa fue iniciado y financiado con una subvención de €300,000 ($380,000) en el 2004 por la Asociación de Amigos del Louvre (AFL), la cual se fundó en 2002 para afianzar la relación entre el Museo y su público americano. La nueva versión del sitio ofrecerá a los dos millones de personas de habla inglesa que frecuentan el sitio, muchísima información en la extensa colección del Louvre.


Lanzado en 2003, el Atlas provee rápido y fácil acceso a una base de datos excepcional de 26.000 trabajos de los 35.000 existentes, los cuales están en exposición permanente en el Museo. Actualmente, 5.500 artistas de disciplinas muy variadas están siendo presentados en este sitio web. Además de las vistas de las galerías, el Atlas también ofrece un ‘Álbum’ virtual, en el cual el visitante puede seleccionar un número de obras de arte y navegar de forma personalizada por el Museo.

 

 

La versión en inglés del Atlas ofrecerá 22.000 obras de arte, o lo que es lo mismo, 80% de su base de datos original, mostrando las obras más representativas de la increíble colección del Louvre de París.

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PRESENTACIÓN (de un nuevo colaborador)

Publicado por Patricio H. Agüed 1 comentarios
Saludo, ante todo, a mis colegas redactores y a los lectores de Rhumbas y Canvas. Escribe Patricio Agüed, profesor en Castellano, Literatura y Latín, y escritor. Tengo 28 años, y vivo en la Provincia de Buenos Aires, Argentina.

Daré comienzo a mis publicaciones con un poema titulado "Definición de los sentidos del camino"

Definición de los sentidos del camino

Por caminos.

Siempre los caminos naciendo.
Nudos o pequeños dedos de los tallos naciendo.
Me distribuyo en brazos de un río.
(Mienten cuando dicen deseos sí)


Mi distribución ha degollado la razón.
De la que fluyen siete nuevas razones
por cada cabeza de razón cortada.


Y son los caminos de las voces
o las máscaras de los caminos.

Una razón, por favor, ofrece un hombre. Al que le ofrecen la razón husmea las manos que se acercan como armando un puñado. Luego asesta un golpe y se va ofendido.

Hemos perdido el control. Y mi razón tiene el cuerpo de la paloma, la intención de la mariposa y el espíritu solitario del halcón.


Por caminos.
Extrañeza de los pétalos caídos en el pavimento.
Mil ruedas, los sentidos.

Mil ruedas precedidas por tres demonios cada una el rey tiene la corona y el cetro aunque pobre el trono sin lujos la fuerza no es suya la fuerza es mía la rueda gira y se detiene.
Por caminos.

Por lecturas de caminos.
Habrá derramado su rocío el amanecer
cuando el gallo de hierro defina su camino.

Por caminos, su camino.
Se diluye, ya no es.

patricio agüed

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Pequeño retrato de Gala

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FIGUERES.- Antoni Pitxot, director del Dalí Theatre and Museum en Figueres, y Montse Aguer, director del Centro para los Estudios Dalinianos, presentaron hoy la última adquisición de la fundación Dalí: un óleo titulado ‘Gala’. Esta pintura pudo haber sido el primer retrato de la esposa de Dalí y puede ser visto a partir de esta semana en un montaje diseñado especialmente para esta exposición por Pep Canaleta.

 


Cuando, en 1929, Dalí conoció a Gala Éluard, le provocó una fuerte impresión, tan intensa que desde ese momento él nunca más se separó de ella, hasta la muerte de Gala en Junio de 1982. Esposa y musa de Salvador Dalí, su nombre real era Elena Ivanovna Diakonova. Ella era una mujer misteriosa, transgresora, con un gran sentido de la intuición, y tenía también una capacidad de reconocer a genios creativos y artísticos, donde fuera que ella los viera, y a lo largo de toda su vida, incluso antes de conocer a Dalí, estaba relacionada con numerosos intelectuales y artistas. –Click en Leer Más para ver la imagen de la pintura!-

Salvador Dalí, Gala, 1931. óleo y collage sobre cartón, 13,9 x 9,2 cm. © Salvador Dalí, Fundación Gala-Salvador Dalí, Figueres, 2009.

En Abril de 1929, Salvador Dalí viajó a París para presentar el film que había realizado con Luis Buñuel, ‘Un chien andalou’ –Un Perro Andaluz-, y allí, Camille Goemans, poeta belga, lo introduce a Paul Éluard. Dalí invitó a Eluard a ir a Cadaqués durante el verano. Goemans y su acompañante, René Magritte y su esposa, Luis Buñuel, Paul Éluard y Gala, con su hija, Cécile, aceptaron la invitación.


Cuando el pintor conoció a Gala se enamoró instantáneamente. Escribió en “La vida secreta”: “Ella estaba destinada a convertirse en mi Gradiva (este nombre proviene del título de una novela de W. Jensen, cuyo personaje principal es Sigmund Freud; Gradiva es la heroína y cuida la psicología del protagonista), la primera en todo, mi victoria, mi esposa”.


El pintor realizó, empezando por un retrato fotográfico de Gala, un retrato detallado, con collage, lleno de detalles, empezando por el humo de un cigarrillo, en donde integra la iconografía de ese momento, varias veces repetido, sobre todo en las pinturas realizadas entre 1929 y 1931: la langosta, el pájaro, la figura del gran masturbador, las conchas, la ardilla, las hormigas... todas acompañan a Gala, con larga cabellera; Gala, la mujer ideal. Una Gala que nos observa, con una mirada clara. Un retrato delicadamente ejecutado, y debido a su pequeño tamaño, una pequeña joya.


Uno puede leer, en la parte inferior central, ‘pour oliveta Salvador Dalí 1931’. Oliveta, uno de los nombres con el cual Dalí llamaba a su musa: “Yo llamo a mi esposa: Gala, Galuchka, Gradiva (porque ella ha sido mi Gradiva); Oliva (por su cara ovalada y el color de su piel); Oliveta, diminutivo de oliva –olivo-; y sus delirados derivados: Oliueta, Oriueta, Buribeta, Buriueteta, Suliueta, Solibubuleta, Oliburibuleta, Ciueta, Liueta. También la llamo Lionette, porque ruge, cuando se enoja, como el león de la Metro-Goldwyn-Mayer”.

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LINCOLNSHIRE, Reino Unido - Una exposición que marca el principio de una nueva relación entre el Consejo de Artes de Inglaterra y la National Trust se llevará a cabo en el Castillo Tattershall del 8 al 23 de agosto de 2009. La nueva iniciativa apunta a la promoción del arte contemporáneo en propiedades históricas. El castillo medieval del siglo XV, poseído por la National Trust, será transformado en una galería de arte contemporáneo espectacular. El Castillo Tattershall es un castillo único, tempranamente construido en ladrillo. Construido entre 1434 - 46 por Ralph Cromwell, Lord Treasurer a Henry VI, se convirtió en un símbolo de una riqueza sumamente visible, un ejemplo de 'bling' medieval de lo mejor, de ahí el título del espectáculo 'la Casa de Bling'.

 

 

Han comisionado a los artistas, Sarah Price, Geraldine Pilgrim, Catalina Bertola, Linda Florencia, y KMA (Kit Monkman y Tom Wexler) para producir nuevos trabajos de arte inspirados en la historia del edificio. Cada artista trabajará dentro de un área específica del monumento de cinco pisos incluyendo los sótanos y las tierras que lo rodean.

 

Alison Lloyd, Jefe de Artes Visuales y Literatura, del Consejo de Artes de Inglaterra, de East Midlands dice: " Este es un evento obligatorio de ver en Lincolnshire, con artistas internacionalmente renombrados. Esto es solamente el principio de la sociedad del Consejo de Artes con la National Trust y estamos emocionados de que el Este Midlands está entre los primero implicados. "

 

Linda Florence, cuyo excitante trabajo incluye proyectos para el V&A, producirá un trabajo a gran escala en el césped delante del castillo de Tattershall, implicando cientos de horas de recorte cuidadoso de la hierba. El trabajo se revelará a los visitantes en cuanto ellos suban la escalera de piedra del castillo para ganar el mejor punto de vista de la azotea del castillo, desde el techo de combate del lugar. Los miembros de la escuadrilla de RAF Coningsby, Lincolnshire han comprometido sus ratos libres para ayudar a completar la comisión.

 

Empapelado diseñado por Linda Florence

Los proyectos recientes de Catalina Bertola incluyen una comisión prestigiosa para el Museo V&A, ' Todo y Nada '. Para Tattershall, ella fue inspirada por los textiles que al principio habrían adornado las paredes del castillo. Está creando un nuevo trabajo específico para el proyecto que incorpora las imágenes de hilado y tejido de la plebe y los cuentos de hadas. Una serie de telarañas doradas hechas por Bertola y colgadas en el castillo, embromarán la rica historia del castillo, e ilustrará la idea del paso del tiempo.

 

Geraldine Pilgrim se especializa en instalaciones para edificios insólitos, y creó un trabajo sumamente acertado para el Pasillo Belsay de la Herencia Inglesa en 2007. En Tattershall, se sintió inspirada por las imágenes medievales asociadas con torres, incluyendo la leyenda duradera de ' la doncella angustiada’, atrapada en una torrecilla. Pilgrim está creando un trabajo sumamente cargado que usará cajas de embalar y cajas para revelar los mitos del castillo, explorando y exponiendo las historias verdaderas e imaginadas del castillo que habían sido olvidadas a través de los siglos.

 

Instalación de Geraldine Pilgrim

 

Los KMA han demostrado el poder de transformar radicalemente espacios icónicos, como su notorio "Lago de Cisnes para peatones " en Trafalgar Square de Londres en 2007. En Tattershall, ellos usarán el cine y el audio para recrear la oscuridad y los sótanos del castillo. La versión actualizada y anárquica de los artistas de 'una guía de turismo' tejerá los hechos y la ficción, en una narrativa que gradualmente se revelará a los visitantes mientras ellos atraviesan los espacios atmosféricos de los viejos sótanos. La guía irá contando la historia de Lord Ralph Cromwell, quien construyó el castillo, y Lord Curzon, quien lo salvó.

 

Sarah Price creará un jardín salvaje secreto en las tierras del castillo. Price estudió artes visuales pero es también una paisajista muy exitosa. Ella es un medallista del Chelsea Flower Show Silver y será la diseñadora del jardín botánico para el Parque Olímpico 2012. A través de los siglos, el castillo se deterioró y quedó en ruinas, pero fue rescatado y restaurado en 1912. El jardín del Tattershall del Price fue inspirado por el período cuando el castillo fue abandonado.

 

Rebecca Speight, Directora para la National Trust East Midlands dice: "Esto es el Castillo Tattershall como los visitantes nunca lo han visto antes y es la oportunidad perfecta para disfrutar de lo mejor del arte contemporáneo en un edificio de herencia icónica. Estamos emocionados de que las historias de las personas y la arquitectura de un edificio medieval tan dramático puedan inspirar innovadoras y realmente excitantes piezas de arte contemporáneo."

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Restaurando a Mondrian

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El Gemeente­museum en La Haya, Holanda, ha comenzado un extenso programa para restaurar su colección mundial de Mondrian, después de que un examen exhaustivo de las pinturas en 2007 reveló a un número de ellas en condiciones de deterioro. Con 169 pinturas, el museo tiene la colección líder del mundo en obras de Mondrian, el resultado de dos legados de su patrón más importante y más temprano, Salomon Slijper, y su amigo de toda la vida, Albert van den Briel. Muchos de los trabajos son de la etapa temprana de Mondrian, antes de su paso de los paisajes a la abstracción, con aproximadamente 20 ejemplos del estilo lineal por el cual es conocido.

 

 

Los fondos consistentes en €500,000 para el proyecto fueron donados por la lotería estatal holandesa BankGiro. El mismo está siendo encabezado por Hans Janssen, el conservador principal del museo, que dijo que muchas de las pinturas serán restauradas por primera vez desde la salida de las mismas del estudio del artista. "Nuestro estudio mostró que alrededor de 20 de las 169 pinturas deben ser restauradas urgentemente, otras 60 dentro de dos años y 50 más dentro de cinco años," dijo él. Los problemas varían desde problemas con los marcos y las telas hasta el levantamiento de las capas de pintura y los barnices.

 

"Considerando la poca intervención que han recibido hasta ahora, la condición de la colección está notablemente bien," dijo Sr. Janssen, agregando que muchos de los problemas en realidad se relacionan con la preparación original de los trabajos. "Muchas de las lonas fueron estiradas por el mismo Mondrian y fueron fijadas con uñas de hierro, que se oxidan, mientras a veces él usó demasiado adhesivo en la pintura, haciéndolo frágil." Joop Joosten, ha estado trabajando estrechamente con el proyecto. " Desde una perspectiva histórica del arte, es sumamente emocionante por lo que puede ser aprendido acerca de las técnicas de Mondrian, " dijo Sr. Janssen.

 

En 1998 el museo atrajo la crítica para su compra del último trabajo inacabado de Mondrian, el monumental Victory Boogie-woogie, 1944, para el cual el gobierno holandés pagó $40m. Sin embargo, pareció menos caro después del Yves Laurent del año pasado, cuando un pequeño trabajo rayado de 1922 se convirtió en $21.6m, dijo Sr. Janssen.

 

 

"El Victory boogie-woogie nunca será prestado, ni tampoco otras varias pinturas de la colección. Somos muy vacilantes con algún trabajos, generalmente porque la condición de la pintura es demasiado frágil," dijo Sr. Janssen. Provisionalmente sugirió que el proyecto de restauración pueda ver más trabajos liberados para el préstamo.

 

"Nuestros conservadores actualmente trabajan sobre una pintura que en el pasado nunca ha sido prestada, y dijeron que cuando hayan terminado, será entonces posible para la pintura viajar, pero somos siempre cautelosos," añadió él. "Nuestra política no es nada diferente de cualquier otro museo internacional con respecto a una colección importante y frágil, pero igual, tenemos alrededor de 40 pinturas que sin reservas están listas para el transporte y serían prestadas sin vacilar. "

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NUEVA YORK, Nueva York - Merce Cunningham, quien estaba entre los coreógrafos más influyentes del siglo XX, y quien estuvo al frente de la vanguardia norteamericana durante más de 50 años, falleció el domingo por la noche, informó la Fundación de Danza Merce Cunningham. Él tenía 90 años. Durante la mayor parte de su vida, Cunningham fue considerado uno de los mayores bailarines americanos. Un colaborador constante que ha influido en artistas de diversas disciplinas –incluyendo músicos como John Cage y David Tudor, artistas como Robert Rauschenberg y Bruce Nauman, diseñadores como Romeo Gigli, y el arquitecto Benedetta Tagliabue-, su impacto se extiende más allá del mundo del baile a las artes en su totalidad.

En sus primeros años, la Compañía de Baile Merce Cunningham viajó en un autobús de Volkswagen conducido por John Cage con suficiente espacio para seis bailarines, los dos músicos, y un manager, que era a menudo Robert Rauschenberg. El primer viaje internacional del MCDC en 1964 - que incluyó shows en Europa Occidental y Europa Oriental, India, Tailandia, y Japón- solidificó una corriente constante de reservas nacionales e internacionales. Desde esos años, el MCDC ha seguido viajando por el mundo con aclamación crítica y popular, sirviendo como embajador para la cultura contemporánea americana.

Shows y proyectos recientes incluyen una residencia de dos años en Dia:Beacon, donde el MCDC ha realizado los 'Eventos', los bricolages coreográficos específicos de Cunningham, en las galerías de Richard Serra, Dan Flavin, y Sol LeWitt entre otros. La Compañía también ha colaborado con una serie de artistas visuales y diseñadores. Robert Rauschenberg, cuyo famoso "Se combina" refleja el acercamiento que él solía crear décor para los tempranos trabajos del MCDC, trabajando como diseñador residente de la Compañía entre 1954 y 1964. Jasper Johns siguió como Consejero Artístico de 1967 a 1980, y Mark Lancaster a partir de 1980 hasta 1984.

Los últimos Consejeros para ser designados fueron Guillermo Anastasi y Dove Bradshaw en 1984. Otros artistas que han colaborado con MCDC incluyen a Tacita Dean, Rei Kawakubo, Roy Lichtenstein, Bruce Nauman, Ernesto Neto, Frank Stella, Benedetta Tagliabue, y Andy Warhol. Merce Cunningham había estado al frente de la vanguardia norteamericana por más de 70 años y había llegado a ser considerado por muchos como el coreografo vivo más importante. Durante la mayor parte de su carrera, él fue también uno de los mayores bailarines americanos.

Con una carrera artística distinguida por la innovación constante, Cunningham amplió las fronteras no sólo de la danza, sino también de las artes contemporáneas visuales y artísticas. Sus colaboraciones con innovadores artísticos de cada disciplina cedieron un cuerpo de baile, música y arte sin igual.

De todas sus colaboraciones, el trabajo de Cunningham con John Cage, su compañero de vida a partir de los años 40 hasta la muerte de Cage en 1992, tuvo la mayor influencia sobre su práctica. Juntos, Cunningham y Cage propusieron un número de innovaciones radicales. La más famosa y polémica de estas se refería a la relación entre el baile y la música, que ellos concluyeron quizás en el mismo momento y lugar, pero que debían de crearla independientemente del otro. Los dos también hicieron amplio uso de procedimientos mediados por el azar, abandonando formas no sólo musicales, sino también la narrativa y otros elementos convencionales de composición de baile -como la causa y el efecto, el punto culminante y el anticlímax-. Para Cunningham el sujeto de sus bailes era siempre el baile en sí mismo.

Nacido en Centralia, Washington el 16 de abril de 1919, Cunningham comenzó su carrera profesional de danza moderna a los 20 con una trayectoria de seis años como solista en la Compañía de Baile de Marta Graham. En 1944 presentó su primer espectáculo solista y en 1953 formó la Compañía de Danza Merce Cunningham como un foro para explorar sus ideas innovadoras. Sobre el curso de su carrera, Cunningham hizo de coreógrafo de más de 200 bailes y más de 800 "Eventos". Los bailarines que entrenaron con Cunningham y siguieron formando sus propias compañías incluyen a Paul Taylor, Trisha Brown, Lucinda Childs, Karole Armitage, Foofwa d'Immobilité, y Jonah Bokaer.

La pasión de toda la vida de Cunningham por la exploración y la innovación lo convirtió en el líder de la aplicación de nuevas tecnologías a las artes. Comenzó a investigar el baile en el cine en los años 70, y desde 1991 hizo coreografías utilizando el programa para computadora DanceForms. Exploró la tecnología de captura de movimiento para crear décor para el BÍPEDO (1999), y más recientemente su interés en nuevos medios de comunicación lo condujo a la creación de los Lunes con Merce (www.merce.org/mondayswithmerce.html). Esta serie de transmisión por Internet proveyó una mirada "nunca antes vista" de la Compañía y la enseñanza de Cunningham con vídeo de clases de técnica avanzada, el ensayo de la Compañía, el metraje de archivo, y entrevistas con miembros actuales y antiguos de la Compañía, coreógrafos, y colaboradores.

Cunningham ganó algunos de los honores más altos concedidos en las artes. Entre sus muchos premios están la Medalla Nacional de Artes (1990) y el Compañerismo MacArthur (1985). También recibió el Premio Imperial de Japón ­­en 2005, el Premio Británico de Laurence Olivier en 1985, y fue llamado Oficial de la Legión de Honor de Francia en 2004. La vida de Cunningham y su visión artística han sido el tema de cuatro libros y tres exposiciones principales, y sus trabajos han sido presentados por diversos grupos incluyendo el Ballet clásico de la Ópera de París, el Ballet Clásico de la Ciudad de Nueva York, el Teatro de Ballet clásico americano, el Proyecto de Baile de Roble Blanco, y la Empresa de Baile de Rambert de Londres.

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Fotografías de la escena del crimen

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Las fotografías de la policía científica son raramente presentadas al público, quedando almacenadas muchos años en archivos confidenciales debido a que transgreden ciertos tabús cuando sus temáticas son la muerte violenta y el crimen. Estas fotos, tomadas hace casi cien años por Rodolphe Archibald Reiss, fundador del Instituto de la Policía Científica de la Universidad de Lausana, revelan su total dimensión estética conservando su fuerza intensamente emocional. Como un pionero de la ciencia forense, Reiss muestra sus habilidades fotográficas que son inigualables en este campo.

Rodolphe A. Reiss, Dariste affair, dentro de un negocio, Nyon, Marzo 13, 1905.

Como la memoria artificial de los investigadores, las fotografías fueron tomadas en un estilo muy formal para documentar escenas del crimen y pistas descubiertas, de la forma más impasible como fue posible. Ellos están todos asociados con la enseñanza de Reiss o sus experteas evaluaciones. Ellos nos permiten ver sitios y ambientes insólitos y, paradójicamente, son a menudo muy abstractos en sus formas. 


El límite entre la realidad y lo imaginario queda quebrado aquí. Situado entre los actos y su representación, estas fotografías están llenas de emociones inusuales debido a las circunstancias dramáticas que ellas reconstituyen. 

 

120 cuadros son presentados en esta exposición, producida en colaboración con el Instituto de la Policía Científica de la Universidad de Lausana, que celebra el centésimo aniversario de su creación gracias a Rodolphe Archibald Reiss. 

 

Rodolphe Archibald Reiss (1875-1929)

 

Nacido en una familia alemana y con ciudadanía de Cantón de Vaud en 1901, Rodolphe Archibald Reiss nació el 8 de julio de 1875 en la Gut-Hechtsberg en el Bosque Negro (Baden). Después de estudiar química en la Universidad de Lausana desde 1895, él obtuvo su grado doctoral en ciencias en 1898. Como un miembro de la sociedad de los estudiantes "Stella", él e Isaac Rouge crearon el Diario suisse des fotographes. 

 

Como primer asistente del profesor de química Heinrich Brunner en la Universidad de Lausana en 1898, se convirtió en el director de fotografía en la misma universidad en 1899 y, en este contexto, fue llamado para colaborar con grupos involucrados en varias disciplinas. En 1900, instaló un servicio de rayos X en el Hospital cantonal de Lausana. Desde 1901, fue nombrado Docente privado de Fotografía en la facultad de ciencias, enseñó fotografía y se convirtió en el redactor principal de la Revista Suisse de photographie, actividad que continuó hasta 1906. En 1901, se convirtió en ciudadano de la Ciudad de Lausana, Cantón de Vaud y de Suiza.

 

En 1902, Reiss enseñó fotografía investigativa. En 1903, organizó la Unión Internacional de Congresos de Fotografía en Lausana, con la participación de los nombres más famosos de la fotografía científica, documental y artística del auge del vigésimo siglo. Él también publicó La photographie judiciaire en el mismo año, en París. 

 

 

Su Manual del retrato que habla, publicado en 1905 y directamente inspirado por su trabajo con Alphonse Bertillon en París, precedió su nombramiento en 1906 como profesor extraordinario de la Policía scientífica. En 1909, fundó el Instituto de la Policía Científica de la Universidad de Lausana, que supervisó hasta su dimisión en 1919. 

 

A partir de 1910 en adelante, aceptó varios mandatos en otros países. En 1910, creó un Servicio Científico de Policía en San Petersburgo, y en 1911 y 1912 fue confiado con la educación técnica del personal que manejaba los laboratorios de maestrías judiciales. También supervisó la organización de servicios técnicos en San Paulo y Río de Janeiro en Brasil. 

 

Su Manual de polícia científica fue editado en 1911 y perdura como un libro de consulta histórico para todos los médicos forenses. En 1914, sirvió como presidente y vicepresidente de numerosos congresos de fotografía, antropología criminal y de investigación policial. Durante el mismo año, publicó su último trabajo de ciencia forense, Contribución a la reorganización de la policía. A partir de 1914 en adelante, se convirtió en el Investigador Oficial del gobierno serbio en relación con las atrocidades que comprometieron a los ejércitos alemanes y austríacos. 
Reiss dimitió de sus funciones en la Universidad de Lausana en 1919 y se instaló en Belgrado, donde murió el 8 de agosto de 1929.

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La famosa casa de Subastas Christie’s, fundada en 1766, ha sacado al mercado una aplicación para los iPhones y iPods Touch con la cual se podrá pujar, en tiempo real, en los Catálogos virtuales de la empresa para poder obtener piezas desde arte hasta objetos de interés de la cultura Pop.

Los usuarios podrán también solicitar tasaciones de objetos a los especialistas de de subastas de la casa, usando la función de la cámara del iPhone. Cualquier solicitud recibida virtualmente será pasada a un experto en el área del objeto al que corresponda.

La aplicación es gratis y se puede obtener a través de la página de iPhone App Store, la Página Web de Christie’s y también, a través de Facebook. Se espera atraer nuevos clientes, pero el objetivo es también proveer de una herramienta conveniente y útil para los clientes regulares que están abiertos a las nuevas tecnologías.
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NUEVA YORK, Nueva York - un innovador personaje del arte de siglo XX, Man Ray (1890-1976) reveló múltiples identidades artísticas a lo largo de su carrera - el Dadaísta, el Surrealista Parisino, el retrato internacional y el fotógrafo de moda - y produjo muchos trabajos importantes y duraderos como fotógrafo, pintor, cineasta, escritor, escultor, y fabricante de objetos. Relativamente pocas personas saben que él nació con el nombre de Emmanuel Radnitzky de inmigrantes rusos judíos. De hecho, él pasó su vida suprimiendo su pasado al punto de afirmar que nunca tuvo otro nombre más que Man Ray.

 

El Museo judío presentará ‘Alias Man Ray: El Arte de la Reinvención, del 15 de noviembre de 2009 al 14 de marzo de 2010, una gran exposición que considera como la vida del artista y la carrera fueron formadas por su experiencia de cambio de siglo de inmigrante judeo-americano y la negación de su pasado. La muestra explora la deliberada ambigüedad cultural de Man Ray que se convirtió en el primer artista americano en ser aceptado por la vanguardia de París. Esto también examina la conexión dinámica entre la asimilación de Man Ray, la evolución de su arte, y su construcción voluntariosa de un personaje distintivo artístico, como es evidenciado en una serie de autoreferencias sutiles, cifradas a lo largo de su carrera.

 

Los visitantes de Alias Man Ray serán parte de la infinita experimentación del artista con más de 200 trabajos incluyendo fotografías, pinturas, esculturas y objetos, dibujos, películas y una selección de sus escrituras. Como primer espectáculo multimedial de Man Ray en un museo de la Ciudad de Nueva York desde 1974, la exposición presentará muchos trabajos icónicos como las fotografías Le Violon d'Ingres (1924) y Noire et Blanche (1926); la Guerra de pinturas (Año de Cristo. MCMXIV) (1914), el Bailarín de Cuerda Se acompaña con Sus Sombras (1916) y la Fortuna (1938); y la pantalla de madera La Fôret Dorée de Man Ray (1950).

 

Mejor conocido como fotógrafo, Man Ray de hecho se movió de un medio al otro como desafiando las fronteras estéticas. El espectáculo del Museo judío no se limita a un período de la carrera del artista o un único medio, como la fotografía. Este acercamiento es esencial para ilustrar cómo Man Ray continuamente rompió con la tradición estética y forjó una nueva identidad artística.

 

Él llegó a la mayoría de edad al principio del siglo XX en el auge del arte abstracto. Man Ray creció en Williamsburg, Brooklyn. Su padre trabajó como sastre y su madre era costurera. Después de su introducción a círculos de arte de Nueva York por el fotógrafo y propietario de galerías, Alfred Stieglitz, él se marchó a París - el centro del arte experimental - y fue absorbido por la vanguardia. El año era 1921 y Man Ray tenía 31 años. En París, él no fue percibido como judío, ni neoyorquino, pero como un americano librepensador que rápidamente ganó atención.

 

 

Para poder vivir, él tomó trabajos como fotógrafo de un amplio espectro de figuras literarias y artísticas. Aquel grupo ahora leía como un panteón modernista -André Breton, Jean Cocteau, Marcel Duchamp, James Joyce, Ernest Hemingway, Marcel Proust y Gertrudis Stein, entre otros-. Estos retratos innovadores, todo en exposición en la muestra, proporcionan una crónica del entorno social en el cual Man Ray prosperó.

 

Man Ray se comprometió en un proceso constante de autoinscripción y borradura, logrando burlar a cualquiera que quisiese etiquetarlo. Como su amigo íntimo y Dadaísta Marcel Duchamp, Man Ray tomó el placer por los juegos y las expectativas que confunden. Con su independencia firme y su necesidad de explorar cada avenida artística, Man Ray forjó una visión que cambió la concepción que se tenía del arte mismo.

Para visitar el Museo Judío: http://www.thejewishmuseum.org/

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WASHINGTON, DC.-el Fotoperiodista Alfred Wertheimer fue contratado por Victor RCA en 1956 para fotografiar imágenes promocionales de un artista de grabación reciente de 21 años, Elvis Presley. Los instintos de Wertheimer para "seguir" con el artista después de la asignación y las imágenes resultantes nos proporcionan hoy una mirada al Elvis anterior a su explosión en escena y su transformación en uno de los artistas más apasionantes de su tiempo. " Elvis a los 21: fotografías de Alfred Wertheimer, " una nueva exposición itinerante Smithsoniana, presenta 56 de estas imágenes asombrosas y se estrenó primeramente en el Museo Grammy en Los Angeles el 8 de enero de 2009, en lo que sería el 75 cumpleaños de Elvis.

 

 

Desarrollado en colaboración entre la Institución Smithsonian al Servicio de la Exposición Itinerante, la Galería Nacional de Retratos de Smithsonian y la Galería Govinda, " Elvis a los 21 " abrirá sus puertas en el Museo Grammy el 28 de marzo de 2010. Después de su exposición en Los Angeles, la exposición viajará a museos de todo el país hasta el 2013. " Elvis a los 21 " es patrocinado a escala nacional por el canal History Channel.

 

Wertheimer tenía total acceso y documentó a Elvis en la gira, entre bastidores, en el concierto, en el estudio de grabación y en su casa en Memphis, Tenn. El coronel Tom Parker", el gerente de Elvis, restringió el contacto justo un tiempo más tarde. Las fotografías documentan un tiempo notable cuando Elvis podía sentarse solo en una barra de droguería.

 

"Conocían a Henri Cartier-Bresson por fotografiar lo que él llamó ' el momento decisivo, ' ese momento cuando todo se cae en el lugar," dijo Wertheimer. "Pero estuve más interesado en los momentos antes o después del momento decisivo."

 

Wertheimer estuvo cerca de capturar un encuentro coqueto con una joven entre bastidores en Richmond, Va. Él estaba en el estudio de grabación de la Ciudad de Nueva York durante el día histórico durante el cual Elvis grabó "No Seas Cruel" "y el Perro de Sabueso." Ambas canciones con éxito en el Nº 1 en los charts, el primer y único momento en el cual un disco single alcanzó esta distinción.


Wertheimer también se unió a Elvis después de la sesión de grabación cuando él viajaba a casa a Memphis en tren. Una imagen muestra a Elvis como parte de la muchedumbre que rodea a un vendedor de almuerzos sobre una plataforma del tren durante una parada en medio del viaje de 27 horas. El anonimato que él tuvo durante esta parada fue efímero; al viaje le siguieron algunos meses en los cuales Elvis apareció en los programas de televisión "Stage Show", " El Espectáculo de Milton Berle" y “El Espectáculo de Steve Allen." Las fotografías de un concierto en el Parque de Russwood a su vuelta a Memphis muestran a un joven que ahora debía tener un escolta de policía para pasar a través de la muchedumbre de admiradores entre su coche y el estadio.

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Todos a la casa de Otto

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La casa del artista Otto Dix será reabierta por el Museo de Arte de Stuttgart.

Stuttgart. La casa donde el artista Otto Dix (1891-1969) pasó sus últimos años está siendo renovada y convertida en parte de la Kunstmuseum Stuttgart –Museo de Arte de Stuttgart-, al sur de Alemania. "Estamos ahora en la fase final del proceso para establecer la Stiftung Otto Dix Haus [Casa Fundación Otto Dix] que ocupará el edificio de los herederos de Dix. El plan es volver a abrirla como un museo en 2010", dice Daniel Spanke, curador del Kunstmuseum Stuttgart.

 

Autoretrato como Marte, 1915

 

La casa, diseñado para Dix por el arquitecto Arno Schlecher, está situada en la aldea de Gaienhofen-Hemmenhofen sobre la península Höri en el Lago Constanza, 150 km al sur de Stuttgart. El artista, que es mejor conocido por su salvajes retratos de figuras notables de la Alemania de pre-guerra, y que fue considerado como un "artista degenerado" por los nazis, se trasladó a Hemmenhofen en 1936, donde vivió hasta su muerte en 1969.

 

Dix tenía sentimientos contradictorios sobre la posición idílica, alguna vez declarando que era " tan hermoso que usted tiene que vomitar ". En 1991 la casa fue abierta al público, pero la falta de financiación produjo poco a poco su estado de decadencia. El estado será controlado por Stuttgart Kunstmuseum y mostrará exposiciones temporales de los trabajos de Dix. Concederán una beca anual a un investigador joven para organizar el muestra. Además habrá una exposición permanente mostrando la casa durante el período en el cual el artista vivió allí con su familia.

 

Retrato de la Bailarina Anita Berber, 1925

 

La fundación ya ha levantado más que €1.5m: la ciudad de Stuttgart ha dado 250,000 euros y hubo contribuciones significativas de los municipios de Gaienhofen y Konstanz, así como de patrocinadores privados. Bettina Pfefferkorn, el nieto de Dix, también ha apoyado el proyecto por la venta la casa a la fundación en el 50 % menos que su valor en el mercado estimado.

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Tel AVIV.-la Fábrica de Andy Warhol (Nueva York, 1963-1983) era uno de los centros más famosos de creatividad en la historia del arte contemporáneo. La exposición presenta retratos de Warhol y algunos de sus socios, tomados en la Fábrica por Billy Name, Gerardo Malanga, Carl Fischer y Curtis Knapp. Warhol operó una máquina para crear y elevar a superestrellas, y transformó el modo que nosotros teníamos de ver los retratos de celebridades ens us pinturas, sus películas, su revista Interview, y la promoción de los numerosos creativos de su círculo social.

Todas las imágenes que Warhol produjo - silkscreens a base de fotografía, films de "pruebas cinematográficas", largometrajes y fotografías inmóviles - fueron motivados por dos objetivos principales: el impulso de capturar y elevar la personalidad, la fama y la celebridad, y el impulso de crear una defensa momentánea contra el tiempo, la transitoriedad de la vida y la muerte. Las fotografías de Warhol tomadas por Carl Fischer en 1969, después de que Warhol fuera herido en una tentativa de asesinato, revelan las cicatrices físicas dejadas por la herida así como la vulnerabilidad de su célebre imagen.

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Revelando al joven Rembrandt

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Amsterdam. El retrato más temprano de Rembrandt ha sido identificado en una pintura por su colega, Jan Lievens. El historiador americano de arte, Dr. Arthur Wheelock, de la Galería Nacional de Arte en Washington DC, dice que Rembrandt es la figura central en ‘Los jugadores de cartas’ –Cardplayers-, 1623-24 (detalle encima), cuando Rembrandt tenía 16 años.

La pintura, propiedad de un colector privado, está siendo exhibida en una muestra de Lievens en el Rembrandthuis en Amsterdam (hasta el 9 de agosto), después de su presentación en Washington y Milwaukee. El cuadro sólo recientemente salió a la luz y fue vendido en el Sotheby, Amsterdam, el 8 de mayo de 2007.

Rembrandt y Lievens estudiaron juntos en Amsterdam bajo la tutoría de Pieter Lastman. El doctor Wheelock está convencido de que Rembrandt era el modelo para la figura jovial central que lleva una capa azul. La figura es similar al Retrato posterior de Lievens de Rembrandt de 1629 (en préstamo al Rijksmuseum de una colección privada). El autorretrato de Rembrandt más cercano a la imagen de este cuadro es uno de 1629-30, Autoretrato con gorguera (Germanisches Nationalmuseum, Nürnberg). La figura en la pintura de Lievens es un joven garboso, agradando el destino del perdedor en el juego.

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VIENA, AUSTRIA - Por primera vez, la exposición " Eros y Thanatos – Paseos, Imágenes, Interpretaciones ", en exposición en el Museo Sigmund Freud y en la Biblioteca Histórica del Museo Liechtenstein, reflexiona la teoría de Freud de las pulsiones a través de excepcionales obras de arte. Las pinturas, dibujos, copias, esmaltes y esculturas de artistas incluyendo a Durero, Rubens, Bellucci, Klimt y Schiele ilustran la interacción entre la vida y las pulsiones de muerte.

Peter Paul Rubens (1577-1640) Alegoría de Guerra. óleo sobre madera. Vaduz-Wien.

El equipo de conservadores de la exposición y consejeros científicos incluye a Monika Knofler, directora de la Colección Gráfica de la Academia, Johann Kräftner, director del Museo Liechtenstein, Hannes Etzlstorfer, y Jeanne Wolff-Bernstein, un psicoanalista de San Francisco y ex-Presidente del Instituto Psicoanalítico de California del Norte. La exposición se realizarará entre el 12 de junio y el 13 de octubre de 2009.

Con su tardío trabajo, la teoría de Freud de las pulsiones se centra en la oposición entre la pulsión de muerte (Thanatos) y la pulsión de vida (Eros). Él procuró explicar la diversidad de vida psíquica por la interacción del conflicto entre estas dos pulsiones principales. "Eros y Thanatos" son el primer esfuerzo conjunto de los dos museos, y esto representa una continuación de la cooperación del Museo Sigmund Freud con la Colección Gráfica de la Academia de Bellas Artes de Viena.


Inge Scholz-Strasser, director del Museo Sigmund Freud, aclara: " En esta exposición hemos aunado una polémica teoría psicoanalítica con dos colecciones de arte internacionalmente significativas y de renombre histórico. Esta es la primera cooperación con el Museo Liechtenstein, que ha proporcionado trabajos claves gracias al préstamo al Museo Sigmund Freud."


Johann Kräftner, director del Museo Liechtenstein sigue: " Con esta exposición nos gustaría juntar las energías de los dos museos, proporcionando un nuevo impulso en un distrito que repetidamente era el lugar de nacimiento de grandes logros culturales en Viena. Por la cooperación de dos grandes antípodas, la casa y el lugar de trabajo de Sigmund Freud en Berggasse y el Palacio Liechtenstein, trabajando juntos con la Colección Gráfica de la Academia de Bellas Artes, nuevas realizaciones se han abierto gracias a la integración de una perspectiva transdisciplinaria en la consideración de los temas de los cuales se podría haber pensado que ya no había nada nuevo por conocer."

Francesco del Cairo (1607-1665) Lucrecia. Óleo sobre lienzo. Sammlungen des Fürsten von und zu Liechtenstein.


La exposición ilustra la teoría freudiana de las pulsiones a través de pinturas y gráficas de la antigüedad, el Renacimiento, etc. Durante la vida de Freud, los artistas como Schiele, Klimt y Kokoschka dedicaron gran atención al tema de la sexualidad sin alguna vez haber leído las teorías de Freud sobre el asunto. A la inversa, aunque Freud se sintiera mal entendido por sus adherentes en cuanto a Eros y Thanatos, él también no buscó contactarse con los artistas de su era, en cambio sólo prestó atención a las resonancias de sus teorías revolucionarias en las escrituras del filósofo presocrático Empedocles.


En " Eros y Thanatos " el Museo Sigmund Freud y el Museo Liechtenstein usa los textos de Freud en la exploración de la tensión entre la vida y la muerte, entre la violencia y la pasión con el trabajo de los artistas de varias épocas - de Durero a Giordano a la Secesión de Viena-.

Eros y Thanatos en el trabajo de Sigmund Freud

En Más allá del Principio de Placer (1920) Freud introdujo el concepto de pulsión de vida y de muerte por primera vez, por el cual él declaró que su concepto más temprano de una dualidad entre la pulsión de instinto de conservación y la pulsión sexual era más suficiente. Aunque un número de psicoanalistas expresaran la duda en cuanto a su nueva teoría, Freud dejó a un defensor enérgico de esta teoría para el resto de su vida.

Cristofano Allori (1577-1621) Judith con la Cabeza de Holofernes, 1613. Sammlungen des Fürsten von und zu Liechtenstein, Vaduz-Wien.

Según su ensayo, la pulsión de vida - Eros - se esfuerza de alargar la vida y se conecta con los objetos, mientras la pulsión de muerte - Thanatos - anhela una vuelta a una etapa más temprana de vida, un estado sin tensión y casi sin vida, y no se esfuerza de en establecer relaciones con el objeto. En los años pasados de Freud, sus teorías de Eros y Thanatos encontraron su resonancia creciente en la naturaleza violenta y autodestructiva de acontecimientos políticos y sociales en todo el mundo.

En su carta de 1932 a Albert Einstein, Freud unió a Eros con el gustar y Thanatos con el odiar, al mismo tiempo advirtiendo: " (...) debemos ser prudentes de tomar precipitadamente las nociones de bien y mal. Cada uno de estos instintos es tan indispensable como su contrario, y todos los fenómenos de vida provienen de su actividad. " La exposición "Eros y Thanatos" muestra cómo es continuamente relevante la lucha entre la pulsión externa tormentosa y la pulsión interna, las cuales han permanecido en lucha a lo largo de la historia de la humanidad.

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LONDRES.- El artista internacionalmente aclamado Bill Viola fue nombrado encargado de crear dos retablos para su exhibición permanente en la Catedral de San Pablo, el Decano y el Capítulo de San Pablo anunciados últimamente.

Bill Viola – Océano sin orilla, 2007. video/sonido-instalación con 3-canales de alta definición

La producción comenzará a mediados de 2009 con su finalización a principios de 2011. Cada trabajo empleará un arreglo de múltiples paneles de pantallas plasma configuradas en una manera similar a los retablos históricos.

Las pantallas serán montadas sobre paneles de bisagra, permitiéndoles estar cerradas. Canon Martin Warner, Tesorero de San Pablo, dijo: "Estos trabajos se espera que añadan algo diferente a la experiencia piadosa y reflexiva de los visitantes de San Pablo, deteniendo la atención de la gente e invitándolos a hacer una pausa y reflexionar acerca de su visita a la Catedral. "
Después del programa extenso de limpieza y reparación del interior de San Pablo, completado en el 2005, han comisionado que Bill Viola cree dos retablos sobre los temas de María y los Mártires. Estas dos instalaciones de vídeo de multipantalla serán localizadas al final de los pasillos de Mano de papel, flanqueando el Altar mayor de la Catedral y la Capilla americana donde se conmemoran a los hombres y mujeres norteamericanos que dieron sus vidas en la Segunda Guerra Mundial.
Bill Viola dijo: "Los dos temas de María y los Mártires simbolizan algunos misterios profundos de la existencia humana. Uno se relaciona con el nacimiento y el otro con la muerte; uno con la comodidad y la creación, el otro con el sufrimiento y el sacrificio. Si acierto, los pedazos finales funcionarán tanto como objetos estéticos de arte contemporáneo así como objetos prácticos de contemplación tradicional y devoción."


Bill Viola, un pionero reconocido en el medio del video-arte, ha creado a lo largo de más de 35 años una amplia gama de video-instalaciones ubicados en vastos lugares del mundo, desde importantes museos hasta en las principales instituciones religiosas, de palacios reales a universidades. Enfocándose en experiencias universales humanas - la vida, la muerte y el renacimiento- el trabajo del artista tiene sus raíces tanto en el arte Oriental como en el Occidental. Él ha contribuido decisivamente al establecimiento del video como una forma importante de arte contemporáneo, y así ha ayudado a ampliar su alcance en términos de tecnología, contenido e investigación histórica.


Dentro de los aclamados trabajos del artista, se encuentran el Océano Sin una Orilla, premiado en la iglesia de siglo XV de San Gallo en la Bienal de Venecia de 2007, el Mensajero, una comisión especial para la Catedral Durham en 1996 y el Estudio de tríptico de vídeo para el Camino (2002) donado a una de las iglesias históricas de Milano, la Basílica di San Marco, en 2008.

Esta comisión forma la parte del Proyecto Artístico de la Catedral de San Pablo, un programa en curso que procura explorar el reencuentro entre el arte y la fe. Proyectos recientes han incluido instalaciones por Rebecca Horn, Yoko Ono y Martin Firrell.

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BERLIN.-"Bauhaus. Un Modelo Conceptual", exposición que comienza el miércoles en Martin Gropius Bau, Berlín, presentada conjuntamente por el Archivo de Bauhaus Berlín, Stiftung Bauhaus Dessau y Stiftung Klassik Weimar.

 

Walter Gropius, modelo de trabajo para la memoria de los “heroes de la marcha”, 1921. Klassik Stiftung Weimar © VG Bild-Kunst, Bonn 2009.

Con motivo del 90 aniversario de la fundación de la Bauhaus y 20 años después de la caída del muro de Berlín, las principales instituciones de investigación de la Bauhaus y museos en Alemania - el Archivo de Bauhaus Berlín, Stiftung Bauhaus Dessau y Stiftung Klassik Weimar – presentan por primera vez conjuntamente una gran muestra. Con aproximadamente 1,000 objetos, será la muestra más grande de la historia de la Bauhaus. El Museo de Arte Moderno de Nueva York, en colaboración con el proyecto, envió 25 objetos a Berlín y presentará su propia parte de la exposición "Bauhaus 1919 - 1933. Talleres para la Modernidad" comenzando el 8 de noviembre en Nueva York.

"Bauhaus. Un Modelo Conceptual" relata la historia de esta escuela única. La enseñanza disciplinaria, experimental, el concepto de talleres orientados a la práctica, la búsqueda de respuestas a preguntas sociales, la propagación de estéticas funcionales así como la experimentación con nuevas técnicas y los materiales en la arquitectura y el diseño eran las preocupaciones más importantes de la escuela. Al mismo tiempo, la exposición revela cómo el desarrollo de la Bauhaus fue caracterizado por muchos cambios de concepto. Las discusiones sobre métodos y contenidos influyeron en el trabajo tanto como los ataques políticamente motivados.

El título de la exposición muestra la motivación de la Bauhaus por determinar un modelo común en el diseño. A lo largo de toda su existencia –con variedad de matices- bajo la dirección de sus tres directores Walter Gropius (1919-1928), Hannes Meyer (1928-1930) y Ludwig Mies der Rohe (1930-1933), la Bauhaus asumió la tarea de tipificar un modelo para la creación de los diseños: no sólo con respecto al nuevo tipo de escuela, pero también como su lugar en la vanguardia del arte contemporáneo y la arquitectura, como un laboratorio para el desarrollo de modelos para la industria y como una fuerza de cambio de la sociedad, con su interés en darle humanidad y una nueva forma a la sociedad moderna.

"Bauhaus. Un Modelo Conceptual" extraordinariamente demuestra el papel que los movimientos artísticos más relevantes - el Expresionismo, el Futurismo, el Dadaísmo, Neue Sachlichkeit, el Constructivismo, y el Surrealismo – jugaron en la Bauhaus entre 1910 y 1933, demostrado por los trabajos de Marcks, Muche, Kandinsky, Moholy-Nagy, Albers, Bayer, Breuer, Schlemmer, Feininger, Klee, Meyer, Hilberseimer y la furgoneta Mies der Rohe.

La exposición presenta no sólo los trabajos de los Maestros de la Bauhaus, sino también los de sus estudiantes. Estos ilustran el desarrollo artístico de la escuela y demuestra la impresión del impacto poderoso de la Bauhaus, sobre todo después de su cierre. Muchos estudiantes provenientes de la Bauhaus, ellos mismos más tarde se convirtieron en los artistas más influyentes de su generación, como Wilhelm Wagenfeld, Max Bill, Richard Paulick, Marianne Brandt, Lux Feininger y más muchos.

Para transportar la historia turbulenta y la creatividad diversa de la Bauhaus, la exposición " Bauhaus. Un Modelo Conceptual " escoge la perspectiva de la historia de su desarrollo. Así esto se diferencia de las muestras realizadas hasta el momento, que principalmente fueron orientadas alrededor de los talleres de la Bauhaus. Así, el primer espacio de un total de 18 cuartos de la galería de "Bauhaus. Un Modelo Conceptual " comienza con el concepto más temprano de la Bauhaus, en particular su fascinación con el "Bauhütte" medieval (el alojamiento masónico, en particular para la construcción de catedrales), y la importancia simbólica de la catedral Gótica que representa los principios del Gesamtkunstwerk –obra de arte total- y el trabajo en equipo. Una fotografía de la aguja de Ulm Muenster, que colgó en la oficina de Gropius a lo largo de su vida, ilustra esta premisa básica de la Bauhaus.

La Esfera En color de Ittens para la Orientación

El visitante entra a la exposición por una puerta situada en el vestíbulo histórico de Martin Gropius. Las formas geométricas básicas -el triángulo, el cuadrado y el círculo- resignifican sus funciones en las puertas para la entrada, el paso y la salida de la exposición. El cliché del Modernismo blanco y negro que saluda al visitante es la parte del diseño útilmente colorido de la exposición(muestra) en el vestíbulo de Gropius. En la referencia a la esfera de color de Johannes Itten, los arquitectos de la exposición chezweitz&roseapple delegaron un color a cada una de las etapas del desarrollo de la Bauhaus.

Así, una cinta colorida ata la presentación: comenzando con amarillo para los años de Weimar de la Bauhaus, siguiendo con naranja rojizo y púrpura para el período Dessau y finalizando con azul y verde para la fase de Berlín antes del cierre final.

¡¡Hágalo usted mismo! Bauhaus (DIY –Do It Yourself- Bauhaus)

La instalación realizada por Christine Hill " DIY Bauhaus - construye su propio Bauhaus! " es un comentario contemporáneo artístico dedicado a una leyenda. Christine Hill examina cómo la legendaria escuela de la Bauhaus ha llegado a penetrar en nuestra cultura actual. La idea de Christine Hill era la premisa que para la Bauhaus, la tarea de arte y diseño era incompleta si esta no incluía la dimensión política y social. Así, su punto de partida es la máxima de Hannes Meyer, "Necesidades de la gente, no lujos". Paralelamente a la comercialización de objetos de la Bauhaus como objetos de lujo, las ideas de la Bauhaus se convirtieron en triviales. Aquí es donde Christine Hill, que se hizo conocida con su "Volksboutiquen" (Pequeñas tiendas de moda De la gente) en 1995, comienza su instalación.

Ilka y Andreas Ruby, Bauhaus Infinito, video-instalación, 2009

En su video-instalación, " Bauhaus Infinito ", Ilka y Andreas Ruby entrevistan once figuras contemporáneas acerca de la actual importancia de la Bauhaus. ¿La Bauhaus es una entidad del pasado, o es significativa hoy? ¿Cuáles de sus originales intenciones se han abandonado, y cuál de sus ambiciones podrían ser continuadas hoy? ¿Cuáles ideas de la Bauhaus parecen actualmente irrealizables? ¿Hay allí algo que sinceramente debemos a la Bauhaus? ¿El desafío principal de la Bauhaus -el deseo para la unidad de los poderes creativos del arte, la artesanía, la tecnología y la ciencia- se ha hecho anacrónico hoy - o necesitamos esta clase de objetivos para esta sociedad cada vez más especializada?

Para encontrar las respuestas a estas preguntas, Ilka y Andreas Ruby encontraron varios personajes del diseño relacionados con la Bauhaus de algún modo - arquitectos, artistas, conservadores, diseñadores de comunicación, diseñadores de automóviles, historiadores de arte y empresarios-. Los comentarios de los entrevistados son temáticamente agrupados y montados en una conversación virtual.

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Rafael: La mujer con el Velo

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Esta gran pintura data del año 1516, y se estará exhibiendo en el Museo de Arte de Portland, entre el 24 de Octubre y Enero del año próximo. La pintura fue tomada de la colección de los Medici de la Galería Palatine, del Palacio Pitti en Florencia, Italia, y esto fue posible gracias a la Fundación para el Arte Italiano y la Cultura.

 

Marilyn H. y Dr. Robert B. Pamplin, y el director Brian Ferriso dijeron "Esta pintura es sinceramente una de las más resaltadas en los 115 años de historia del museo. Es algo muy significante para nuestra institución, ciudad y región y una oportunidad extraordinaria para que el público vea, experimente y aprenda de una pintura que captura todos los ideales del Alto Renacimiento. Dándole su significación histórica y cultural, esta obra maestra rara vez salió de Italia. A menos que uno viaje a Florencia, no se tendría la oportunidad de ver esta obra de arte...”

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El Design Museum de Londres acoge, desde hoy y hasta el 1 de Noviembre, la primera retrospectiva del diseñador español Javier Mariscal, en el Reino Unido.



La muestra lleva por nombre Drawing Life, y no está organizada cronológicamente, sino por conceptos, distribuída en seis salas del museo, con el objetivo de repasar todas las fasetas creativas de este gran diseñador Valenciano, a lo largo de más de 30 años de carrera artística.




Se exhibirán más de 2.000 piezas, desde personajes de dibujos animados, como ‘Cobi’, la mascota oficial de los Juegos Olímpicos de Barcelona, hasta sus diseños de interiores, fotografías, bocetos, muros collage, logotipos, etc.




La muestra estará presidida por la pintura mural, diseñada especialmente por Mariscal para esta muestra, la cual podrá verse en la fachada del Design Museum para llamar la atención de los visitantes.
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