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Las últimas exposiciones nacionales e internacionales

El Papa de los artistas

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Más de 250 artistas incluyendo a Ennio Morricone y Bill Viola se reunirán con el Papa Benedicto XVI este mes para reavivar las relaciones de la Iglesia con el mundo del arte.

 

El 21 de noviembre se realizará la reunión en la Capilla Sixtina, y será un “momento representativo que mostrará la voluntad de diálogo entre la iglesia y la institución arte”, dijo el Cardenal Gianfranco Ravasi, presidente del Consejo Pontificio para la Cultura.

 

Todas las artes estarán representadas, desde la pintura, el cine, la poesía y desde el teatro hasta la arquitectura, la literatura y la música. El artista de video norteamericano Bill Viola y el director británico Peter Greenaway se unirán a una multitud italiana de 255 artistas que incluye también a los directores Nanni Moretti y Marco Bellocchio.

 

Las charlas vuelven después de 45 años con una iniciativa similar, aquella también llevada a cabo en la Capilla Sixtina, cuando el Papa Pablo VI ofreció un mea culpa por el tratamiento de la iglesia con los artistas del pasado. La fecha coincide también con el momento –hace 10 años- en que el Papa Juan Pablo II escribió una carta a los artistas enfatizando que la iglesia “necesita arte”.

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El Fellini de todos los tiempos

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Fellini, alguna vez visto como un mero bromista, se ha convertido en todo un clásico. El Jeu de Paume en Paris está honorando al cineasta italiano con una vasta exposición, aptamente titulada “La Grande Parade”.

 

Procesiones, disfraces y payasos son leitmotifs de sus películas. A la edad de 7 años, Fellini (1920-1993) se escapó de su colegio para ir tras un circo móvil. A pesar de que la aventura prontamente terminó, el circo permaneció como una obsesión para todo su vida. La muestra en el espacio de la exposición en el Jardín de las Tullerías, no intenta mostrar la vida de Fellini cronológicamente. Esa es una sabia decisión, imponiendo una tendencia que nos hace reinventar su pasado constantemente.

En cambio, las muestras –fotografías, posters, revistas, films y los propios dibujos de Fellini- están agrupadas en temáticas más o menos específicas.

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¿Baco o... Caravaggio?

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Otro descubrimiento­ en virtud de las nuevas tecnologías se alía con la historia del arte. Gracias a una reflectografía multiespectral realizada sobre la pintura Bacchus (Baco) de Caravaggio, preservada en la galería Uffizi en Florencia, ha sido posible reconocer una pequeña figura reflejada en la jarra de plástico en el lado izquierdo, identificable como un autorretrato del pintor lombardo.

 

Michelangelo Merisi pintó, dentro del jarro, el contorno de un personaje parado con un brazo extendido hacia adelante, cuyos rasgos faciales son claramente distinguibles, en particular la nariz, los ojos y el cuello. Hoy, podemos declarar que el gran maestro hizo su autorretrato reflejado allí en la jarra que pintó entre 1595-97 (él tenía entonces 25 años de edad). Por algún tiempo se pensó que la cara de Caravaggio estaba escondida en algún lugar de la tela del joven Baco, pero ningún experto lo había podido documentar.

 

Mientras esta obra maestra magnificente estaba siendo restaurada en 1922, Matteo Maragoni declaró que había observado una pequeña cabeza reflejada en el jarrón, similar al ‘Frutero’ o el Bacchus Borghese, a los cuales quería relacionar con las características de Caravaggio, “grandes órbitas oculares, nariz amplia y desairada, labios rellenos y semi-abiertos; pero ahora con una inspección directa resulta imposible encontrarlo: es sólo posible descubrir un manojo de pelo negro, la huella de una cara, un poco de blanco en el cuello”.

 

La sensacional identificación hecha en los últimos días ha sido posible gracias a los análisis arduo sofisticados de la pintura, llevados a cabo con instrumentos de avanzada. Durante el estudio realizado por Art-Test, la investigadora Roberta Lapucci percibió “la presencia de una pequeña cabeza y de una base o una tela pequeña, en el jarro. Luego del procesamiento de las imágenes adquirido por el reflectógrafo multiespectral, obtuvimos una imagen clara de lo que el artista había pintado. Podemos ver a un muy joven Caravaggio, creando con un pincel en su mano”.

 

El área del jarrón, como resultado de un test de rayos fluorescentes UV, ha sido modificada por extensas restauraciones, pero estas no superpusieron completamente a la figura. Lo que ha escondido hasta ahora el contorno del autorretrato es probablemente un barniz puesto en todas las zonas oscuras de la pintura, durante una vieja intervención. El único problema que se presentó, en relación con el hallazgo, es la discusión acerca de quién ha identificado primeramente el autorretrato de Caravaggio representado en la jarra. Luego del anuncio hecho por Art-Test, quienes claman haber sido los primeros, el 31 de octubre pasado el Opificio delle Pietre Dure y el CNR (Consejo Nacional de Investigación) denunciaron que el diagnóstico del hallazgo ya había sido documentado por el Opificio y por el Instituto Nacional de óptica aplicada del CNR.

 

Además de la disputa entre Art-Test y el Opificio Florentino, deberíamos mencionar que el Baco es una pintura maravillosa que fue comisionada a Caravaggio por el Cardenal De Monte quien se lo entregó a Ferdinando I de Médici en ocasión de la celebración del casamiento de su hijo Cosimo II. En la pintura, el vino ha sido recientemente volcado y Baco sostiene la jarra con incertidumbre. Maurizio Calvesi, historiador de arte, interpretó esta obra como parte del género alegórico-mitológico: lo andrógino del sujeto debería ser entendido como la unión de los opuestos. Por otro lado, otros expertos creen que la tela es una alegoría de la sangre de Cristo ofrecida para salvar a la humanidad.

 

 

 

Casi luego de 400 años de su muerte, el gran Michelangelo Merisi nos ha dado una sorpresa, pero también una demostración de una técnica muy fina que enriquece aún más la extraordinaria contribución que le entregó al arte y a la pintura.

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Marzia, la escandalosa

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Marzia Migliora es la ganadora de la 10ª edición del Premio Cairo, el evento conectado con la revista mensual Arte, promocionada por el editor Urbano Cairo en apoyo al arte joven. Cada artista que fue invitado presentó 2 obras, una de su propio repertorio y otra creada específicamente para el evento.

 

Pero esta es una regla que parece haber sido violada: la obra “Pier Paolo Pasolini” de la ganadora del 2009 no es nueva, como fue impuesto por las reglas del concurso. En el momento de la entrega de premios, el dueño de la Galería Romana Changing Role, Guido Cabib, habló desde la audiencia: “¡No puede ser! ¡La obra de Marzia Migliora ya ha sido vista! ¡El año pasado estaba en el stand de Lia Rumma durante la feria de Roma, y de acuerdo a las regulaciones del premio debe ser nueva!”.

 

Vergüenza general, abucheos y tentativas de la artista de explicar cómo el trabajo fue concebido...

Es posible de ver en Internet la reproducción de esta instalación, en el sitio web de la galería de Lia Rumma y en el sitio web de “El Camino al Arte Contemporáneo de Roma”.

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Expertos de la casa de subastas Bonhams en Londres han recientemente identificado un ánfora increíble con figuras blancas como una pieza de arte rara. Probablemente realizada en el siglo I por una familia romana noble, la vasija, de unos 33,5 cm de alto, es uno de los 16 ejemplos de esta clase existentes en todo el mundo y ya está determinada como la de mayor importancia y belleza. A pesar de que es muy similar a la famosa Vasija Portland, la cual se encuentra en el Museo Británico, es más grande y presenta una decoración mucho más rica.

 

La vasija está decorada con una escena de batalla animada por 39 figuras que elegantemente emergen del fondo oscuro. El maravilloso descubrimiento pertenece a un coleccionista europeo quien inmediatamente entendió la alta calidad de la pieza a pesar de no conocer su verdadero valor artístico hasta que la llevó a Bonhams para aprender más acerca de su historia. Realizada por los mejores artesanos del Imperio Romano, la vasija está formada por dos capas de vidrio, una azul cobalto con una capa blanca por encima: luego de secada, la capa blanca fue tallada, lijada y limpiada para realizar la decoración de estilo camafeo.

 

Chantelle Rountree, presidenta del departamento de antigüedades de Bonhams, declaró: “Esto es de importancia internacional. Académica y artísticamente tiene un valor incalculable”. Por el momento no hay planes de vender la vasija, por lo que los estudiantes tienen tiempo para examinarla y estudiarla. Richard Falkiner, uno de los expertos que la analizó, declaró: “por lo que puedo ver, la restauración la hace ver como si hubiese estado fuera de la tierra desde el siglo XVIII, probablemente el XVI”.

 

Los artefactos de este estilo son muy apreciados y a lo largo de los siglos se han convertido en una fuente de inspiración para talentosos ceramistas y trabajadores de la porcelana: la renombrada Vasija Portland, de 9 pulgadas de alto y restaurada varias veces, ha sido recordada desde el siglo XVIII en adelante.

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Sombra para el MOMA

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El Consejo de la Ciudad de Nueva York aprobó los planes para la construcción de una torre de 82 pisos al lado del Museo de Arte Moderno. La torre, diseñada por el arquitecto Jean Nouvel, mediría 320.04 metros (1050 pies), más que 381 metros (1250 pies) que fue la primer dimensión propuesta. El Departamento de Planeamiento Urbano estipuló este cambio en el último mes.

 

Hines, el desarrollador del edificio, pagó $ 125 millones de dólares al museo por la propiedad de la Calle Oeste nº 35, entre la Quinta y la Sexta Avenida, dedicada a incluir un hotel, apartamentos residenciales y espacio de exposición adicional para el museo. La gente que vive cerca del lugar se opuso a la construcción de la torre ya que es demasiado alta para el vecindario.

 

Como la altura inferior reducirá el espacio disponible a 45.720 mts2 (150,000 pies2), no está claro aún si el diseño de Nouvel será revisado y si todos los componentes planificados aún así cabrán en el edificio.

El consejo aprobó las variaciones de la torre por 45 votos a 3. El edificio, que habría sido tan alto como el Empire State Building, será ahora alto como el Edificio Chrysler.

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El adiós a Roy DeCarava

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Roy DeCarava, hijo de una madre soltera de Harlem, quien volcó al vecindario en sus telas y se convirtió en uno de los fotógrafos más importantes de su generación al realizar las crónicas de su gente y sus ídolos del jazz, falleció a la edad de 89 años.

 

Su muerte fue anunciada por Sherry Turner DeCarava, su esposa e historiadora del arte quien frecuentemente escribió acerca de su obra.

 

DeCarava estudió para ser pintor, pero cuando empezó a usar la cámara para fotografiar sus trabajos, comenzó a gravitar justamente hacia la fotografía, en parte por su inmediatez y también por las limitaciones que veía él al ser un artista negro en una nación segregada. “Un pintor negro, para ser artista”; dijo una vez, “debe de ingresar al mundo de los blancos o no funcionar – debe aceptar los valores de la cultura blanca”.

 

Con una carrera de aproximadamente 70 años, DeCarava fue primeramente honrado por ser el fundador de una escuela afro-americana de fotografía que rompió con las tradiciones sociales del momento. Él sentía que sus imágenes hablarían más como registro de la vida negra en América, y no ya a partir de los objetivos abiertamente humanistas de mentores como Edward Steichen.

 

No quiero declaraciones documentales o sociológicas”, escribió en la aplicación para una beca en el Guggenheim, que ganó en 1952, convirtiéndose en el primer fotógrafo negro en hacerlo. Su objetivo, explicó, era en realidad “una expresión creativa, un punto de vista penetrante y comprensivo de los negros, como, entiendo, sólo un fotógrafo negro puede interpretar”. Sus libros, como “El dulce matamoscas de la Vida”, un best-seller de 1955 y sus más famosas fotografías fueron altamente influenciables, preparando el terreno para los jóvenes fotógrafos como Beuford Smith y Carrie Mae Weems. Entre las imágenes más memorables esta aquella de la niña en un prístino vestido de graduación caminando por una calle desolada y sombría; un hombre que asciende fatigosamente del metro; y un retrato en escena de John Coltrane tocando con una mirada furiosa y entrecerrada.

 

La gente negra no era retratada de una manera seria y artística”, declaró en 1982.

Peter Galassi, el jefe curador de fotografía del Museo de Arte Moderno, quien organizó una retrospectiva de DeCarava en 1996, dijo: “Tenía realmente un talento natural. Hacía una hermosa imagen seguida de otra. Miraba a la vida cotidiana de Harlem desde su intimidad, no desde una visión política o sociológica. Ningún fotógrafo blanco o negro había mostrado antes la vida común tan perceptiva y tiernamente, tan persuasivamente”.

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Mona Lisa suprema

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La versión gigante de la obra maestra de Leonardo Da Vinci está en actual exposición en el shopping Eagles Meadow en Wrexham, en el Reino Unido. Mide 17.5 metros, cubriendo 240 m2 y es 50 veces más grande que la pintura original del siglo XVI que cuelga en el Museo Louvre en París.

 

La versión de Wrexham, es dos veces más grande que la versión pintada por Rolf Harris en Edimburgo en 2005 –la anterior más grande del mundo. La artista Katy Webster estuvo a cargo del proyecto que involucró a 245 personas y tomó 987 horas para ser pintado, utilizando 86 litros de pintura.

 

Fue pintado en sesiones de diferentes segmentos por grupos comunitarios incluyendo a la Escuela Primaria Victoria y el Centro Haulfan para gente con discapacidades. Luego de que la Mona Lisa gigante fuera revelada, la artista dijo: “Es un poco impactante lo grande que es pero su sonrisa sigue siendo igual de enigmática. Tomó casi una semana hacer su cara; eso fue lo más duro porque todos saben como luce, por lo que tuvimos que ser cien por ciento exactos.”

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Expansión del Museo del Prado

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El prestigioso Museo del Prado en Madrid está continuando satisfactoriamente su plan de reorganización interna, generalmente obteniendo la atención del público gracias a sus iniciativas. Esta vez la famosa pinacoteca ha cruzado un importante umbral de su desarrollo, al presentar una variedad de habitaciones nuevas para hospedar una colección sustancial de obras del siglo XIX. De hecho, la colección permanente, está siendo enriquecida con 176 piezas: 152 pinturas, 2 acuarelas, 21 esculturas y un modelo arqueológico que completan la panorámica histórica-artística propuesta por el museo.

 

La Colección: su segunda expansión” es una de las operaciones principales del plan de acción del museo, para el período 2009-2012. El proyecto implica un aumento del 50 % de la cantidad de trabajos en exposición, durante los cuatro años en cuestión. La apertura de estos nuevos cuartos, ya representa un incremento del 20% con respecto a los trabajos actualmente en exhibición.

 

La muestra de inauguración “El siglo XIX en el Prado”, acompañó la apertura de la nueva y ampliada colección, recibiendo más de un millón de visitantes que no se querían perder la primera gran ocasión de ver obras de los grandes maestros del siglo XIX, cercanos a los grandes genios del pasado. La colección permanente, que incluye un extenso período que va del siglo XII al siglo XX, de la pintura romántica a las vanguardias, perteneció al Prado desde el año 1819, y a lo largo de los años se ha ido enriqueciendo con grandes obras maestras, las cuales se mostrarán en esta oportunidad por primera vez.

 

Las nuevas adquisiciones están valorizadas también al ser organizadas en los 12 cuartos de acuerdo a un orden cronológico, teniendo en cuenta asimismo los diferentes géneros y tendencias que caracterizaron al siglo XIX. Bastante impresionante es el nuevo cuarto que cierra este ciclo de obras, el cuarto de la Presentación de las Colecciones: es una suerte de área de estudio, un limbo que pretende hospedar las fases transitorias del museo, con muestras temporales de pequeños grupos de obras inaccesibles anteriormente.

 

El nuevo show comienza en el primer piso, en la galería central dedicada a aquellos artistas del siglo pasado que estaban en conexión con la apertura del museo. La primera sección, denominada “Goya, Neoclasicismo y orígenes del Museo del Prado”, es introducida por una grandiosa escultura de Isabel de Braganza, reina de España y co-fundadora de la pinacoteca. La muestra continúa con el cuarto del Romanticismo, que reúne a los principales protagonistas del movimiento en España, seguidos por dos cuartos dedicados respectivamente a Federico de Madrazo y a Eduardo Rosales. La próxima habitación, que hospeda pintura histórica, anticipa las obras de Fortuny y Rico antes de llegar a la sección dedicada a Raimundo de Madrazo. Un tono más intimista se percibe en el próximo cubículo, que ilustra excelentes ejemplos de paisajes realistas, cuyo representante es Carlos de Haes, similar a la sección acerca del naturalismo en donde podemos admirar obras nacidas en los ambientes de las escuelas regionales.

 

Una serie de obras monumentales caracteriza a la décima galería, con el retorno a la temática histórica, mayoritariamente pinturas hechas por jóvenes artistas que adhirieron al género, muy apreciados en las muestras nacionales españolas, con el fin de obtener éxito. Joaquín Sorolla (1863.1923), uno de los más grandes artistas españoles entre finales del siglo XIX y principios del XX, tiene un cuarto exclusivamente dedicado a él; es el cuarto nº 11 en donde podemos admirar 10 de sus obras. Finalmente, el último cuarto, “Presentación de la Galería de las Colecciones", está destinada como fue dicho, a la rotación de las obras que no se encuentran en exposición permanente. Hay también ejemplos de arte extranjero, que a pesar de que no son numerosos, sí son muy importantes para confrontar las diferentes situaciones artísticas en los diversos países en un mismo período. Algunos de los trabajos extranjeros más relevantes son las esculturas de Venus y Marte por Antonio Canova, y el Hermes de Bertel Thorvaldsen, y las pinturas características de David Roberts, Alma-Tadema y Meissonier.

http://es.encarta.msn.com/encyclopedia_761586795/Carlos_de_Haes.html
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Los tesoros de Ingmar Bergman

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Las rústicas propiedades en la Isla de Fårö en el Báltico –donde el director Ingmar Bergman vivió, trabajó, produjo varios de sus films y murió- se convertirá en un lugar de retiro sin fines de lucro para artistas y estudiantes.

 

La venta de sus propiedades, que incluyen una biblioteca, una videoteca, mobiliario y obras de arte, fue organizada por Linn Ullmann, la hija de Bergman con su matrimonio Liv Ullmann.

Ahora, la herencia de mi padre estará preservada’ dijo Linn Ullmann en una entrevista telefónica. ‘Nadie lo ha comprado para hacer el ‘bed and breakfast’ de Bergman o Bergmanland’.

 

Cuando Ingmar murió en 2007, Ullmann dijo, su testamento decía que sus propiedades debían ser divididas igualmente entre sus 9 hijos. Con respecto a esto, 'él no quería absolutamente ningún barullo emocional’, dijo Ullmann. ‘Esto es un trocito de Tolstoy o Chekhov, su voluntad’.

 

Bergman también hablaba afectivamente acerca de sus propiedades en Fårö, incluyendo un cine que había establecido en un granero reconstruido, y pensaba ‘qué divertido sería si, luego de su muerte, los artistas continuaran yendo allí y trabajando allí’.

 

La primera vez que Bergman visitó Fårö, cerca de las costas de Gotland, Suecia, en 1960, estaba buscando lugares para su película ‘Through a Glass Darkly’. También produjo allí otros films como ‘Persona’, ‘The Shame’, ‘La Pasión de Anna’ y ‘Escenas de un Matrimonio’. Murió en su casa y fue enterrado en la Iglesia de Fårö juntamente con su esposa Ingrid.

 

Hace como un año, Ullmann empezó a buscar un comprador de las propiedades. ‘En la 12º hora’, un arqueólogo e inventor noruego, Hans Gude Gudesen, las compró de las herencias de Bergman, y donó la utilización de las instalaciones para investigación y fines artísticos.

Ullmann dijo que el lugar comenzará a buscar un director artístico y planeaban su inauguración para el verano de 2010. ‘Woody Allen estará invitado, ya que fue uno de sus fans nº 1, y nunca lo conoció en persona’.

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