Se podrán apreciar los trabajos de Hiroshi Sugimoto, Loris Gréaud, Lee Ufan, Zhang Xiaogang, Song Dong, James Turrell, Corban Walker y Zhang Huan en diversos lugares, incluyendo la exposición principal en el Arsenale and Giardini, Palazzo Grassi, Museo Fortuny, Fondazione Claudio Buziol, y el Irish Pavilion.

El representante oficial irlandés de esta 54º edición, Corban Walker, presentará 3 nuevas instalaciones site-specific en el Irish Pavilion, localizado en el Instituto Santa Maria della Pietà. Dichas instalaciones responden a ciertas reglas y principios matemáticos derivados de la propia altura de Walker, creado una correlación con la experiencia de navegar un mundo creado por otros.

En la exposición habrá también una escultura masiva hecha de 160 cubos de acero engranados, y dos dibujos de vinilo que trazan las ventanas y el interior del instituto della Pietà. Cada trabajo interactúa con la histórica arquitectura del Pavilion y es, de cierta forma, transparente.

Por su parte, el artista Song Dong de China fue seleccionado junto con otros 3 artistas para crear el “Parapavilion” –un espacio arquitectónico que hospedara la obra de otro artista-.

Además, el artista conceptual Loris Gréaud presentará The Gepetto Pavilion, una escultura colosal de una ballena encallada en la entrada del Arsenale, con una’ habitación de aislamiento’ en el abdomen de la ballena, para que el público puedo acceder.

Vergüenza general, abucheos y tentativas de la artista de explicar cómo el trabajo fue concebido...

Es posible de ver en Internet la reproducción de esta instalación, en el sitio web de la galería de Lia Rumma y en el sitio web de “El Camino al Arte Contemporáneo de Roma”.

Las 26 pinturas, las 57 serigrafías, las 39 fotografías, 2 instalaciones (Nubes de Plata y Empapelado de Vaca), y 14 films, incluyendo Las Chicas de Chelsea, Cowboys Solitarios y pruebas de actores en pantalla incluyendo a Dennis Hopper y Edie Sedgwick, viajará luego a la Pinacoteca en San Pablo, Brasil, entre el 15 de Mayo y el 18 de Julio de 2010.

“No creo que a nadie se le ocurra la idea de que estamos reconstruyendo el Muro entre el Este y el Oeste de Berlín nuevamente. Pero hubo muchos quienes ridiculizaron esta idea al principio. Se ha visto como una manera maravillosa para simbolizar la caída del Muro”. El Presidente Ruso Dmitry Medvedev, el Presidente de Francia Nicolás Sarkozy, el Primer Ministro Británico Gordon Brown y la Secretaria de Estado de los EE.UU. Hillary Clinton presenciarán las festividades, dijo.

La caída del Muro de Berlín sucedió el 9 de noviembre de 1989 luego de meses de tensión creciente en Alemania del Este. Muchos se precipitaron inmediatamente a pasos de la frontera después de que un líder Comunista de Alemania del Este dijo en una conferencia de prensa que ellos tenían absoluta libertad para viajar al Oeste. El muro de Berlín, un símbolo de la guerra fría que había hendido la ciudad y Alemania, plácidamente fue derrumbado en los meses que siguió. Las dos Alemanias se reunieron 11 meses más tarde en 1990.

El profesor Ottmar Hörl, de la Academia de Bellas Artes de Nuremberg, testeó las aguas este año al mostrar un gnomo de 40 cm de alto, dispuesto en una pose similar en una galería de arte local. El fiscal se apresuró a actuar después de recibir quejas, pero el profesor Hörl montó una esterlina defensa. “En 1942 los nazis me habrían masacrado por esta pieza de arte”, dijo. “Estoy presentando a la raza superior como gnomos de jardín y esto cae en cualquier definición comprensiva de lo que es una sátira”. El fiscal dio por finalizada la investigación, pero la exposición de Straubing, que ya se inauguró, plantea un desafío muy severo. Es presentada en un espacio público: la Ludwigsplatz, anteriormente conocida como Grossdeutschlandplatz (Plaza de la Gran Alemania), la cual fue alguna vez el sitio de los desfiles nazis. La sinagoga fue saqueada por los nazis y los 42 judíos de la ciudad fueron deportados a campos de concentración.

Otros objetos retienen aspectos del retrato tradicional, utilizando yeso y cera como materiales para asociarlos con el estudio de la práctica tradicional o el trabajo preparatorio. Para los estudios de retratos tallados en papel –como el detalle de la instalación Vanitas Toilette- Botha utiliza Biblias escritas en varias lenguas sudafricanas o diccionarios afro-ingleses, atados con barras de acero y suspendidos sobre cables de acero. Estos bustos superficialmente recuerdan a la piedra tallada aunque su materialidad asegura que están fragmentados y son frágiles, recordando el arquetípico busto-retrato con sus asociaciones con el narcisismo y el poder. Aún Botha juguetonamente subvierte la forma - en este caso, en la cabeza de un proto-humano - y el contenido, con el texto de los libros tallados que añaden otro matiz y el más amplio contexto. Mientras los trabajos deliberadamente están lejos de proporcionar respuestas importantes, sí revelan el proceso de formular preguntas. El resultado es una constelación de signos vagamente familiares orbitando un corazón cambiante.

Botha ganó el premio Stándard Bank Sudáfrica para el Artista Joven en 2005. Su trabajo ha figurado en varias exposiciones internacionales en los últimos años, incluyendo África Remix (2004-2007). Inauguró un espectáculo solista en Michael Stevenson, Ciudad del Cabo, en septiembre de 2009, y en 2010 participará en 11o Triennale für Kleinplastik (trienal de escultura en pequeña escala) en Fellbach, Alemania, seguida de un espectáculo solista en la Galerie Jette Rudolph en Berlín.

Su popularidad se produjo con “Alamo”, familiarmente llamado “El Cubo”, uno de los favoritos del vecindario desde que fue instalado en 1967 como parte del programa “Esculturas en el Medio Ambiente” de la ciudad. Los 25 trabajos del programa pretendían ser instalaciones temporarias, pero luego de un pedido de los habitantes de Astor Place, “Alamo” quedó como escultura permanente.

Un cubo cuadrado de 4.572 metros, hecho de placas de acero Cor-Ten, se mantiene parado a partir de uno de sus vértices y gira sobre un pedestal, lo que lo ha hecho un objeto digno de devoción por parte de los estudiantes de Cooper Union, los skaters de alrededores y los turistas de East Village.

El Sr. Rosenthal también es representado en Manhattan por “Rondo” (1969), el círculo brillante de bronce en frente de la Librería Pública de Nueva York, sobre la calle 58º Este; “5 en 1” (1973) en la Plaza Police; “SteelPark” (1980) en la Calle 80º cerca de la 1º Avenida; y “Hammarskjold”, originalmente instalada en la Plaza Hammarshjold en 1977, pero adquirida el año siguiente por el Instituto ‘Fashion’ de Tecnología en la 7ª Avenida en la calle 27º.

Bernard Rosenthal nació en el Parque Highland, un suburbio de Chicago. Tomó clases de Escultura en el Instituto de Arte de Chicago durante la escuela secundaria, y decidió su carrera después de ver reproducciones en yeso de la producción del escultor ruso Alejandro Archipenko en la Universidad de Michigan, donde obtuvo su título de bachiller en 1936.

En su regreso a Chicago, se acercó a Archipenko, quien estaba viviendo en ese momento en Chicago, y arregló para recibir clases a cambio del moldeo de algunas de las figuras en terracota de Archipenko. El Sr. Rosenthal, quien trabajaba en un estilo semi-realista, realizó su primera comisión, “Una esclava de Nubiana”, para el edificio de la Compañía Elgin Watch en la Feria del Mundo de 1939. Luego ingresó en la Academia de Arte Cranbrook, con el anhelo de estudiar con el escultor figurativista Carl Milles.

En la Segunda Guerra Mundial, el Sr. Rosenthal fue embarcado por las Tropas de Ingenieros de la Armada Inglesa, en donde comandó a un grupo de artistas realizando modelos topográficos. Al final de la guerra, enseñó arte a soldados que esperaban su retorno a casa desde Francia. En 1946 se casó con Halina Kolowicz, estudiante de una de sus clases, quien, luego de mudarse a Nueva York, se convirtió en la presidenta de los Amigos de los Distritos del Lado Noreste Histórico. Murió en 1991. Su esposa, Cynthia, es su único pariente vivo.

Alentado por Charles y Ray Eames, con quienes había formado su amistad en Cranbrook, el Sr. Rosenthal se mudó a Los Ángeles, en donde se encontró con una gran demanda de esculturas por parte de los nuevos edificios en Los Ángeles. En 1952, se convirtió en el primer instructor de escultura en la Universidad de California, Los Ángeles.

Su trabajo ha sido incluido en exposiciones en el Museo Metropolitano de Arte, el Museo de Arte Moderno y El Museo Whitney de Arte Americano.

En 1960, mientras su estilo viraba a la geometría abstracta, se mudó a Nueva York y comenzó a exhibir con Sam Kootz, quien lo convenció de usar su apodo, Tony, profesionalmente. Luego fue representado por Knoedler y André Emmerich. En 2001 se mudó a Southampton.

El Sr. Rosenthal exhibió en todo el mundo. En 1999, Rizzoli publicó una monografía acerca de su trabajo, “Tony Rosenthal”, con un prólogo de Edward Albee.

Un artista muy laborioso y prolífico en sus 90’s encontró que un honor lo eludió. “Nunca tuvo una retrospectiva, pero no importa”, dijo Levene. “Él tiene una todos los días en Nueva York”.