Se podrán apreciar los trabajos de Hiroshi Sugimoto, Loris Gréaud, Lee Ufan, Zhang Xiaogang, Song Dong, James Turrell, Corban Walker y Zhang Huan en diversos lugares, incluyendo la exposición principal en el Arsenale and Giardini, Palazzo Grassi, Museo Fortuny, Fondazione Claudio Buziol, y el Irish Pavilion.

El representante oficial irlandés de esta 54º edición, Corban Walker, presentará 3 nuevas instalaciones site-specific en el Irish Pavilion, localizado en el Instituto Santa Maria della Pietà. Dichas instalaciones responden a ciertas reglas y principios matemáticos derivados de la propia altura de Walker, creado una correlación con la experiencia de navegar un mundo creado por otros.

En la exposición habrá también una escultura masiva hecha de 160 cubos de acero engranados, y dos dibujos de vinilo que trazan las ventanas y el interior del instituto della Pietà. Cada trabajo interactúa con la histórica arquitectura del Pavilion y es, de cierta forma, transparente.

Por su parte, el artista Song Dong de China fue seleccionado junto con otros 3 artistas para crear el “Parapavilion” –un espacio arquitectónico que hospedara la obra de otro artista-.

Además, el artista conceptual Loris Gréaud presentará The Gepetto Pavilion, una escultura colosal de una ballena encallada en la entrada del Arsenale, con una’ habitación de aislamiento’ en el abdomen de la ballena, para que el público puedo acceder.

El profesor Ottmar Hörl, de la Academia de Bellas Artes de Nuremberg, testeó las aguas este año al mostrar un gnomo de 40 cm de alto, dispuesto en una pose similar en una galería de arte local. El fiscal se apresuró a actuar después de recibir quejas, pero el profesor Hörl montó una esterlina defensa. “En 1942 los nazis me habrían masacrado por esta pieza de arte”, dijo. “Estoy presentando a la raza superior como gnomos de jardín y esto cae en cualquier definición comprensiva de lo que es una sátira”. El fiscal dio por finalizada la investigación, pero la exposición de Straubing, que ya se inauguró, plantea un desafío muy severo. Es presentada en un espacio público: la Ludwigsplatz, anteriormente conocida como Grossdeutschlandplatz (Plaza de la Gran Alemania), la cual fue alguna vez el sitio de los desfiles nazis. La sinagoga fue saqueada por los nazis y los 42 judíos de la ciudad fueron deportados a campos de concentración.

Otros objetos retienen aspectos del retrato tradicional, utilizando yeso y cera como materiales para asociarlos con el estudio de la práctica tradicional o el trabajo preparatorio. Para los estudios de retratos tallados en papel –como el detalle de la instalación Vanitas Toilette- Botha utiliza Biblias escritas en varias lenguas sudafricanas o diccionarios afro-ingleses, atados con barras de acero y suspendidos sobre cables de acero. Estos bustos superficialmente recuerdan a la piedra tallada aunque su materialidad asegura que están fragmentados y son frágiles, recordando el arquetípico busto-retrato con sus asociaciones con el narcisismo y el poder. Aún Botha juguetonamente subvierte la forma - en este caso, en la cabeza de un proto-humano - y el contenido, con el texto de los libros tallados que añaden otro matiz y el más amplio contexto. Mientras los trabajos deliberadamente están lejos de proporcionar respuestas importantes, sí revelan el proceso de formular preguntas. El resultado es una constelación de signos vagamente familiares orbitando un corazón cambiante.

Botha ganó el premio Stándard Bank Sudáfrica para el Artista Joven en 2005. Su trabajo ha figurado en varias exposiciones internacionales en los últimos años, incluyendo África Remix (2004-2007). Inauguró un espectáculo solista en Michael Stevenson, Ciudad del Cabo, en septiembre de 2009, y en 2010 participará en 11o Triennale für Kleinplastik (trienal de escultura en pequeña escala) en Fellbach, Alemania, seguida de un espectáculo solista en la Galerie Jette Rudolph en Berlín.

Durante la Comuna de París en 1870-71, Renoir siguió pintando sobre los bancos del Sena, indiferente acerca de la rebelión, lo que casi lo tira al río, ahogado por revolucionarios furiosos que lo tomaron por espía. A partir de la década de 1880 en adelante, prefirió trabajar en su casa -primero en París, luego en Cagnes-sur-Mer sobre el Cote d'Azur cuyo clima caliente alivió su dolor. Perdió el interés en nuevas temáticas; lo que lo obsesionaba ahora eran las muchachas jóvenes, cuanto más desnudas mejor. No le gustaban las posturas trilladas de modelos profesionales, lo que le hizo buscar su modelo en su propia casa: Gabriela Renard, su criada, posó para él al menos 200 veces. Ya en los ‘90, Renoir era famoso. Él amaba viajar e inspirarse en los museos italianos, españoles y holandeses. Los viejos maestros -no la naturaleza- se convirtió en el criterio por el cual él deseaba ser estudiado.

"Renoir en el Siglo XX" abre el 4 de enero de 2010. Luego viajará a Los Angeles (14 de Febrero - 9 de Mayo, 2010) y Filadelfia (12 de Junio – 5 de Septiembre, 2010). Para más información y reservas, visitar www.rmn.fr o llamar al +33-1-4413-1717.

Entre los objetos funerarios hay una tapa de sarcófago Ptolemaico, una selección de stelae y varios shawabits de funcionarios

La exposición es presentada por el Centro de Artes de Arkansas y organizada por el Museo de Bellas Artes de Boston. La colección egipcia del Museo de Bellas Artes es una de las más extensas del mundo. Hoy por hoy es bien conocida por las excavaciones realizadas desde 1905 a 1947 por la Universidad de Harvard. Para el que viva cerca, o este de paso, ¡a no perderse esta colección de reliquias!

El escultor recreó meticulosamente su cara utilizando su propia sangre congelada y utilizada con propósitos artísticos en el año 2006.

La escultura pertenece a una larga serie de retratos que Marc ha venido realizando cada 5 años desde 1991. Este es el único ejemplo accesible, mientras el resto pertenece a colecciones privadas.

Esta famosa broma de 1984 causó una gran conmoción. Durante ese año, en ocasión de una muestra por el centenario del nacimiento de Modigliani y dedicada a sus esculturas, se decidió verificar si una leyenda popular local era verdadera, la leyenda según la cual el maestro de Livorno habría tirado al Fosso Reale algunas de sus esculturas. De acuerdo con esta creencia, el artista retornó temporalmente a Livorno en 1909, decidiendo realizar algunas esculturas las cuales exhibió luego en el Caffé Bardi a artistas amigos, quienes se burlaron de él sugiriéndole que las lanzara al canal.

Explorando el canal cercana a Piazza Cavour, fueron encontradas en 1984 tres esculturas, las cuales representaban 3 cabezas, atribuidas rápidamente por muchos críticos a Modigliani. Después de algunos día, el grupo de los 3 estudiantes de Livorno confesaron que una de las esculturas era en realidad de su autoría. Incluso mostraron una foto que los retrataba con la escultura.

Luego de eso, incluso el autor de las otras 2 cabezas reveló su identidad; era Angelo Froglia, un pintor de Livorno que declaró que lo que había hecho no buscaba ser una burla, sino una ‘operación estética-artística’ para verificar ‘en qué medida la gente, los críticos y los medios de comunicación crean mitos’.

Un chiste colosal, que todavía hoy causa debates en Livorno. Los 3 trabajos fueron expuestos por primera vez en Lugano, en 1999, y en segundo lugar en Livorno, 6 años más tarde, en una muestra visitada por 40 mil personas en 10 días. Un éxito inesperado. Aún, algunas personas están pensando en realizar una muestra permanente. ‘Por el momento, una exposición permanente de las 3 esculturas es sólo una idea en la que estamos trabajando –declara Mario Tredici, canciller responsable de cultura en la Ciudad de Livorno- a pesar de que no está entre las prioridades de la cancillería. De todas formas, estamos convencidos que no es una decisión a ser tomada por una sola persona, sino con el compromiso del sector de expertos’.

Incluso Vittorio Sgarbi intervino en la situación: ‘mostraría esos trabajos, como provocación, en el Museo de Arte Contemporáneo de la Ciudad. Si el alcalde Toscano decide mantenerlas bajo llave, como alcalde de Salemi, pediré tenerlos en préstamo y organizar un evento espectacular en su honor’.

Siempre refiriéndose a la iniciativa de organizar una exposición en Salemi mostrando los ‘falsos Modiglianis’, Sgarbi explica ‘la exposición en cuestión podría llamarse Il grande inganno (El gran engaño), o dado que recuerdo muy bien las opiniones de los críticos podría ser I vestiti dell’imperatore (El ropaje del Emperador). Pondría las 3 cabezas en la mitad del salón y elevadas, para indicar las opiniones expresadas por los principales expertos luego de que fueron encontradas’. Incluso el acalde de Livorno, Alessandro Cosimi, intervino en el debate sobre las 3 cabezas en forma de broma, declarando: ‘Me gustaría vender las tres cabezas falsas de Modigliani, y comprar algo, un trabajo de Modì –y agregó- la idea de una exposición permanente no me parece una buena idea. Nos arriesgaríamos a caer en un provincialismo negativo. En 2004 mostramos las 3 cabezas falsas y fue un triunfo con el público. De todas formas, no me gustaría que Livorno recuerde a Modigliani por las bromas. En cambio, me gustaría venderlas para tener el dinero con el fin de adquirir un dibujo, un trabajo auténtico del gran artista de Livorno’. De todas maneras, ‘la mofa de 25 años atrás fue muy buena –dijo el alcalde de Livorno sonriendo- allí hubo ironía en cómo el poder fue burlado de una manera muy graciosa’.

A quien le gustaría una muestra permanente es a uno de los 3 autores de la broma, Pietro Luridiana: ‘Hay 3 copias falsas, es verdad, pero ¿cómo podemos no definirlas como arte? Él se pregunta – lo que importa es la idea, el ingenio del acto, más que la reproductibilidad. Inclusive, si coincidimos en el valor artístico de una obra, puede ser arte. Entonces, ¿por qué debería ser la gente privada de la posibilidad de ver nuestras falsificaciones? Es un misterio que nos amarga, también porque no comprendemos el motivo. Quizás hay todavía alguna aversión hacia nosotros’.

‘Es realmente una exposición acerca de un joven artista desarrollando su propio vocabulario y respondiendo a lo que lo rodea’, dice Joan Simon, curadora en el Museo Whitney de Arte Americano, quien organizó el show con Brigitte Leal del Centro Pompidou de París. ‘Cuando Calder llegó a París en 1926, él aspiraba a ser pintor; cuando se fue en 1933, él ya había evolucionado hacia el artista que conocemos hoy: una figura internacional y fuerza definida de la escultura del siglo XX’.

‘El maravilloso sentido caprichoso y exuberante de Calder hacen de este show terrorífico algo para toda la familia’, dice el director ejecutivo Matthew Teitelbaum. ‘El Circo de Calder es un trabajo tan encantador. Es emocionante tener la posibilidad de compartirlo con la audiencia canadiense por primera vez junto a los trabajos que hicieron de Calder un artista famoso: los móviles mágicos’.

Los visitantes podrán observar muchas de las increíbles esculturas mecánicas que Calder creó y operó mientras performaba su Circo: un león que ruge antes de poner la cabeza d su domador en su boca; artistas en trapecios que cierran los brazos, vuelan por el aire y luego caen a una red; una bailarina, desnuda y estratégicamente posicionada, seductoramente torciéndose y girando. Dándole el contexto a estas esculturas está el film de Jean Painlevé de 1955, Le Gran Cirque Calder 1927, una grabación visual de la realización del Circo de Calder sólo como él podría hacerlo.

Alexander Calder: los Años de París 1926-1933 incluye 56 esculturas, 6 pinturas y 34 trabajos en papel y fue organizada por el Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York y el Centro Pompidou de Paris.

La muestra permanente ‘Dentro del Antiguo Egipto’ del Museo Field, es una exhibición elaborada y dramática que cuenta la historia del misterioso mundo de los egipcios. Esta muestra deslumbrante, que abrió en 1988, ofrece a sus visitantes la única oportunidad fuera de Egipto para verdaderamente entrar y explorar la tumba mastaba Egipcia de Unis-Ankh, hijo del Rey Faraón Unis, en tamaño real.

Los visitantes primero recorren los niveles superiores de la tumba mastaba y luego descienden a través de un eje de 35 pies hasta llegar a la cámara de entierro subterránea. Después de salir a través del túnel de los ladrones de la tumba, los visitantes pueden encontrar dioramas y escenas de esta avanzada y todavía misteriosa cultura. A lo largo del recorrido los interesados encontrarán al rededor de 30 momias humanas e incontable cantidad de animales momificados.

La colección egipcia del Museo Field combina una presentación magistral de la vida egipcia en configuraciones realistas para crear una experiencia fuerte e inolvidable. Aquí, los visitantes se comprometen activamente tanto con los objetos como con las ideas: explorando una tumba egipcia de 3 historias, caminando a través de una extensión del Valle del Río Nilo, y visitando un mercado antiguo.

La restauración de la representación del personaje de alto mando o del guerrero, quizás, empezó con un registro fotográfico in situ de las piezas para especificar el lugar de cada una de ellas. Los fragmentos tienen diferentes tamaños, desde un milímetro hasta 3 centímetros que forman el torso, los brazos, y el par de aros. Los fragmentos carbonizados utilizados quizás como soporte también fueron encontrados.
“Tiles corresponded to the frontal part of a sculpture” specified Filloy, adding that tiles’ morphology varied from fragments of curved to straight cuts, with convex, concave or flat surfaces. Edges were cut on the bias to be assembled.

“Los azulejos corresponden a la parte frontal de la escultura”, especificó Filloy, añadiendo que la morfología de los azulejos varían de acuerdo a los fragmentos curvos o rectos, con superficies convexas, cóncavas o llanas.

Usando 3 imágenes dimensionales, fue modelada una efigie preliminar que luego fue realizada con plastilina; esto permitió determinar el lugar de cada pieza. Esto resultó en una figura de cuerpo entero de 31 centímetros, y luego se creó un molde de resina rígida para pegar cada fragmento con un adhesivo transparente.

El toque final consistió en el pulido final de la escultura, mencionó Laura Filloy, luego de declarar que fueron instalados unos tubos de aluminio dentro de la escultura para darle estabilidad.

Otra escultura restaurada por el INAH para ser exhibida en la exposición de Teotihuacan es la “Xalla Captive”, la más grandiosa representación antropomórfica de la exhibición, tallada en mármol, y la cual da cuenta de los rituales y las intenciones de destrucción llevados a cabo por los antiguos habitantes de Teotihuacan, ya que presenta quemaduras y cortes.

La exhibición estará abierta hasta fines de Agosto de 2009, en el Museo Nacional de Antropología. Se puede realizar una visita virtual en www.inah.gob.mx/ciudaddelosdioses.

Su popularidad se produjo con “Alamo”, familiarmente llamado “El Cubo”, uno de los favoritos del vecindario desde que fue instalado en 1967 como parte del programa “Esculturas en el Medio Ambiente” de la ciudad. Los 25 trabajos del programa pretendían ser instalaciones temporarias, pero luego de un pedido de los habitantes de Astor Place, “Alamo” quedó como escultura permanente.

Un cubo cuadrado de 4.572 metros, hecho de placas de acero Cor-Ten, se mantiene parado a partir de uno de sus vértices y gira sobre un pedestal, lo que lo ha hecho un objeto digno de devoción por parte de los estudiantes de Cooper Union, los skaters de alrededores y los turistas de East Village.

El Sr. Rosenthal también es representado en Manhattan por “Rondo” (1969), el círculo brillante de bronce en frente de la Librería Pública de Nueva York, sobre la calle 58º Este; “5 en 1” (1973) en la Plaza Police; “SteelPark” (1980) en la Calle 80º cerca de la 1º Avenida; y “Hammarskjold”, originalmente instalada en la Plaza Hammarshjold en 1977, pero adquirida el año siguiente por el Instituto ‘Fashion’ de Tecnología en la 7ª Avenida en la calle 27º.

Bernard Rosenthal nació en el Parque Highland, un suburbio de Chicago. Tomó clases de Escultura en el Instituto de Arte de Chicago durante la escuela secundaria, y decidió su carrera después de ver reproducciones en yeso de la producción del escultor ruso Alejandro Archipenko en la Universidad de Michigan, donde obtuvo su título de bachiller en 1936.

En su regreso a Chicago, se acercó a Archipenko, quien estaba viviendo en ese momento en Chicago, y arregló para recibir clases a cambio del moldeo de algunas de las figuras en terracota de Archipenko. El Sr. Rosenthal, quien trabajaba en un estilo semi-realista, realizó su primera comisión, “Una esclava de Nubiana”, para el edificio de la Compañía Elgin Watch en la Feria del Mundo de 1939. Luego ingresó en la Academia de Arte Cranbrook, con el anhelo de estudiar con el escultor figurativista Carl Milles.

En la Segunda Guerra Mundial, el Sr. Rosenthal fue embarcado por las Tropas de Ingenieros de la Armada Inglesa, en donde comandó a un grupo de artistas realizando modelos topográficos. Al final de la guerra, enseñó arte a soldados que esperaban su retorno a casa desde Francia. En 1946 se casó con Halina Kolowicz, estudiante de una de sus clases, quien, luego de mudarse a Nueva York, se convirtió en la presidenta de los Amigos de los Distritos del Lado Noreste Histórico. Murió en 1991. Su esposa, Cynthia, es su único pariente vivo.

Alentado por Charles y Ray Eames, con quienes había formado su amistad en Cranbrook, el Sr. Rosenthal se mudó a Los Ángeles, en donde se encontró con una gran demanda de esculturas por parte de los nuevos edificios en Los Ángeles. En 1952, se convirtió en el primer instructor de escultura en la Universidad de California, Los Ángeles.

Su trabajo ha sido incluido en exposiciones en el Museo Metropolitano de Arte, el Museo de Arte Moderno y El Museo Whitney de Arte Americano.

En 1960, mientras su estilo viraba a la geometría abstracta, se mudó a Nueva York y comenzó a exhibir con Sam Kootz, quien lo convenció de usar su apodo, Tony, profesionalmente. Luego fue representado por Knoedler y André Emmerich. En 2001 se mudó a Southampton.

El Sr. Rosenthal exhibió en todo el mundo. En 1999, Rizzoli publicó una monografía acerca de su trabajo, “Tony Rosenthal”, con un prólogo de Edward Albee.

Un artista muy laborioso y prolífico en sus 90’s encontró que un honor lo eludió. “Nunca tuvo una retrospectiva, pero no importa”, dijo Levene. “Él tiene una todos los días en Nueva York”.